時間：2023-01-25 12:31:03
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇西方美術史論文，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
關鍵詞：美術史論，審美培養，課程整合
美術史課程是師范院校美術教育專業開設的一門專業必修課，作為一種美術專業理論知識，是師范院校美術教學的一項重要任務。美術史學習可以拓展學生的美術專業知識，豐富學生的視覺審美經驗，提高他們的美術欣賞水平。教學經驗告訴我們：師范生的美術史知識越豐富，對美術史學習方法掌握的越靈活，畢業后從事美術欣賞教學的專業素質就比較好。反之亦然。
一直以來，國內外的美術教育者，都從觀念和意識上一致肯定美術史學習對美術欣賞能力和文化素質的提高，具有不容質疑的價值。目前我國大多數學校的美術史教學中，中國美術史和外國美術史是分別進行的，目的是深入了解和學習美術以加強對自身區域文化的重視，增強民族自豪感和自信心。普通高校美術專業的課程設置借鑒了專業美術院校，卻忽視了培養目標的不同。
筆者通過調查問卷和訪談的方法，了解到大多數學生在中國美術史的學習上，對知識時間段上的對接不是很清晰，只有約43%的學生能夠正確回答中國隋唐時期相對應的知識。可見學生對美術史的整體時間概念掌握缼乏一個清晰的認識，中國美術史課程大多開設在大一這一學年，大一學生思想單純活躍，興趣愛好廣泛，可塑性較強，對老師講授的內容有一種新鮮感，渴求知識。科技論文。但由于思想不牢固，缺乏深入學習的自覺性和創新精神，知識積累不足不好進入研究狀態，所學內容不易串聯，教師在知識點講解上應當注重史話內容的聯系性，以適應現代學生的學習特點。
1 注重美術發展史講授的傳統教學思路。
所有的人類文明、文化無一不是經過歷代的沿襲發展而來的，中國繪畫更是有深遠的歷史，從新石器時代的彩陶（也是我國最早的原始繪畫）到唐代的人物畫再到宋代繪畫的鼎盛時期，再到今天中華民族百花爭艷的繪畫局面都繼承著歷代繪畫的精髓。科技論文。作為教師總是以把知識傳給學生為天職，這一點無可厚非。我們設想一下，我們的儲存量有多少，我們的知識有沒有更新。曾經有個教育學家說，我們教師不能給自己定位成一桶水，把水流給學生，因為這一桶水是有限的，水干了呢，所以他倡導教師一方面要給學生灌溉，更重要的是帶領學生找水源。在美術史講解過程中，注重介紹美術史中不同時期，不同民族由于社會背景、風俗不同而導致的藝術審美觀念和藝術追求演變發展走向，為了提高學生的藝術修養，多提倡“古為今用，洋為中用”的思想指導下吸取藝術養料，把握時代精神提高審美素質。在傳統美術教學中，教師習慣用的是按時間順序講解美術發展過程，以美術的發展的史況作為重點進行講授，如在講解到春秋戰國時期，讓學生試著畫一畫《采桑宴樂戰紋壺》，感受一下上面的剪影式構圖，還可以說一說圖中所表現的內容，既有助于對作品的理解，又可以培養學生的創新精神。這種方法可以將繪畫發展演變過程中的理論內容演繹的淋漓盡致，而且講的更加詳細、更加有助于學生理解這一時期的史論內容。
2 注重培養鑒賞能力的教學思路
很多學生對于美術史論課有一個誤區，認為史論課只是要了解一些名家作品，而對生活中的美卻視而不見，不懂得藝術來源于生活，更重要的是服務于生活。科技論文。日常生活中有很多精彩紛呈的審美現象，以其經論精妙絕倫的姿態，給人們帶來審美的享受，諸如人們的衣、食、住、行等等，都在顯露出個人對藝術審美的追求。美術史課中教師往往一講到底，這樣會造成教師很投入而學生默然的尷尬局面，然而學生的學習活動不是一個被動接受的過程，而是一個主動參與的過程只有學生主體主動積極參與才能調動學生自身的創造性潛能。教師時刻以學生為主體，從學生的興趣入手，不斷探索與自省，全方位的設計課堂教學的過程。要與學生共同上網查閱資料，挖掘作品中的故事題材，每一個欣賞內容都可以用生動形象的故事來渲染。如韓熙載的《夜宴圖》可以配與舒緩的音樂，調動學生的情緒，以簡練的語言講述韓熙載是在怎樣的情形下創作出這幅作品，以及作者是以何種方式表現出自己當時的心情的。使學生對中外美術作品及其豐富的古代文化和藝術遺產有一個深刻的認識引導學生去理解領會和感動藝術的美。老師也要因人而異，充分調動學生的內因，變“要我學為我要學”。覺得上美術史論課是一種美的享受，而不是可有可無的課程。而美術史論課時一種直覺的審視力，這種審視力需要理論知識的支撐，是對美術語言本身的理解以及豐富的情感經驗和對獨特價值的領悟。藝術作品對于學生來說往往是離他們的生活經驗較遠的，他們有更多的“沒見過”、“看不懂”，更不要說的是理解其精髓，感受其魅力了。因此，我們要做的是讓學生對這些藝術作品產生審美認同。
在許多教師看來，美術評論應該是評論家的事，似乎與學生無關，其實不然，在講授課程過程中，學生對于某一個時代、某一幅作品都有一種自己初步的印象和感覺。而作為教師如何抓住學生的最初感覺，可以做為深入分析作品的起點，積極引導學生對具體的美術作品進行欣賞，再如在講解油畫作品《開國大典》時，我要求學生仔細地觀察作品，用語言簡單的描述自己看了作品以后的心理感受，課堂呈現一片活躍熱烈的氣氛。在充分的肯定了學生的回答后，趁機簡單地介紹畫家的生平和創作這幅畫的時代背景，然后引導學生對作品進行深層次的分析，學生們不知不覺中感受到了一堂深刻的愛國主義教育課，同時也獲得了美的享受，實踐證明這樣做的結果是使學生增強了對理解新事物的自信心。對美術作品做深入完整的把握，結合審美感受的理性分析，才能達到深刻地把握作品的內涵和意義。創新教育是以培養人的創造意識，創造能力和創新精神為基本價值取向的教育實踐。美術課程應特別重視對學生個性與創新精神的培養，采取多種辦法。使學生具有將創新新觀念轉化為具體成果的能力。在課堂教學中，教師要積極設生動和諧的氛圍，鼓勵學生展開想象的翅膀，發揮創新的潛能，做到敢想、敢說、敢做、敢畫，教師要充分發揮教學激勵的功能，培養學生的創新意識。
美術史論教學是高等美術教育的重要組成部分。高校美術史論教學承擔著提升美術類學生藝術理論素養、增強藝術鑒賞能力、開拓藝術思維、推動基本技能發展等重要任務。美術史論教學是提高美術類學生藝術素養、人文素養和綜合能力的有效途徑，也是全面提高高等教育質量、深入實施素質教育的要求。人的行動總是受一定的情感支配，人的情感對人生實踐具有重要意義，情感的開發與升華，只有通過情感的作用，美育不同于別的教育就在于它是一種自由的形態，通過寓教于樂，隨風潛入夜，潤物細無聲，使人的心靈得以凈化，當下是一個信息充斥、資源共享的時代，面對空前發達的信息渠道，學生們被動或主動地面對古今中外五花八門的文化現象時，常常會有些迷茫和無措。因而希望能夠通過課堂上尤其是文化味和藝術氛圍濃厚的美術史課得到一些深入的學習。在教師的正確引導下，獲得更多更有用的信息，更多更直接地提高審美能力，讓我們易于為發掘學生的創造潛能，弘揚人的主體精神，促進學生個性和詼諧的發展、努力培養創新型人才而盡力。
【參考文獻】
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上世紀90年代初，中國的高等美術教育和美術研究機構中原有的“美術史及美術理論”專業被陸續改稱美術學，上世紀90年代中期國家有關部門又將美術學定為藝術學一級學科下屬的與音樂學、戲劇學等并列的一個二級學科。從那時起，美術學正式作為一個二級學科在中國誕生，并得到迅速的發展。美術學作為藝術學科的一個分支，涵蓋了視覺造型創作與美術史論研究的廣泛領域，是藝術學領域的支柱學科之一，在我國文化事業的建設和發展中起著重要的作用。遺憾的是，這個重要作用尚未引起普遍的認識，與發達國家比，美術學的社會地位和普及程度相差甚遠。
美術學是人文科學的組成部分，是一門研究美術現象及其規律的科學，美術歷史的演變過程、美術理論及美術批評均是它的主要內容。美術學要研究美術家、美術創作、美術鑒賞、美術活動等美術現象，同時也要研究美術思潮、造型美學、美術史學等。此外，美術學還要研究本身的歷史即美術學史，就像哲學要研究哲學史一樣。美術學既可以運用自己特有的方法進行研究，也可以借鑒哲學、美學、心理學、社會學、文藝學的方法進行研究，因此對美術學的研究還可以同其他學科的研究結合起來，形成美術學研究的邊緣地帶或者形成新的交叉學科，例如美術社會學、美術心理學、美術市場學、美術信息學、美術管理學等等。這里，“美術”二字的涵義有時會擴大到書法及攝影等造型藝術領域。通過這一界定，美術學的基本研究對象包括美術史、美術批評與美術理論，構成了對“美術”這一現象的研究，這在我國已經形成美術學的基本框架。
然而遍覽歐美各地大學的學科設置，卻并不存在一個所謂的“美術學”的概念。至今還沒有與“美術學”對應的英文詞匯。歐美的美術史研究，且以德國為例分析，強調美術史本身的社會文化意義的派別影響最大。特別是潘諾夫斯基圖像學的研究方法成為美術史研究的主流，美術史巨子貢布里希更將圖像學的觀點進一步推延到人文學科的其他領域等等。在此意義上，美術史實際上是借美術的外殼，承載社會文化的歷史內容與含義。設在綜合性大學里面的美術史學科，大都擁有獨立的系別。如美國哈佛大學，哥倫比亞大學，英國的劍橋大學，牛津大學這些知名大學均有美術史研究的專業。另外也有將考古與美術史并置的，如倫敦大學亞非學院就有名為“考古與中國藝術史”。美術理論，美術批評學科，常設在綜合性大學的哲學系美學專業。當然，也有一批藝術院校有美術理論專業。
總之，國外還沒有一個可以能夠包含史、論、評含義的美術學概念。同時，也似乎不存在一個學科管理意義上的美術學。在中國古代美術文獻中，常常把畫評、畫史、畫論結合在一起進行探討。例如南齊謝赫的著名批評著作《古畫品錄》便是這種體例。謝赫在這部著作開頭，就對畫品即繪畫評論做出概括，“夫畫品者，蓋眾畫之優劣也”，接著對繪畫的功能和作用發表見解：“圖繪者，莫不明勸戒，著升沉，千載寂寥，披圖可覽。”這段話便是他的美術觀念和繪畫理論的表述。謝赫提出的繪畫六法，即品評繪畫的六條標準：氣韻生動、骨法用筆、應物象形、隨類賦彩、經營位置、傳移模寫。這六條標準成為此后繪畫批評中的根本原則，也成為我國古代美學理論的重要內容。由此可以看出批評理論和美術作品研究也可以進入史的范疇，中國古代畫論常將史和批評融匯其中。
美術批評與美術史、美術理論是三個既有聯系又有區別的學科，它們卻構成美術學的基本內容。美術批評學可以作為美術學的一個重要的分支加以研究，當然在批評學領域，美術批評學也可以作為批評學的一個分支，與文學批評學、音樂批評學等并列。美術批評運用一定的批評方法與原則，對美術作品的形式、語言、題材、內容、思想和風格進行品析、評判，揭示其價值，分析其優劣，或者對美術現象，美術思潮、美術流派、美術活動進行分析評價，揭示其內在規律和發展趨勢，這種活動就是美術批評或者叫美術評論。美術評論和當前的創作實踐活動聯系比較緊密，批評家要參與美術活動，及時了解創作動向，推動創作活動的發展，美術批評家有時還可參與策劃美術展覽，組織創作研討等活動，因此美術批評也是一項操作性、現實性比較強的活動。而美術批評學則是從理論上總結批評規律，提出批評觀念、批評標準和方法，或者總結歷史上的批評成果，建立起理論形態的批評學科。
美術史是由美術史家和歷史學家或考古學家對歷史發展過程中的美術作品、美術文獻、美術遺跡進行發掘、研究、探討，客觀地揭示美術發展的歷史過程和基本規律的科學。中國第一部比較系統的美術史著作是唐代美術史家張彥遠的《歷代名畫記》，它開創了撰述中國美術史先河。西方美術史學科的建立可以追溯到16世紀意大利畫家瓦薩里寫作的《大藝術家傳》。這部書記錄意大利文藝復興時期的杰出畫家和雕家的生平、活動和創作，為后人研究文藝復興美術家提供了豐富的資料，該書首次出版于1550年。西方藝術史學科的真正建立應以18世紀德國藝術史家溫克爾曼出版《古代藝術史》作為標志。這樣，中國的《歷代名畫記》早于瓦薩里約700年，早于溫克爾曼約900年。所以，中國美術史的學科建立實際上始于盛唐。
美術理論是對美術問題的理論探討，通過對繪畫、雕塑、建筑、工藝美術及設計藝術作品也可以包括書法及攝影的功能與作用、基本特征、形式、結構、語言、風格及其中的審美規律和思想活動，揭示美術的普遍特點與規律。美術理論在狹義上主要是指美術基本原理，在廣義上則可以包括美術美學、美術哲學、美術心理學、美術社會學等內容，從某種意義上講美術批評理論也是美術理論的組成部分，但鑒于美術批評理論和美術評論活動相對的獨立性，因此美術批評和美術理論常常分成兩個相對獨立的學科進行探討。
在對美術史的研究中，最重要的當然是客觀地揭示作品的創作年代、材料、作品的題材內容等，但當美術史家對其內容和形式進行探索時，也必然要與用一定的批評方法和藝術觀念及價值標準對作品做出評判，而在這一過程中，批評或明或暗地在起作用。固此美術史不可能完全離開美術批評。美術批評還是聯系美學、美術理論與美術史、美術作品的橋梁。由此看來，美術批評與美術史、美術理論是緊密聯系、相互促進的，三者成為美術學的基本內容。
在經過以上的論述后，我們便可以知道《美術學博士生畢業論文文叢》這套選題的意義。這套書實際上是在檢閱著我國美術學研究的新水平，雖是博士生的成果，博士生的背后是導師。所以，這套書匯集的成果將包含著改革開放二十多年來的學術智慧。與美術學研究的以往成果比，這批論文在學科研究的廣度和深度上均有新的發展，相信對我國的美術學建設乃至整個美術事業的發展均有重要意義。
僅僅是賞心悅目的生活課題，還是博大精深的學術課題，它反映著民族的歷史積淀，也預示著民族文化的發展，它是一個民族文化狀況的標志，也是一個民族精神狀況的標志。榮寶齋出版社正是站在這個高度上去對待這一選題，希圖讓更多的讀者通過這一套書不僅了解美術包括東方和西方、古典和現代，也由此了解到中國文化的精神和人類的生存價值。
【摘 要】藝術設計專業中都開設了美術史課程，但是這些課程在學校往往不受重視，學生普遍不愿意學習。文章對這一普遍現象進行分析，并試圖找到合適的方法來解決問題。從而提高學生對這類課程的認同感，從而強化教學效果。
【關鍵詞】美術史；教學
美術史相關的課程在全國各大院校的藝術設計專業中都有開設，最具有代表性的就是《中國美術史》和《西方美術史》這兩門課程，但是這類課程目前的狀況比較尷尬。大部分學生對這些課程有著嚴重的偏見，普遍不太愿意學習。筆者作為一名美術史課程的教師，在教學中體會深刻。
據調查，大部分學生在學習美術史課程的時候，都相對被動，不愿意學習，上課的時候相對于其它專業課更容易走神。這對該類課程的教學效果帶來了負面影響。造成這種現象的原因也是多重的，最主要的有以下幾點。首先是覺得這些課程對自己專業能力的提高沒什么作用；其次是認為這些課程過于枯燥、死板、乏味；最后是對這些課程沒有興趣。
在這當中最為突出的原因就是第一個，認為這些美術史課程沒有用。學生的這種觀點是一種非常功利的行為。他們之所以有這樣一種看法，是建立在一種非常局限的“專業”眼光上的。這些學生普遍認為自己的專業是設計，美術史課程和設計好像沒任何聯系，也無法像其它專業課一樣可以直接提高自身的專業能力。作為一名教師，必須扭轉學生的這種觀點，在相關的教學過程中需要經常向學生傳遞出美術與設計的關系。讓學生了解到，學習美術史課程不但可以提高自己的文化修養，還可以提高自己的專業能力。這對相關的任課教師提出了更高的要求，任課教師一方面需要熟悉美術史方面的知識，另一方面也需要熟悉和了解不同設計專業方面的知識。這樣在上課的時候就有針對性，可以對不同設計專業的學生列舉出更為豐富的例子，從而加強學生對美術史課程的認同感。
以筆者為例，筆者所在學校教授的學生主要為動畫設計和平面設計。在進行相關課程講授的時候，需要具有針對性。如在《中國美術史》的課程中，針對動畫專業的學生就應該多強調每個朝代的整體藝術特點，在此特點下有何種風格的建筑、服飾、以及日常用品。這些信息對動畫專業的學生至關重要，因為在他們未來的工作中可能會涉及到各種古代題材的任務。了解這些信息可以讓他們創作出更加真實的作品，從而避免出現張冠李戴的現象。這種現象在不了解每個朝代藝術特點的情況下是很容易出現的。如曾經一部在全國各大衛視播放的日本動畫片《中華小當家》，這部動畫片所處的時代背景是清朝，但是里面人物的打扮，甚至皇帝的打扮都與時代有重大出入。從中不難看出這些信息對動畫專業的重要性，因此授課教師在相關教學中，應該凸顯這種關系。對于其它設計專業同樣應該帶有這種針對性，從而改變學生“無用論”的觀點。
其次，學生認為美術史課程過于枯燥。相當于設計專業來說，美術史課程和其它專業課相比更為枯燥，這也使得學生對這類課程有偏見。史論類課程枯燥、乏味是一種非常普遍的現象，要想將這類課程上好的確對任課教師提出了很大的難度。但書是死的，人是活的，通過多種多樣的教學方法可以改變這種狀況。和其它專業課相比，美術史課程，學生的參與性非常低。課堂上大部分的情況是教師在講臺上講課，學生在下面聽。這使得學生永遠是一個信息的被動接收者，很難真正融入到課程內容中去。而相對于其它專業課程來說，這種情況非常少。其它課程的情況則是教師除了講課之外，還給學生留下了大量的時間來進行實踐，從而參與到整個教學環節中來。學生自然會對這類專業課更喜愛。雖然美術史課程主要以老師講授為主，但是同樣需要考慮學生的參與性問題。
關于加強學生參與性的問題，筆者主要從課程作業和考試兩方面著手。通常美術史類課程的作業主要以寫論文為主。這種形式對于純美術專業的學生是一種比較好的方式，但是對于設計專業的學生效果打折。很多學生為了應付作業，論文直接從網上下載后略作修改。這樣的作業形同虛設，因此根據設計專業的特點來布置恰當的作業是有必要的。以《中國美術史》的作業為例，針對動畫專業的學生，要求根據不同的朝代來設計不同的場景；針對平面專業的學生，可以要求設計不同時代風格的平面招貼等等。這種作業既可以考查學生對課程知識的掌握程度，又考查學生的設計能力，還可以鍛煉學生的動手能力，大大提高了學生的參與性，使得學生將所學的理論知識轉化為一種實踐知識。除此之外，在課程考試的時候，也可以加入類似的考題，從而強化學生對課程知識的掌握。否則課程結束后，學生很容易將所學的內容全部忘掉。
最后，關于學生對美術史類課程的興趣問題。對這類課程沒有興趣，最主要由前面兩個原因組成，一方面覺得無用，另一方面覺得枯燥。如果這兩個問題可以解決，興趣問題也就迎刃而解。
美術史類課程對于設計專業學生的作用是重要的，但是由于該類課程的特殊性，使得以實踐能力為主的設計專業學生往往不夠重視，甚至是忽視。如何上好這些課程，對相應的任課教師提出了很高的要求，筆者根據自己的教學經歷提出了一些想法，望各位同仁共同出謀劃策，從而提高這類課程的教學效果，為培養高素質設計人才打下良好基礎。
論文關鍵詞：應試教育 高校美術教育 現狀 沖擊
應試教育，通常被視為一種偏重于通過考試，以分數來衡量學生水平，以把少數人從多數人中選送進更高一級學校為目的的教學模式，與素質教育相對應。應試教育主要出現在高考、中考的一般文化科目中，這種教育以應付升學考試為主要目標，以“硬件”學科重點教、要考的內容反復教為主要手段，從擠時間，擴大“運動量”上找出路；以反復灌輸為方法，根據考試分數定質量，以“質量”高低論獎賞。根據這種管理方式和體系實施，盡管苦了學生，但可能升學率會暫時上升。這一教學上的短期行為反饋給社會、家長和學生，又使這套管理方式和教學體系得以強化。但在以落實素質教育為己任的藝術類教育中，似乎少見。
時下，隨著擴招以及經濟發展下藝術市場的不斷發展壯大，老牌藝術院校竟相致力于自身原有學科的重新分化與整合，以求新的擴充與發展機遇。高師院校更是力求辦學效益的提高，部分學校對美術專業特別青睞，以致大量的美術專業點如雨后春筍般出現。不少長期將美術視為“游藝”或“準學科”而對之不屑一顧的綜合性大學，也將建構美術專業作為擴大規模、完善學科結構的新思路。美術考生成為當下高考大軍中不可或缺的重要組成部分。長期以來全國幾所美術院校“分割天下”的局面已不復存在，眾多考生同擠獨橋的現象已成為歷史。應試美術教育至此應運而生，并在美術考前教育中起到舉足輕重的影響。
在美術專業高考人數紀錄不斷被刷新的同時，少則幾千，多則數十萬考卷帶來的巨大經濟收益和“看上去很美”的繁榮場景似乎總能讓招生院校深感欣喜。在高考大軍的不斷沖刺下，雖近幾年學齡青年總人數有下滑之勢，高考大軍在數量上已不及往年，但美術類考生卻沒有減少。從最初一個省就那么幾千人報考美術到今天的幾萬、十數萬之眾，應該說挑選到的考生質量不會太差。然而事實卻總是出人意料。學生面對激烈的高考競爭，合理的升學訴求我們當能理解，畫室投機的市場運作機制能在多年的美術高考博弈中獲得可觀的經濟收益我們也無可厚非，但學生質量下滑卻成了美術專業招生單位不得不面對的新課題。大學課程的一再調整，教學大綱的多次修訂，從另一個側面驗證了大學美術教育也在不斷地適應應試美術帶來的巨大沖擊。這種調整基本上可以歸納為以下幾種。
一、傳統發展型
這種院校一般開設美術系科較早，在美術教育中已經形成了自己的獨有特色，在同類專業中形成了較好的聲譽及地位，在招生及學生培養中占據了天時、地利、人和的優勢，可以輕易立于不敗之地。這類院校一般招生人數不多，受擴招的影響也往往較小。對生源質量要求較高，高考應試題目難度較大，簡單的應試教育培訓辦法不可能輕易取得成功。因為這類學校師資力量在全國藝術院校中名列前茅，師生比在一定程度上受擴招影響不大。這類院校的授課類型一般有兩種：一為畫室制。畫室導師制對于落實教師責任，充分調動學生學習的系統性、群體性及主觀能動性有良好的效果，也在一定程度上能保證教學質量。學生入校之初就能有一個相對清晰的目標，大學4年甚至研究生階段都能朝著目標不斷發展。二為兩段式教學模式。這類院校在美術教育中占有相當大的比重，除中國傳統書畫專業等幾個少數專業大一學生不分專業方向外，其余專業全部送由基礎部統一管理教學，一年、一年半或者兩年不等。基礎課程結束以后再由其原來所在的學院、工作室“領回”，繼續該生在專業領域的深造。較之以前的學生進校就分專業不同，現在各大學、美術學院都加大了對基礎部的投入，80%的美術院系都設立了基礎部。很多基本功扎實、業務能力強的教師都投入到基礎教學的一線，力求通過不斷努力提高學生的基礎修為，將學生的專業基本功夯實，以便于后一階段劃分具體專業的教學工作的開展。
二、操作應用型
隨著設計類專業的發展，社會對設計人才和操作應用性人才的需求不斷增加，其地位在現代美術教育中越發顯現。所以，培養美術專業學子的設計能力和操作應用能力成了當代大學美術教育不可或缺的重要組成部分。代表院校一般為一些工科院校或綜合性大學，它們受傳統學院派美術教育影響較小，可以在當代藝術教育中創建其新的教學模式及價值體系，擴招和新的應試機制給這些院校帶來了發展機遇。隨著國家對教育投入的不斷加大，這些院校的美術課程設置早已走出了傳統簡單的制圖模式，部分重點院校其專業性相比專業院校也毫不遜色，而工科院校在美術社會功能中實際應用的優勢卻是傳統專業院校所不具備的。這類院校往往借助學校在工科上的優勢，結合學生基本的審美能力以及素描色彩表現能力，通過美術欣賞、鑒賞以及電腦、機械制圖甚至物理、數學等課程的輔助，提高學生的實際操作動手能力和藝術認知水平，將教學與社會應用實際相結合，力求在應用技能的培養中提高學生的應用能力。結合美術教育社會化、功能化，在教學中做出相應的能動性調整，有一定的進步意義。
三、內涵發展型
業界當下對美術專業的基本功有一種新的看法。所謂基礎，至少包括三個方面：一是人文素養；二是造型能力；三是創造力。這種新的看法恰好給一些美術專業新招生院校帶來了發展機遇。這類院校的美術專業起步稍晚于傳統美術院校，雖然在操作應用上缺乏理工科院校的有利條件，但具備其他學校不具備的人文社會環境。可以利用文科院校在社會科學上的優點，充分發掘美術學科的發展潛能。其教學計劃不會對學生有明顯的專業劃分，沒有國畫、油畫、版畫之說，輕技能而重理論修養，盡最大可能地在滿足教學大綱課程設置的同時提高學生專業修養。走出了技術至上的誤區，脫離了傳統美術教育，更具職業技術教育的性質，努力落實其具有審美文化教育特征的效能。這類院校認為，當下的美術教育已經出現了一種不好的教育趨勢，即重視教育、輕視育人；重技術傳授，輕理論研究和人文精神認知；重傳授和接受知識，輕綜合能力培養。所以，這些院校力求能開拓出一種新型的美術教育模式，以適應美術發展新的需要。開設課程一般分為：美術教育課程、教育哲學課程、教育心理學課程、教育社會學課程、教學研究課程、美術史理論課程、教育實踐課程、美學理論、前沿知識課程等。這種教育模式和操作應用性有很大區別，更看重學生的人文素養培養及專業理論修為，在培養學生專業技法的同時往往更注重學生創造性思維的培養，對近現代繪畫藝術、設計理念及當下藝術思潮予以重點把握。在具體美術作品的創作與分析中，怎么畫、繪畫媒材的選擇上已不再重要，而是將關注的焦點落實到畫什么，和探求畫面背后更深層次的文化和社會語境之中。
四、投機取巧型
美術考生的龐大數量，使一些院校看到了其中的巨大商機，蜂擁而上的專業設置，必然帶來招生規模急劇擴大，以至出現不少地方招生人數與報考人數持平的狀況。擇優選才的原則面對這種狀況蒼白無力。因而不僅多少年來美術專業的文化錄取分數在低水平上徘徊，而且生源的專業素質也呈下降趨勢。如某大學的獨立二級學院，在生源好的前幾年，美術專業一年招生人數就達1000人之多。而在最近生源因受藝術專業就業率以及生源人數減少等影響，招生人數急劇下滑。這種完全為經濟效益而招生的行為，不但成為教育弊病發展的溫床，也成了我們今天看待藝考冷熱程度的晴雨表。更有甚者，有的學校本身并不具備單獨設立美術專業的實力，卻因為特定的環境成為受益者，在不具備培養人才條件的情況下，唯有實行新的變革以適應社會、考生及家長的求學期盼，引進一些看似時髦、前衛的西方現代藝術理念并樹立起自認為新的審美和評判標準，披上“85思潮”“新生代”的外衣，克隆著一個又一個美術“神話”。筆者認為，無論課程怎么調整，只要是利于學生成長，培養學生藝術修養和操作技能的課程，一些創新和嘗試是可以理解的，畢竟反映了學校對美術教育的能動或被動作用，也為當下美術教育的發展做出了努力。然而，在所謂新的、世界的、前衛的藝術理念指導下，這類院校在學生進校后，往往不按常規教育行事，其借鑒的是所謂的西方美術教育內容，認為基本功完全不重要——這是專業院校做的事，他們要做的是與國際接軌，而隨改革開放涌入的西方的意識形態和價值觀念成為其專業設置和教學的“救世主”。教學中的“因人設課”“隨機應變”更是屢見不鮮。至于作為學科教育中應有的合理的課程結構、完善的教學內容，就更是無暇顧及了。開設課程類別五花八門、名目繁多且誕生眾多的新名詞，什么筆墨實驗、綜合媒介……不斷變化的新穎名目成為其教學大綱最大的噱頭，其實仔細研究后發現不過是新瓶裝舊酒。而學生在缺乏明辨是非能力的情況下，往往會被這花樣百出的新名稱搞得迷失自我，成為這些“新模式”的失敗試驗品。當然，這類院校在美術不斷發展中也必將慢慢淡出歷史舞臺，但其消極影響卻不是短期能消解掉的。
關鍵詞：藝術學；學科建設；美術學科；術與學；藝術創作；藝術理論；學術評價；方法論
中圖分類號：J0文獻標識碼：A
自從藝術升為門類以后，關于一級學科如何設立，以及美術創作的學術評價問題為學術界所熱議。雖然，藝術上升為門類經過了靳尚誼、于潤洋、張道一等老一輩學者和中青年學者的共同努力，才確立了今天的地位。但是，讓我記憶猶新的是，2009年4月25日教育部在北京友誼賓館召開的“新時期高等學校藝術類人才培養和學術繁榮工作座談會”，來自全國著名藝術院系的82位知名藝術家、學者出席了座談會。這次座談會仿佛是藝術升門類出征前的號角，會議中有關藝術學科學術評價的議題，遭遇了兩種不同學術視野面對面的一次大交鋒。可以說會議的直接意義是在一定范圍為藝術升門類奠定了思想基礎，對于藝術學科、特別是美術創作學術評價問題進行了一次實質性的大討論。
我有幸參加了藝術學科發展歷史上具有里程碑意義的這次會議，并且直接參與了這場討論。當我又一次展開當年的會議記錄與發言提綱，置身于現場的歷史縱深感油然而生。我清楚地記得，座談會現場有一位著名戲曲理論家發言時，談及藝術學科的學術評價，飛砂走石、情緒激昂，剛有詆毀實踐創作之意，即被座談會第二小組負責人許江先生喝斷，斥責為“有你這樣的想法，我為藝術界感到恥辱”。術與學孰重孰輕、孰高孰低的討論到了白熱化的程度。雖然，留給了大家討論的時間不足兩個半小時，我還是用20分鐘時間闡述了自己對藝術人才培養與學術評價的看法。在發言提綱的開頭，我清晰而又明確地寫著三行文字：“培養曹雪芹，還是培養俞平伯”；“寫《紅樓夢》的人與紅學家哪一個更應該尊重”；藝術學科發展應該“術學并重”。我用《紅樓夢》與紅學的關系，來比喻繪畫創作實踐與美術理論研究，就肇始于此。如果說當時論及這個問題，我表達的觀點多少有些為“美術創作到底有沒有學術”鳴不平的話，那么，經過兩年多的思考，以及近幾個月來，出席國內藝術學界幾次重大的高峰論壇，我本人對這個問題的認識日趨完善。同時，讓我感到欣慰的是：“術學并重”、“《紅樓夢》與紅學”，已經成為當下美術學科學術評價討論用詞率最高的專用詞匯。許多學者已經越來越傾向于認同實踐創作也蘊含著強烈的學術信息，承載著作者的學術思想，進而認為美術學科的術與學無高低之分，應該確立必要的學術評價標準。分析爭論的緣由，主要是美術學如何定義，術與學如何評價，美術學學術評價的原則是什么，存在著不同意見。長時間以來，許多重實踐的學者不斷呼吁：“美術創作也有學術！”從而引發藝術學科學術評價問題的諸多思考。
一、從美術史學研究方法論的現狀看美術學如何定義
藝術升為門類以后，遭遇了美術學科分類和學術評價的大討論。傳統意義上的“學”，又有新的釋義。
美術作為人類創造性文化活動，它的第一要義是精神性的，它的宗旨是感應人的心靈、表達人的心靈、啟迪人的心靈。它賦予了人類思維領域的創造活動本質。因此，思考美術學和美術學科如何定義，可以尋找到術與學如何進行學術評價的邏輯起點，便于我們從藝術門類個體來理解藝術的創造性本質。
在現有的學術視野中，對于美術學和美術學科，我個人同意許平先生對此所作的歸納總結。所謂“學”是人類思想和知識產生與發展的總結。所謂“學科”，則是對于相關專門知識、技能、技巧的分類歸納。“學”是思想和精神文化領域人類知識財富與智慧的貢獻。而“學科”卻是學術制度建設層面的歸類。
我們通常理解的美術學是大人文科學的組成部分，是一門研究美術現象及其規律的科學，美術歷史流變、美術理論、美術批評是它的主要研究內容。關于“美術學”的表述頗具中國特色。有專家研究認為，在歐美大學的學科設置中，不存在所謂“美術學”相對應的英文詞匯。只有“美術史”的概念。歐美美術史研究多為歷史與哲學研究所包容。關于西方美術史研究方法論的梳理，曹意強先生2001年在中央美術學院和中國美術學院博士生中開設了系列講座“歐美藝術史學史與方法論”，對歐美藝術史，特別是美術史研究的方法論作了系統梳理。曹意強先生說：“藝術史不單單是為研究藝術而發展起來的學科。它是一門研究人類探索世界、認識人與自然和人與人的關系的知識模式演變史，這個觀念，在不同的文化中都得到了一致的認可。”①他接著說：“隨著視覺藝術在知識宇宙中的地位的提高，它對于我們認知能力的塑造作用也愈顯重要，藝術與‘行為之書’和‘言詞之書’一起構成了我們理解過去和現在的三部必讀之書。‘藝術之書’不僅磨礪我們的認知機能，而且在方法論上還提供完善我們認知工具的新方式。” ②
進入20世紀以后，強調美術史本身的社會文化意義和人文意義的學術流派，甚至超越了同時并行的李格爾、沃爾夫林、阿恩海姆以直覺心理學為基礎展開的藝術形式美感研究。歐文·潘諾夫斯基的圖像學研究方法成為美術史研究的主流，而美術史學界的另一位扛鼎人物貢布里希則將圖像學的觀點進一步推延到人文學科的其他領域。而曹意強、范景中等先生又推動了中國國內用圖像學理論研究美術史的學術實踐。
當我們論述“美術學”如何定義之時，我們無法繞開潘諾夫斯基和貢布里希，因為以歐美為中心的西方美術史界采用圖像學理論研究東方美術的思潮正強烈地影響著中國國內美術研究。
意大利學者吉多·尼里（Guide Neri）在《歐文·潘諾夫斯基的藝術理論》一文中說：“潘氏的名著《作為象征形式透視》（Perspective as Symbolic Form）曾經激發起五十多年的討論，這本書是他治史方法的最佳例證。在這里，他按一個獨特的歷史哲學觀點闡述空間表達的各種不同的歷史和藝術形式；保衛了藝術形式的‘表意的’特性（即反對形式主義的分析）。同時，要求系統而確切地表述歷史世界的普遍的解釋范疇（即反經驗主義的編年史方法）。”吉多·尼里接著又說：“潘氏展現了重新解釋藝術的全部歷史的可能性，這不是作為一系列心理的一個別的表述，也不是形式方法的分類，而是作為在共同構成和表現人類世界歷史的傳統與技術之間，對歷史遭遇（已發生在已限定的歷史情境中）的編年史。潘氏的決定是要考察藝術生活在現實世界發展中所有的偶然性（相應于在一個整體歷史領域中的連續和間斷），以弄清楚他的工作在‘形式主義的’廣泛傳統中是不可能被同化的——雖然許多人曾試探過。相反，他的工作對洞察歷史問題和形式領域中的內容，顯示了偉大力量。”③而恩斯特·貢布里希作為當今國際學術界藝術史、藝術心理學、藝術哲學的大師級人物，他的學術思想直面科技、設計、以及廣泛人文社會科學領域。他的著作被廣泛刊印，1950年出版的《藝術的故事》，已被重復印刷四百萬冊以上，可以說是藝術理論通俗讀物的圣典。更有范景中等先生翻譯的大量貢布里希著作和談話錄，對中國美術理論研究產生了巨大的學術推動力。
我對貢布里希學術思想的最先了解來自于《藝術與錯覺》和《秩序感》這兩本書，他所強調的藝術與科技進步之間的關系，以及將他的學術定位在圖畫再現的心理學研究給我留下深刻印象。他論述的圖式對稱與對稱破缺，圖畫的秩序與混沌，裝飾與樸素等對立性質對于藝術關系的重要性而言，特別強調了兩極之間的視錯覺張力。他的著作，雖然由于翻譯者用詞技巧問題，有時顯得晦澀難懂。但是，文字間洋溢著的可以被感知的哲學家般的睿智，充分顯示著恩斯特·貢布里希先生的驚人知識量。
目前國內美術史學研究以往從史料和經驗出發，習慣于從斷代史的角度，以時代背景、作品、作者、風格特征這樣的序列，用考據的方法去解讀美術發展流變。中國美術史研究從陳師曾、俞劍華、黃苗子到王伯敏等都是用此方法來做研究。進入20世紀80年代，人們不滿足于此。
首先，研究現代美術的理論家們試圖從弗洛依德、叔本華、尼采那里尋找到圖形背后的思想根基與創作激情。而后，具有黑格爾語言特征的李澤厚先生的美學著作，某種程度上超越了朱光潛先生，用李澤厚特有的美學套路俘獲了一批青年藝術家、藝術學生的心，并以此解釋藝術史和藝術發展流變的現象。大家從一本《美的歷程》中，普及了另外一種了解藝術史的常識。“審美積淀論”、青銅器所凸顯的“猙獰之美”，深深地烙在了年輕藝術家和史論工作者的心里。然而，“審美積淀論”和所謂“獰厲之美”的論斷，也遭遇了后來者的詬病。進入20世紀90年代以后，潘諾夫斯基和貢布里希藝術史研究的方法論，被越來越多地介紹進中國。這一學術研究方法論秉承了人文主義的態度，為我們開啟了藝術創作和作品參與兩種世界心智的大門，即物質的現實世界和自己的感覺世界。盡管，這本質上是從康德那里借來的研究視角與概念，但已經成為潘諾夫斯基強調“作為人文學科的藝術史”理論研究的基礎。在貢布里希的眼里，以再現為主的古代繪畫與現代視覺藝術如此的不同：“通過電視屏幕和電影，通過郵票和食品包裝，現實世界的種種面貌在我們眼前。繪畫在學校里教授，也在家里演習，或者作為一種療法，或者作為一種消遣之計，許多普通的業余愛好者也掌握了一些技法，那些技法會被喬托（Giotto）驚嘆為地地道道的魔法。大概連我們在早餐食物盒子上看到的那些粗糙的彩圖，也會讓喬托那個時代的人瞠目口呆。我不知道是否有人以此得出結論，認為食物盒子比喬托的畫更高明。我不是那種人，但是，我認為再現技術的成功和庸俗化向藝術史家和藝術批評家兩方面提出了一個問題。”④貢布里希力圖喚醒人們用線、形、色呈現的“圖畫”的視覺現實的神秘幻想的驚奇感。既然一件藝術作品屬于它自己的感覺世界，藝術史就必須要創作一種先驗的范疇，用它來講述藝術作品。“藝術作品既屬于現實的，又屬于它自己的感覺世界。”⑤因此，他必然存在著兩種對待他們的方式。
貢布里希先生說：“作為一個藝術史家，我的論述是以一批批傳統圖式語匯的存在和常見的詞法為前提，不再詳細說明它們的具體性質，由于這個問題的本性所決定，有些本來認真地看一看博物館和藝術論著就能得到證實的問題——以往的藝人和藝術家創作他們的杰作時，天地是多么狹窄、變異是多么細微——要想在這里解決，哪怕是僅僅展示一下大量的埃及侍者形象、中國寫竹的繪畫，拜占庭的圣瑪利亞像、哥特式天使像或者巴洛克式兒童像，也需要數目龐大得不相稱的一批插圖。”⑥因為論著的“真正目的并不是描述，而是闡釋為什么藝術家顯然是想讓他們的物象看起來接近自然卻會遭遇始料所不及的困難。”⑦這一段貢布里希寫在《藝術與錯覺》1961年第二版序言中的言論，似乎想說明藝術史研究的另一種途徑。潘諾夫斯基和貢布里希繼承的瓦爾堡的“圖案學研究體系”，對藝術史中的圖像內容及其意義轉變進行探究，對重構藝術史研究體系，對中國美術史學研究產生了深遠影響。
當然，西方美術史學研究的方法論不僅于此。以李格爾、沃爾夫林、阿恩海姆等為代表，以知覺心理學為基礎展開對藝術形式美感研究的方法，也深深地影響著美術理論研究。相對于此，西方美術史研究的方法，深刻影響著中國美術學研究之時，以國內美術與藝術史論家為主的學者，高舉“中國美術學派”的大旗，強調美術研究要重視研究中國美術思想，確立“有自己”的美術觀念緯度，宣揚中國美術學科應有的榮譽。雖然，研究者立意甚高，但影響甚微。
在西方的大學里，美術史學研究實際上是借美術的外殼，承載的任務卻是社會文化的歷史內容與含義。就學科設置而言，他們大多擁有獨立的系別，哈佛大學、哥倫比亞大學、劍橋大學，這些知名大學均有美術史研究的專業，而且各有所長，以我曾進修過的馬里蘭大學為例，他們的美術與美術史專業是設在人文與藝術學院中的，而且以亞洲藝術史，特別是日本及東亞藝術史研究見長。有的美術理論、美術批評學科，又常設在哲學系美學專業之中。總的來說，國外并不存在一個包括史、論、評含義的美術學概念，似乎也不存在一個學科概念上的美術學。
我們今天重新討論美術學與美術學科如何定義，恐怕具有更大的現實性。怎么理解“藝術作品既屬于現實的，又屬于自己的感覺世界”？對于我們今天重新定義美術學，具有重要意義。因此，美術學作為人文科學研究視野中的概念，“學”當然包括了人類思想和知識的產生及其發展的總結。美術學顧名思義，就是人類美術發展流變的思想與智慧的總結與歸納。但是，如果這樣認為，學科概念又是狹窄的，這個“學”還應該包括藝術作品的實踐創作，因為它也是藝術家通過積極的思維活動，用實踐的方式表達自己的感覺世界。新的一級學科美術學的二級學科如何劃分的討論也說明了這一點。其實“美術學”無法找到對應的英文詞匯也不作為怪，因為這種劃分本身是中國式的。因此，美術學與美術學科在當下的語境中，又有一些含混的意味。學包括了學術、學問，甚至創作。美術學又包括了學科歸類的意思。所以我們現在劃定的一級學科美術學，美術學已經不單是美術史學，它必然包括創作理論和創作實踐。美術學更不單單是美術理論與博士點建設，它必須要有寬闊的學術視野來認識美術學所承載的研究內容，它既有人文領域思想的總結，又有學科歸類管理的任務。這與后面論證美術學科的術學之爭有著邏輯關系。
二、從曹雪芹和俞平伯的學術地位看美術
學科的“術”、“學”之爭當我在“2009年教育部新世紀藝術人才培養與學術繁榮座談會”上，用紅樓夢與紅學的關系比喻美術創作與“美術史”及理論，明確表達這一觀點的時候，遭遇了極大的爭論。“科研與創作成果按說還是兩碼事”，這種來自于理論家的阻擊，客觀上形成了兩派觀點。以實踐起家的一批學者，諸如潘公凱、許江、等先生認為美術創作也有學術，并在大會總結交流發言時，潘、許二位為此發出了強烈呼吁。尊重實踐創作的學術意義，重構學術評價體系。由此可見，兩種學術視野的大碰撞，經緯分明。
為什么要將《紅樓夢》與紅學和美術學科的“術”與“學”等同來看待？首先，我認為找到了能夠類比而又值得類比的條件和基礎；其次是源于我本人對《紅樓夢》的偏愛。《紅樓夢》作為一部通俗小說，可以說是實踐創作成果。自乾隆年間開始在民間傳播以來，《紅樓夢》研究，既為一般讀者和愛好者所喜愛，又吸引了大批學有專攻的專業學者。《紅樓夢》描述大觀園的人世情態，仿佛裝有整個中國，每位讀者仿佛都可以從中找到自己。《紅樓夢》作為文學作品的創作成果，反映了作家高超的寫作技巧，豐富的人文素養，以及寫作者滲透其間取之不盡、用之不竭的學術思想。這好比達芬奇創作的《蒙娜麗莎》，一件尺幅不算大的肖像畫作品，卻蘊含著強烈的人文主義理想，神秘的微笑和飽含著生命的人文主義的雙手，是畫家表達自己學術理想的載體。正是這幅作品強調的學術信息，通過圖像清晰地傳遞給了觀賞者。幾個世紀以來從古典主義的經典美學理論到“達達主義”的現代審美理論都從中找到了自己理解的“蒙娜麗莎”。作品與理論研究，孰輕孰重，孰高孰低，理性的人一目了然。先有《紅樓夢》，然后才有紅學，先有“蒙娜麗莎”，然后才有研究文藝復興的思想家，這些應果關系不應該不明白。當然，人們在肯定紅學的時候，絲毫沒有貶低《紅樓夢》及其作者。相反，所有研究者都懷著敬仰的心情，審視這位跨越時代的文學大師——曹雪芹。
我時常思考，紅學自誕生以來，實則上它的發展也是極其不平常的。似乎冥冥之中，也預示著美術學科中“術”與“學”的不平坦。紅學的稱謂始于清中后期。據清人均耀在《慈竹居零墨》中的記載，清道光年間松江有一位名叫朱昌鼎的文士，篤嗜《紅樓夢》，而當時的學術風氣是講經學，有人問朱，“治何經”？他說：“吾之經學，系少三曲者。”問其者不解其意，他釋道：“吾所世攻者，蓋紅學也。”據說這是紅學的起因。當然這位名叫“均耀”的人，何方人士，我因不是專攻紅學沒有考證，是從民國早年的文藝雜志上轉引而來。
而所謂真正的“紅學”，理論界普遍認為要從和的論戰算起。1917年，的《石頭記索隱》發表，文中指出《紅樓夢》是一本政治小說，認為曹雪芹用隱喻的手法表達了深沉的民族主義思想和強烈的反對滿清的傾向。1921年的《紅樓夢考證》發表，次年又寫了《跋〈紅樓夢考證〉》。在文章中明確指出，《紅樓夢》系曹雪芹的自傳。并向的索引派紅學宣戰，形成了以為代表的考證派與索引派的第一次論爭。論爭的結果，導致了真正意義上紅學的產生，并成為中國現代文學史上的一大奇觀。而以王國維為代表的小說批評派，又開創了紅學研究的新領域。王國維在光緒三十年（1904年）發表了《紅樓夢評論》。由此，紅學的索引派、考證派、小說批評派三大研究派別正式成形。深受其影響，每一派都有其追隨者。其中考證派影響最大、學者最多，占有比較大的優勢。但發展到現在，可采集和索證的新資料越來越少，研究也已步入危機。索引派，因為產生于清末民初，反清思想的索隱與隱喻頗多，有一定的影響。而小說批評派，主要基于《紅樓夢》本身的文學和美學價值，因而有著長久的生命力。從周汝昌、俞平伯、馮其庸到現在活躍的蔣勛（臺灣）、王蒙、劉心武，紅學方興未艾。甚至劉心武以考據方法探討秦可卿身世到了癡迷的境地，有人干脆稱之為“秦學”。更有甚者，將紅學提升為國學，與甲骨學、敦煌學并稱為三大顯學。而且，分析其依據還有自己的理由，說甲骨學是研究上古歷史的，敦煌學是研究中古歷史的，紅學是研究近代史的，凡此種種。
我看《紅樓夢》是因為它是一部好的創作作品，它好比是一幅史詩般的宏大歷史風俗畫。糾纏于“秦可卿的身世”，就如同一定要考證出《西廂記》中的崔鶯鶯究竟為何人一樣無聊之極。北京社科院的王文元在評價紅學時有一段話，我是部分同意的。他說：“按照王國維的思路，研究分析《紅樓夢》的內容、藝術風格與思想性，固然比考證、索引好。然而即使這樣做，也不能謂之‘紅學’，更不該將其升格為‘顯學’。只要把小說當‘學’對待，提筆必落言筌，想擺脫也難。因為凡‘學’都是真實的，一部小說，無論怎樣好，都是虛構的，不存在標準答案。”⑧我推出王文元的觀點，意在告知大家，即便已經約定俗成的觀點和理論概念，也還有不同的意見。而且，王文元的觀點還是有警示作用。更何況，早在1927年魯迅先生就已經在他的《集外集拾遺》中說，《紅樓夢》“單是命意，就因讀者的眼光而有種種：經學家看見《易》，道學家看見，才子看見纏綿，革命家看見排滿，流言家看見宮闈密事。”我甚至在課堂上發揮：“美食家看見紅樓菜，服飾家看見服裝，設計家看見室內陳設，中醫師看見藥方。”當然，紅學如果將《紅樓夢》研究方向引向庸俗化，那就另當別論了。
如果說年少之時對《紅樓夢》中哭哭啼啼、扭捏作態、男歡女愛的矯飾之風頗為反感，對《水滸傳》、《三國演義》中的英雄豪情崇尚有加的話，那么我步入中年以后，重新閱讀《紅樓夢》卻有了新視野。為此，我對《紅樓夢》前后批閱兩遍，將其中所有人物的服飾全部摘錄下來，上至北靜王的頭冠、王熙鳳的華衣、老祖宗送給寶玉的“雀金裘”、寶二爺的木屐和蓑衣，下至襲人、晴雯的內衣，梳理成文。然而，諸葛鎧先生看了我撰寫的《〈紅樓夢〉衣飾研究》一文后，一句“雕蟲小技，意義不大，不發表為好”，隨之我將其束之高閣。雖然文章迄今未發表，但是我對《紅樓夢》及紅學的關注始終未停止。《紅樓夢》已經超越了一般意義的文學描寫，它跨越時代，《紅樓夢》已經成為一部描繪明清兩朝貴族生活與人世滄桑的大百科全書。
鑒于人們對紅學的不同意見，我愿意將曹雪芹和俞平伯兩個人物聯系起來，表達自己對“術”與“學”相互關系的觀點，用他們的關系來比喻美術創作與美術理論研究的關系。
如果說我們將曹雪芹創作的《紅樓夢》，比為“術”的話，作家個人生活的經歷及學養是寫好《紅樓夢》的基礎。“術”需要生活與學養的基礎，如果說小說的成果是以文本的方式呈現的話，畫家作品的呈現方式卻是非文本的，非邏輯的，而是以圖像的方式反映畫家的心靈，呈現畫家的學術品格與學術理想。寫好小說，作好畫，都需要生活、學養、技能、技巧的積淀。
曹雪芹和俞平伯均出生于大學族，一個是世襲官宦之家，一家是書香門第，家學淵源。
曹雪芹據說是內務府正白旗出身，究竟是旗人，還是漢人，學術界是有爭議的。說其小說中淡化時代背景，有反清復明的思想，恐怕要說他是漢人。但是作為世襲的官僚家庭，其曾祖曹璽任江寧織造，曾祖母孫氏做過康熙帝玄燁的保姆，祖父曹寅做過康熙的伴讀和御前侍衛，后任江寧織造，兼任兩淮巡鹽監察御史，極受康熙寵信，他的身世不應該有疑，恐為滿人。曹雪芹素性放達，曾身雜優伶而被鈅空房，常以阮籍自比。他的愛好極其廣泛，金石、詩書、繪畫、園林、中醫、織補、工藝、飲食等相關領域知識積累，為撰寫《紅樓夢》奠定了基礎。他出生在一個“百年望族”的大官僚家庭，享盡榮華富貴。康熙六次巡游江南，四次由其祖父曹寅安排迎駕，甚至還住在曹家。曹寅病故，其子曹颙、曹頫先后繼任江寧織造，他家祖孫三代擔任此職60年之久。雍正初年，曹頫以“行為不端”、“騷擾驛站”和“虧空”等區區罪名革職查辦，家產抄沒，曹頫下獄“枷號”一年有余。曹雪芹經受家庭的衰敗而飽嘗人生的辛酸。晚年的他常常“滿徑蓬蒿”，“舉家食粥”，幾經搬遷住在香山的陋室。他以堅忍不拔的毅力，“披閱十載，增刪五次”，“字字看來皆是血，十年辛苦不尋常”，歷經十年創作了《紅樓夢》，并專心致志地做著修訂工作，死后遺留《紅樓夢》前八十回稿子，另有《廢芝齋集稿》一部。對于曹雪芹的個人形象及其評價，現在之人多有謬誤。畫作中常見的曹雪芹形象均為瘦骨嶙峋的凄苦狀態，實則清人裕瑞在《棗窗閑筆》中有記載：“其人（雪芹）身胖，頭廣而色黑，善談吐，風雅稱戲，觸境生春，聞其奇談，娓娓然令人終日不倦，是以其書絕妙盡致。”活生生描繪出曹雪芹“性格傲岸，憤世嫉俗，豪放不羈”，且嗜酒的人物風貌。
而俞平伯成為紅學家與曹雪芹的身世相得益彰。他是晚清進士、河南學政、樸學大師俞曲園，俞樾老先生的曾孫。其父俞陛云亦是光緒二十四年（1898年）進士和探花，淵源深厚的家學，在他手上薪火相傳。俞平伯的成長，既得益于家學，更仰仗于其父開明的思想。一位前清探花，在許多人眼里一定是食古不化的朽木。其實，俞陛云的思想還是能夠契合時代的，特別是在教育兒子俞平伯的問題上表現得頗具現代意識。俞平伯幼年跟隨曾祖父俞曲園及父親學習傳統文化。年紀稍長后，俞陛云即將俞平伯送到上海學習英文和算術。15歲又進入蘇州當時的新式學校平江中學習讀；16歲時即進入京城最高學府北大的教室，可以說俞平伯接收現代文明的熏陶是得益于父親俞陛云的支持。
俞平伯第一次讀《紅樓夢》，據說是1911辛亥年。一個十來歲的少年讀的是閑書，不能完全讀懂，而且也不太感興趣。據王華著的《紅學才子俞平伯》披露，俞平伯說：“那時我心目中的好書，是《西游記》、《三國演義》、《蕩寇志》之類，《紅樓夢》是算不得什么的。”十來歲的男孩看不懂《紅樓夢》是完全合乎常情的。據傅斯年當年寫給校長的信中透露，1920年海上西行英國留學的空閑中，他倆所讀的不費力氣的書主要有《紅樓夢》。后來俞平伯在《紅樓夢辯引論》中回憶道：“孟真（傅斯年，字孟真）每以文學的眼光來批評他，時有妙論，我遂能深一層了解這書底意義、價值。但雖然如此，卻還沒有系統的研究底興味。”但無論怎么說，這次海上西行的空閑，正好給俞平伯打下了研究《紅樓夢》的基礎。由此還可看出，他迷上紅學研究，開始就只是打發空閑，并不是當學問來研究的，歪打正著俞平伯成為紅學專家那是后話。俞平伯在英國逗留了13天，就又乘坐郵輪“佐渡丸號”回國了。多年以后，俞平伯回憶這段匆匆的英倫之旅，在當時留學界中傳為笑談，仍頗有“終不悔”的味道。回國之后，蔡、胡對于《紅樓夢》的論爭，誘發了俞平伯參與討論《紅樓夢》的極大興趣，于是他寫了《對于〈石頭記索隱第六版自序〉的批評》一文。發表在1922年3月7日，上海出版的《時事新報·學燈》上，署名一個“平”字。讀到此處后，曾在日記中寫道：“平伯的駁論不很好”，但俞平伯敢于直言不畏地批評校長，進行辯論，這種精神是很勇敢的。批的索引派，可以說是新紅學誕生的先聲。這情形讓我聯系到當下美術史論的陳腐，有人站在高高的山崗上，唯我獨尊，聽不到別人不同意見，美術理論界厚古薄今，重“學”輕“術”的術學之爭，實質上也是某種不良學風的體現。
我拿曹雪芹與俞平伯的學術地位說事，為的是想回擊重學輕術的陳腐之見。《紅樓夢》作為實踐創作作品理當歸為“術”，紅學以《紅樓夢》為研究載體，重學理重理論可說是“學”。一位是曹雪芹，不因為是小說家，被后人小看之為“文人”，而掩蓋不了他的偉大。俞平伯作為新紅學的代表人物，積極參加“五四”，精研中國古典文學，從不看輕曹雪芹而夜郎獨大。他還是現代詩人和作家。他同樣出身名門，并以新詩人、散文家享譽文壇，自己亦絲毫不輕視“術”。更何況二人的學術影響及在歷史上的地位還是不可等同而語的。
三、美術學科學術評價必須秉持“術學并重”的原則
我用如此之長的篇幅來闡述曹雪芹與俞平伯，無非想說明美術創作與美術理論研究應該“術”“學”并重，無高低之分，美術創作也有學術。當然，應該承認實踐與理論是有區別的，實踐問題更無法同大學、小學、音韻學、考據學、甲骨學、訓詁學等國之重學相比。因此，學術主管部門應該建立兩套不同的學術評價體系。讓學者相互攻訐，創作與理論到底誰更有學術，無益于學術事業的發展。問題的癥結是學術主管部門應該承擔起責任，從頂層設計做起，在廣泛調研和相互尊重的基礎上，建立起合理的學理上的認知體系和符合專業規律的學術評價體系。
我們謂之“學術”，是指系統專門的學問，是對存在物及其規律的學科化論證。這個詞對應的英文為Academia，更常見的意義是指進行高等教育和研究的科學與文化群體。延伸開來，Academia這個詞也可以用來指“知識的積累”，在這個意義上通常被翻譯為學術，在中國的詞語中學術包含的語義頗多。《史記·老子韓非列傳》：“申不害者，京人也，故鄭之賤臣。學術以干韓昭侯。”《史記·張儀列傳》：“始嘗與蘇秦，俱事鬼谷先生，學術，蘇秦自以不及張儀。”這里講的是學習治國之術。南朝梁何遜《贈族人秣陵兄弟》詩：“小子無學術，丁寧困負薪。”宋代蘇軾《十八羅漢頌》：“梵相奇古，學術淵博。”明朝李東陽《求退錄》：“加以志慮日短，學術愈荒。”這里說的是學問和學識。黃人《〈清文匯〉序》：“再一代之政教風尚，則有一代之學術思想。”章炳麟《訄書·學變》：“漢晉間學術則不變。”這里蘊含的是有系統的比較專門的學問。而坡《到惠州謝表》：“臣性資偏淺，學術荒唐。”宋朝吳曾《能改齋漫錄·神仙鬼怪》：“士大夫以嗜欲殺身，以財力殺子孫，以政事殺人，以學術殺天下后事。”明朝李贄《孔明為后主寫申韓管子六韜》：“墨子之學術貴儉，商子之學術貴法，申子之學術貴術，韓非子兼貴法、術。”在中國詞語解釋中，學和術分而述之，其語義又更趨復雜。單“術”字又有技藝，方法，甚至道路的意義。我們現在所述的術與學，特指學，即為理論，術可作為創作實踐代名詞。
由于美術學科的學術高地多為純理論家所占領，他們中的許多人是大文科轉行而來的理論家，他們囿于文學、哲學研究的思路，更重所謂學理的研究，輕視實踐創作中的學術評價問題。而美術學科學術評價體系的確立又直接影響美術學科的繁榮與發展，以及學科和學術成果評價的話語權。
近幾個月來頻繁參加國內相關會議，每次論及美術學科及相關藝術學的學術評價問題，多有爭論。爭論的陣營也多分兩大派。其中最重要的會議有三次：其一為2011年4月下旬由曹意強先生召集的“國務院藝術學科評論組成員擴大會議”在杭州中國美術學院召開，學科評議組絕大多數成員均參加了此次會議。會議主題之一就是學術評價問題。其二為5月18日由葉朗、王一川先生召集的“2011綜合性大學藝術學科發展論壇”在北京召開，會議的重點是藝術學升為門類以后，綜合大學藝術學理論如何建設，以及綜合大學如何發揮優勢建設藝術學科。其三是2011年6月29日黃厚明先生召集的“全國高校美術學科發展高峰論壇”在浙江大學召開，會議主題是美術學科發展。但會議的真正焦點卻是在學術評價問題之上。上述三個會議中的后兩次會議，我再次發表了美術學科建設應該“術學并重”，對其學術評價問題以“《紅樓夢》與紅學”關系入手，不應該有高低之分，實踐創造也有學術等問題發表了看法。北京大學會議上葉朗、王一川先生，以及其他理論家對此觀點雖有不同意見但都給予了觀念認同，并在會議綜述中給予了意見表述，顯示了對待學術研究的包容性。但是6月29日的浙江大學會議在自由發言的討論中，有關美術學科學術評價因所舉“《紅樓夢》與紅學”而引伸出“術學并重”問題，遭遇部分理論家的強力阻擊。以北京大學李松先生為代表的理論家，發表了與此截然相反的觀點，引起會議的熱烈討論。客觀上，毛建波、包林和我成為這場爭論的另外一方。特別是在我發言完畢之后，李松先生發問的“四個如果說”，直接導致這場爭論的白熱化。當我用《紅樓夢》與紅學來意比美術創作與美術理論研究都包含有學術的含義，是術學并重，沒有高低之分之后，李松先生發問了“四個如果說”，由于語速極快我只記住了兩個發問。大意是，他不能同意用《紅樓夢》與紅學來比喻美術創作與美術理論研究的學術地位。他說：“如果說弗洛依德研究精神病是學術，那么精神病患者也有學術說啰？”“如果說學者研究民間藝術是學術，那么剪紙老藝人也有學術啰？”……他的直接發問，完全否定了繪畫實踐創作的學術意義，將置于形而上的理論研究放到了目空一切的高度。如果說這場討論僅此而已，作為持對立觀點的我，會尊重其個人的價值判斷。但當學術主持沈語冰先生在最后總結陳詞之時表達了對李松觀點支持的時候，我認識到了美術學科學術生態問題的嚴重性。術學之爭不能夠有公正和理性的認識，美術學科的學術評價就可能出現偏差。將直接影響大學美術學科建設的健康發展，將直接影響美術學科學術重心的偏移。這是導致寫這篇長文的直接動因。
持上述觀點的理論家至少偷換了概念，我認為李松等理論家所想是當下美術理論界的一個縮影。我無意詆毀李松先生，他在宗教美術領域的研究受我尊重。但術學之爭反映了李松等一批理論家內心對美術學如何定義以及如何評價等問題觀念上的狹隘。用《紅樓夢》與紅學的比喻美術創作與美術理論研究，是基于《紅樓夢》與優秀的美術創作實踐同樣具備人類創造性精神文化活動的本質，同樣是通過作品展示作者（畫家）精神世界的學術理想的“文化產品”。這和“精神病”是無法等同起來的概念。李松們混淆概念不知是出于其何種思維，而將民間藝人與學者對立起來，雖然不是邏輯概念出了問題，但是從一個側面反映李松先生從內心割裂了精神世界同樣如此豐滿的手工藝人與學者思想感情融通的渠道。實則上，民間藝術家同樣具有豐富的精神世界，他們的創造同樣是作者心靈世界的外顯，其中的學術含義也是不言自明的。
其實，李松先生所述觀點本身是自相矛盾的。他如此看輕美術創作學術問題，那么所謂美術學研究的載體又是什么？難道是空對空的概念游戲和形而上的哲學抽象？李松先生作為“首屆中國美術獎·理論評論獎”的獲得者，他的獲獎論文是《論〈八十七神仙卷〉與〈朝元仙仗圖〉之原位》。對于其獲獎的評價是：這一論文回歸了“美術”的美術史研究，體現出一種藝術本體為核心，又具有深厚人文內涵的理論文章。更有評論認為李松的理論貢獻“立足于美術作品內部的構成因素和藝術特質，將作品與歷史環境緊密聯系的寫作風格。作者通過對圖像細膩的觀看和分析，善于發現有價值的細節，同時又緊密關注藝術史的縱向變化，具有宏大的歷史性眼光。”為此我要試問：脫離了作品本身的學術思想、技能技巧，如何回歸“美術”？如何體現“藝術本體”？如何立足于“藝術特質”？如何發現有“價值的細節”？又如何從“圖像細膩的觀看與分析”體察出宏大的歷史性眼光？難道是李松先生憑空想出來的？李松先生沒有從作品體會到什么？理論家成果建立的基礎是作品，作品本身的深刻含義是畫家學術思想通過高超技能技巧而體現出來，離開了優秀的作品，哪里來優秀的藝術史著作？固此，貶低美術實踐創作是一種狂妄自大和自欺欺人的做法，更是史學觀、思想觀念和方法論的謬誤。
一場討論美術學科的高峰論壇，狹隘地演變為捍衛美術史教學與理論研究領地的小農意識的爭峰會，我想這不是會議組織者的初衷。究其所以然，是美術學如何定義問題上出了偏差，所以我試圖從美術史研究方法入手，確立美術學如何定義，方才論述美術學的術學之爭。
美術學在當下的學科歸類中不能單純地認為是美術史教學與理論研究。美術學包含著學術和學科歸類的含義，必然包含實踐創作與美術史論兩個方面。更不能將美術學科的學術評價演變為齊白石、劉海粟、陳丹青能不能當博導的爭論。至于技法博士能不能招生就更是另外一個層面討論的問題。在我出席的許多會議上，常有人將學科建設，單純認為是博士點建設。常常聽到自得其樂的理論家們如何譏諷“不學無術”的畫家型教授。我始終認為，繪畫實踐有沒有學術與當不當得成博導是兩碼事。有一種誤解，似乎凡實踐出家的學者必理論不行，理論好的學者實踐必不入流。這實在是天大的誤解。凡大畫家、大師無不學養高深。畫家應該是美術理論的主體，考證格羅塞、費德勤、宗白華是如何定義藝術學的，這是人文學者要下的功夫。中國畫論的主體是畫家，這是中國繪畫史歷久彌堅的法寶。無法想象從不動手實踐，僅憑寫幾本理論書就能繁榮美術創作。更何況在中國古代美術文獻中，畫評、畫史、畫論常是結合在一起探討的。例如南齊謝赫的《古畫品錄》便是這種體例。謝赫在這本批評論著開頭就對畫品即繪畫評論做出了界定，“夫畫品者，蓋眾畫之優劣也”，接著他對繪畫的功能和作用發表更為深入的見解：“圖繪者，莫不明勸戒，著升沉，千載寂寥，披圖可覽。”這一席論述便是他對美術觀眾和繪畫理論的表述。謝赫的“六法論”更是繪畫實踐的總結，也是我國古代美術理論的重要內容。由此可見，從人文社會科學入手，美術批評和美術作品是美術史研究的重要范疇。中國古代畫論常將史和批評融匯其中，形成了美術史、美術理論和美術批評三個重要的組成部分，構成了美術理論研究的基本內容。
綜上所述，美術不僅僅是賞心悅目的生活課題，還是博大精深的學術課題。美術創作和美術作品，它是用非邏輯的感悟、非語言的傳授，用圖像表達畫家理想造型的最高境界。世界各地博物館和美術館的展品承載了人類心靈史的成長軌跡。偉大的美術創作活動反映著民族和歷史的積淀，也預示著人類文化事業的發展，標志著民族文化旗幟的高揚。（責任編輯：楚小慶）
①曹意強《歐美藝術史學史與方法論》，《新美術》 2001年第4期。
②同①。
③[意]吉多·尼里著，汪坦譯《歐文·潘諾夫斯基的藝術理論》，《世界建筑》，1987年第4期。
④[英]E.H.貢布里希著，林夕、范景中譯《藝術與錯覺》，湖南科學技術出版社，2000年版，第4頁。
⑤同④，第9頁。
⑥同④，第9頁。
關鍵詞:藝術學；升級；門類；藝術學理論；學科建設；理論創新；根本任務
中圖分類號：J0文獻標識碼：A
一
我國藝術學學科近20年得到快速發展，經過同仁們的努力，藝術學現已從一級學科上升為門類，從文學門類中獨立出來，藝術學成為和文學、哲學、經濟學、歷史學、法學等并列的一個大學科門類，下屬藝術學理論、美術學、設計藝術學、音樂舞蹈學、戲劇影視學五個一級學科。學科門類的這一次調整，為藝術學的發展提供了新的更大的空間，在我國藝術學發展史上具有重大的歷史意義。
藝術學在我國改革開放以來的新時期，之所以得到快速發展，主要原因是改革開放以來特別是上世紀90年代以來，我國經濟、科技得到較快發展，帶動了全社會對文化與藝術的需求，社會主義經濟大發展的同時，也要求文化和藝術大發展、大繁榮，國家文化軟實力建設必然受到重視，成為國家重要的戰略任務。近20年來藝術教育也得到快速發展。20世紀中國經歷了兩次藝術教育大發展時期。一次是20世紀初，廢除科舉，興辦學堂，一批教育家、藝術家和從海外留學歸來的藝術學子一起試辦新式藝術學院，包括上海美專、北平國立藝專、杭州國立藝專、中央大學藝術系、武昌藝專、蘇州藝專等一大批高等藝術學院創建興辦，成為我國20世紀藝術教育的一大景觀，為培養藝術創作、藝術學研究以及藝術教育人才，起到關鍵作用。
我國藝術教育的另一次大發展，則是在20世紀末。20世紀90年代，隨著高校綜合學科發展的需要，高等教育產業化口號的提出，以及社會對藝術設計人才、美術、音樂及影視等人才的廣泛需求，綜合院校增設藝術設計等專業像井噴一樣爆發，全國有七百多所本科院校設置藝術專業，與此同時，社會管理和學術研究對藝術學理論人才以及藝術管理、文化管理人才的需求，也為藝術學的大發展起了推動作用。此外，我國古代藝術與理論的輝煌成就以及現代藝術教育、藝術創作與理論研究的新的成果，這一切都為藝術學升為門類提供了堅實的基礎，藝術學升為門類是我國藝術與理論及藝術教育的歷史發展與現實要求的必然選擇。
藝術學升為門類，這對我國藝術學的發展既是一次新的機遇，也是一次新的挑戰。作為一級學科的藝術學理論，今后的根本任務是理論創新。如果說前一段時間，我們將部分精力用在藝術學學科定位、學科升級以及學科研究對象和特點的研究方面，而且取得了相應的成果的話，那么今后的任務，則應將更多的精力集中在藝術學學科的理論創新方面。作為藝術學理論一級學科，更應將理論創新作為首要任務，包括藝術原理、藝術史學理論和藝術批評理論的創新，這為藝術學理論的研究者提供了廣闊的舞臺，同時也提供了新的機遇。我們國家將科技創新提到戰略高度，正在實施經濟發展模式的轉換，即由資源消費性、勞動力成本廉價和粗放式的經濟增長方式，向原創性和科技創新拉動經濟增長新的發展模式轉換，由產品之中國制造向中國創造轉換。科技創新或自主創新、科技和產品的核心因素和核心價值的創新，已成為社會進一步發展的根本的內在動力。科技創新，是我國經濟社會發展的必然要求，是我們時代的重大主題。在這一背景下，我們可以說，藝術學理論的創新也是時代的要求，是藝術學理論學科可持續發展的內在的必然趨勢，因此，我們應該將藝術學理論創新確立為當前和今后一段工作中學科發展的戰略目標。
二
呂思勉先生在其《先秦學術概論》一書中開宗明義地指出，我國學術發展可以分為七個時期，第一個時期是先秦諸子百家之學；第二個時期是兩漢之儒學；第三個時期是魏晉之玄學；第四個時期是南北朝至隋唐之佛學；第五個時期是宋明之理學；第六個時期是清代之漢學；第七個時期是現今之所謂新學。“七者之中，兩漢、魏晉不過承襲古人；佛學受諸印度；理學家雖辟佛，實于佛學入之甚深；清代漢學，考證之法甚精，而于主義無所創辟；最近新說，則又受諸歐美者也。歷代學術，純為我所自創者，實止先秦之學耳。”①如果我們將《論語》《老子》《莊子》《韓非子》《墨子》等視為哲學、倫理、政論等方面之學術上的原創，或將春秋戰國時期視為我國學術的原創時期的話，那么我們另可將魏晉南北朝時期視為藝術理論史上的原創期。
論文摘要：雕塑的產生和材料是分不開的，雖然大多情況下材料只是一種媒介，但人們對材料探索和加工工藝掌握的過程，也是雕塑的制作、審美和形式發展的一個過程。現代雕塑的發展過程也是對固有雕塑材料探索、拓展的過程，隨著雕塑概念的解構，雕塑材料的內涵和外延也將發生很大的變化。
一、雕塑材料與中國傳統雕塑發展
《圣經》云：上帝用塵土按自己的模樣創造出世上第一個男人亞當。中國神話也載有女媧“摶黃土為人”。似乎人類一開始便與萬物結下不解之緣。雕塑的起源不是本論文的主題，但雕塑的產生與物質材料分不開，雕塑形象是借助物質材料呈現出來的。雕塑史的發展，撇開雕塑語言自身發展規律外，與人類科技文明的發展也是密不可分的。人類制造工具，后創造形象。從削制的石頭工具和用黏土涂在編制或木制的容器上經火烤而成的陶器工具開始，似乎雕塑這個詞的“雕刻和塑造”的內涵已經具備。后隨青銅冶煉技術的發展，在雕塑材料里添加新的成員，再由銅制、鐵制工具的使用，使大型的石雕、木雕成為可能。隨科技的發展，不僅雕塑形體的尺寸不斷擴大，制作工藝的精細也成為可能，當然這里涉及到材料來源和其他諸如運輸、安裝等基礎科學技術。在傳統雕塑中，材料只是作為一種媒介，從屬于選擇地位，雕塑幾千年的發展，對材料的運用已非常成熟。
中國古代掌握雕塑材料的情況如下：
* 130～50萬年前：原始人群時期。打制粗糙的石工具。
* 2萬年前：母系氏族初期。打制兼能磨制石、骨工具，并在貝殼上鉆孔穿連，用為裝飾，形成雕刻藝術雛形。
* 6000年前：母系和由母系向父系過渡的氏族時期。磨制各種各樣的石器工具，雕磨玉、牙等裝飾品，燒制泥塑的各種陶器以及簡單的人物、動物造型，成為中國最早的雕塑的起源。
* 4000年前：父系氏族時期。除各種石、玉、牙、陶等器具和裝飾制品外，人像和人體雕塑都有進一步的發展。
* 殷商時期：已熟練地冶煉銅錫等金屬，雕鑄為各種青銅器用具、象形青銅器，雕琢玉石象牙等裝飾品和人物動物雕刻制作。官府手工業，有土、金、木、石、獸（皮革）、草（葦席）等六工。
* 周代：更有珠（翠）、象牙、玉、石、木、金、革、羽等八材之分。
* 戰國：雕塑藝術走向精致。在青銅器方面，鑲嵌錯金銀技術有突出的發展。
* 秦漢：雕塑走向成熟，在制作大型雕塑方面已有豐富的經驗。
* 唐代：在雕塑表現形式上，所有的石雕、銅鑄、木雕、泥塑、陶瓷塑以及夾纻、錘碟等，唐代已普遍盛行。在雕塑材料上，紫檀、黃楊、玉石、犀角、象牙以至竹根等，已是應有盡有。在雕刻技法上，雕、琢、鏤、刻、剔、嵌等，亦無不刀鑿兼施，五光十色。
* 宋、元、明、清時期：宋代有雕瓷出現。元代在工部以下，有出蠟局、鑄瀉局、銀局、鑌鐵局、瑪瑙玉局、石局、木局、竹局等。這個時期，除雕漆以外其他工藝美術，如石雕、玉雕、牙雕、木雕、竹雕等工藝無不得到發展。
二、雕塑材料與中國傳統審美
雕塑是造型藝術中與材料最直接相關的一門藝術，雖然材料只是一種媒介，但在雕塑的審美中，材料占有重要的位置，沒有它，美就沒有形象性、具體性和直觀性，就不能作用于人的感觀而成為審美對象。由于雕塑形象的呈現是借助物質材料而呈現的，材料本身的表面肌理也構成了形象呈現的一個方面，使得與觸覺相聯系的質感具有了審美的意義。但另一方面，在傳統雕塑中，材料本身質地與雕塑作品二者的審美結果不一定成正比的。一件大理石的作品或許是失敗的，一件泥制的作品可能是杰出的。雕塑作品的審美就其本質而言，是有和物質材料不同的特征，它不能歸結為物質的特征和屬性。一件作品的泥稿、石膏、鑄銅三個形式，其審美價值應該在澆銅之前已經存在。當然，媒介材料有時也直接對雕塑的人物性格起象征作用。同一作品用大理石或花崗巖雕成，前者溫柔，后者剛硬，給人的感覺是不同的。
在所有傳統雕塑材料中，對材質美感的認識方面，其他材料是很難與玉石相匹敵的。在古代中國，玉器的被注意是在新石器時代末期，青銅器漸次萌芽之時。玉質的天然美既深得奴隸主的愛好，而玉工的傳統技巧又得到新工具（青銅器）補助大有提高，故大量玉器被制作。
因硬玉和軟玉都有溫潤之光和不可描寫之色，深為人所好。“夫昔者君子比德于玉焉，溫潤而澤，仁也；縝密以栗，智也；糜而不劌，義也；垂之如隊，禮也；叩之其聲，清越以長，其終詘然，樂也；瑕不掩瑜，瑜不掩瑕，忠也；孚尹旁達，信也；氣如白虹，天也；精神見于山川，地也；圭璋特達，德也；天下莫不貴者，道也。”（《禮記·聘義》第四十八篇）。這里不僅把玉看作堅貞溫和、不屈不撓的高尚品格的象征，而且把玉作為人生行為至好標準的代稱辭（如玉人、玉色、玉立等）。似乎玉石的材質審美已高于用玉石做媒介的雕塑本身。
象牙與黃金也是貴重雕塑材料，象牙不僅稀少，而且材質純潔光潤，所以很珍貴。黃金為貴金屬，產量不多。材料本身的珍貴使得雕塑的審美效果大大提高。
在傳統雕塑中，人們最愛用而且用得也最廣泛的材料是青銅。以中國青銅器為例，根據歷代著錄及發掘所得，大約成品已超過萬余件。雖然銅的合金有好幾種，但由于長期受腐蝕，最終的質感差別不大，銅制雕塑數量雖多，其材質美感已成定式。木材與石材一樣，材料資源豐富，石材堅固永久，木材的人工雕鑿肌理豐富，兩者加工工藝成熟，很受廣大制作者青睞。
縱觀中國古代雕塑，一方面與繪畫相比，雕塑只是工匠們的“皂隸之事”，使得雕塑難以形成系統、完整的理論思維形態，古人為我們留下了大量的雕塑實物資料，卻沒有留下系統的雕塑史論的專著。另則雕塑一直沒有擺脫宗教與墓葬兩大服務，由于題材和儀規的限制，極大地妨礙了雕塑工作者的藝術想象。對雕塑材料的探討也僅局限于工藝品之類。
再者對雕塑材料的探索還跟材料的加工工藝緊密相連，在工業文明之前，手工工藝從某種意義上也有其局限性，其耗費的精力遠大于機械加工手段，機械加工所帶來新的材質美感從某種程度上也推動了雕塑審美的發展。
三、材料探索與西方現代雕塑
赫伯特·里特寫的《現代雕塑簡史》是從羅丹開始的，羅丹本人對雕塑材料有很好的描述，他說大理石近似人的皮膚：“撫摩這座像的時候，幾乎會覺得是溫暖的。”在現代雕塑發展過程中，通過對雕塑材料的探索，產生了立體派、構成主義、未來主義、超現實主義等諸多流派，而對材料自然屬性的探索成為不可分割的一部分。布朗庫希的雕塑形式是“在兩個頗為使人折服的觀念下發展進行的——普遍的和諧及材料的真實性。”1布朗庫希本人也曾表示:“當你雕琢一塊石頭時，你將發現你手中的這塊石頭的精神及其他屬性，你將跟著對這塊材料的思考而展開你的藝術構思。”2布朗庫希所使用的雕塑材料，從現有的作品看仍是銅、大理石、木材等，但他對材料的拋光、著色以及從對材料的觀念出發下的形式等，在現代雕塑史的發展上都占有重要的地位。由于布朗庫希，現代雕塑的特征進一步被奠定——對自然材料的重視。讓我們回顧一下西方現代雕塑史：
雖然畢加索在1909—1910年完成第一件立體派雕塑《女人頭像》，但在隨后兩年間，立體派的“純形式”理想漸漸被一大堆各種物體的“摻雜”所代替——漿糊紙、油氈、木片和細繩，其中脫穎而出的第一件用集合手法做成的雕塑《苦艾酒杯》，是用蠟模翻制的青銅作品，上面放置一把真正的湯匙來平衡整個雕塑。
構成主義的倡導者——塔特林，從畢加索那兒得到了啟迪，開始“一種新型的雕塑，用原材料和現成物品構成藝術品，并將它安置在真實的環境空間中，嚴格摒除任何再現的意圖。材料有著各自的造型品格，用木頭、鐵、玻璃等表面質感來組織一幅藝術品，‘真實空間中真實材料構成’。”3《第三國際紀念碑》這件作品不僅僅用合適的材料來象征這個新時代可能獲得的成就；更進一步說，一種新的藝術也依賴著新的材料也被創造出來，并被賦予社會意義。
而后，康定斯基、嘉博、佩夫斯奈、羅德欽柯和李西斯基相信藝術的功能更為直接——對空間、量感和色彩基本因素的深入研究，如他們所講，去發現“美學、物理和功能上的容量”，雕塑和構成的浮雕似乎是揭示這種物理和功能的容量的最好媒介，也提供了生產上最終的益處。
在包豪斯學校，構成主義的教學分為基礎課和設計課，前者指材料和工具的訓練，后者指觀察、表現和構思的訓練。而后的基礎課指導老師莫霍利·納吉創作出活動的雕塑，而且采用了一種新材料“樹脂玻璃”，到1943年他完成了第一件樹脂玻璃與鉻管的雕塑。
畢加索的立體主義從未同具像傳統作出過決定性分裂，而波丘尼的未來主義則相反，他不僅僅是工業技術文明的第一批藝術家：他們的原則來自技術——動力和運動、機械的節奏和制造的材料。他還宣稱人類的整個藝術體系的基礎都將被改變，同新體系相符合的應是新的形象、新材料、新的社會功能。
對于雕塑的未來發展，具有重大意義的是在繪畫、浮雕、圓雕和現成品之間消除任何形式上的區別。現成品藝術由此產生。這樣的藝術品已經遠遠不是通常的雕塑、繪畫所指的涵義了，而是一件不能具體規定的物體。
輕視思想上的母題，導致雕塑家邁向金屬材料的選擇，金屬易拉長，拉長成絲；易鍛打，可以錘擊成形；還可以熔和鑄。現代雕塑家充分利用金屬的這些特點，開始制作金屬焊接雕塑。
由以上的西方現代雕塑各流派的發展得出：材料的探索對雕塑的發展意義重大。
雖然，在亨利·摩爾的作品中青銅作為最終材料不斷出現，但他的雕塑設計隨材料變化而作相應的調整。在雕塑中發現的材料真實性對他來說是最重要的特質。每種物質材料都有它自己的特質，只有當雕塑作品直接地與材料發生關系時，物質材料才能作為觀念的一部分發揮作用。例如巖石是堅硬和凝固的，它不可能超出它的物質結構之外去勉強達到一種柔軟的程度。
隨著雕塑概念的解構，現代藝術家已從生態學、大地藝術、多媒體藝術等多樣藝術入口，將藝術與人的感官和環境、時間、空間等緊密地聯系起來，各種藝術的可能性正在探索。材料的內涵已不僅是傳統雕塑材料中的金、石、木等，而是指包括多媒體在內的各種媒介。
參考文獻：
論文摘要：我國傳統藝術的現代化引發了爭論，中國藝術界只有立足當下，正確理解“現代性”，客觀地對待經濟、文化的全球化，發揚“拿來主義”精神，區別對待西方的現代科技文化與文化藝術。將西方現代藝術與中國傳統藝術辯證、有機的結合起來，方能實現傳統藝術真正的現代化。
前言
由于“現代性”的內涵是隨著時代、地區、民族等因素而產生不同，所以我們要將這個概念運用到中國傳統藝術的現代化問題中時，必須結合我國的實際情況，用辯證、發展的方法將西方的“現代性”與中國的傳統藝術中“民族性”的有機的結合起來。
一、藝術“現代性”的產生與發展
對于什么是“現代性”，福柯在其《什么是啟蒙》中說：“我不知道我們是否可以把現代性想象成為一種態度而不是一個歷史時期。所謂態度，我指的是與當代現實相聯系的模式；一種有特定人民所作的資源的選擇；最后，一種思想和感覺的方式，也是一種行為和舉止的方式……”。因此，“現代性”實際上是一種超越、發展傳統的行為或觀念。黑格爾更認識到了現代性對于藝術的現實意義：藝術家擁有創作的自由：
l9世紀中后期至今的現代、后現代主義藝術運動，就是藝術家們自由的進行藝術創作，不停突破傳統、進行各種藝術實驗的表現。但是，二者所表現出的“現代性”含義又是有所不同的。現代主義藝術中的“現代性”與歐洲工業革命引起的社會物質和精神層面的動蕩有著不可磨滅的關系。工業革命導致尼采所說的“上帝死了”，宗教神話思維被現代科技理性所取代。這種宗教整一性意識遭到徹底破壞，必然帶來了全社會性的困惑、混亂和焦慮。藝術領域中先后出現了印象主義、后印象主義、野獸派、立體主義以及表現主義、未來主義等各種我行我素的實驗藝術，就是藝術家面對這種社會劇變所作出的反應。而在經歷了兩次世界大戰的痛苦以及現代科技的突飛猛進后，藝術家們開始將自己完全淹沒在現代科技文化的浪潮中，不再象19世紀的痛苦掙扎，通過回歸自我來對抗科技壓力，而是開始滿心喜悅的享受了，后現代主義也就是因此現了。雖然從某種意義上可以說，后現代主義的出現與風靡，標志著統治西方200多年的“現代”世界觀的危機，但實際上“后現代”又何嘗不是一種新的“現代”觀呢，它們只是隨著社會的發展、科技文化的發展呈現出了與傳統更多更大的不同而已，他們是有著本質的聯系的。因此，當我們借鑒西方的“現代性”觀念時，必須用辨證和發展的眼光來看，而不可斷章取義。
二、西方“現代性”的擴張
除了用歷史發展的眼光去看“現代性”，還要注意由于發展先后、經濟基礎不同、社會制度差異等因素所造成的東西方現代化進程中的強勢和弱勢之分。注意到這個因素，就不會迷失自我而盲目的被他人所左右。
發端于經濟全球化的文化全球化，就是這么一個源自西方世界的強勢文化。以美國為首的西方發達國家以其強大的經濟、科技實力不僅成為經濟全球化的主導，也成為“文化全球化”的主導；更多的發展中國家扮演著弱勢的角色，傳統文化不得不面對著伴隨經濟全球化而來的西方現代、后現代文化的猛烈沖擊。“全球化”的美國文化被形象地概括為“三片”，即代表美國飲食文化的麥當勞“薯片”、代表著美國電影文化的好萊塢“大片”、代表美國信息文明的硅谷“芯片”。而在藝術領域，美國在二戰后借助其霸權化的科技、經濟、政治地位向滿目瘡痍的歐洲推廣美國式藝術，先后樹立起了滴灑抽象表現主義、集合主義、波普藝術、極少主義、觀念主義等符合美國意識形態需求的藝術流派，并使之隨著經濟全球化擴張到世界各地。在二戰后3O年內，美國式藝術成為世界性藝術，成為世界藝術發展的風向標。美國著名學者約瑟夫·奈認為，相對于政治經濟的硬力量，文化是一種軟力量，但是它對社會的影響力和滲透力卻是持續不斷的。英國學者湯林森更認為這是一種新的文化殖民，是文化帝國主義的在全球的擴張。雖然湯林森說的看起來有點偏激，但是文化全球化傳播的力度和強度超過以往任何一個時代，其發展勢頭不容忽視。
因此，面對從西方蜂擁而來的現代、后現代藝術文化，作為發展中國家同時又有著歷史悠久的文化藝術成就的中國，保持一顆清醒的頭腦是相當重要的，既不要盲目崇拜，也不要自菲薄。
三、中國傳統藝術的現代化
如何實現中同傳統藝術的現代化，現在存在三種觀點：一，立足于過去。贊同這種選擇的人主張用“傳統文化中的許多優秀部分”去“抵制隨著改革開放而來的西方腐敗的意識文明，保持民族固有的美德與自尊”。二，立足于未來。贊同這種選擇的人，強調“中同畫可以推向世界，為了世界性、歷史性的需要，讓世界接受中國畫”，立足于現在。這批論者傾向于中國美術的現代化，面對嚴峻的現實，對傳統進行深刻的反思。
很明顯，前兩種觀點不僅忽略了傳統的實踐性或延續性，把傳統看作靜止的、凝固著的東西，還屬于狹隘的“文化民族主義”觀，是不明智的，也是行不通的?而第三種觀點是較為符合現實需要的，岡為它是以發展和辯證的方法去看待和解決我國藝術目前面臨的問題。首先，我國藝術必須是要發展的，而來自外部的促動和營養是必不可少的素。比如，被中華民族視為悠久歷史傳統的象征的“塔”這種建筑形式，其實是來自印度的舶來品，是隨著佛教在東晉傳人后才在中困遍地開花的。中世紀時期的伊斯蘭圍家之所以獲得在科技文化上的巨大發展，是因為他們翻譯了大量卉希羅的文化典籍，而歐洲的文藝復興也是以這些著作作為啟蒙和基奠的。現代的美國文化之所以能在全世界迅速傳播，除了其科技、經濟高度發達的原因外，其本身的文化“雜合”性也是重要原因之一一。此，并沒有什么純粹的文化可供民族主義膜拜；文化藝術的發展，除了在自身尋找發展規律外，尋求外來文化的幫助是不可避免的。其次，在吸收外來文化的時候，以何種態度對待隨經濟、科技、傳媒浪潮奔襲而來所謂“強勢文化”，是傳統藝術現代化的一個關鍵：美同在世界上確實占有領先地位是科技文化，此，正如有史論家所說的“美國當代藝術與其說是藝術，不如說是技術的表現”在它的后現代藝術里，從集合主義、波普、超級現實主義、構成主義、大地主義、裝置藝術以及廣泛化的觀念主義藝術，無不充斥了美國科技文化語境中的圖像和技術產品，科技文化的產物成為藝術家創作的表現對象和手段以新奇體驗代替審美，混跡于生活取代藝術的精英意識成為藝術的新內涵此，這種藝術已經完全脫離藝術的文化傳統只是高度發達的科技、經濟甚至政治的產物。以這種認識為前提，就不會將“非藝術化”的后現代藝術與發達的科技文化混為一談，不會盲目的崇拜或反對外來的現當代文化一以“拿來主義”的方式，對于我圍經濟科技發展有利的先進的科技文化可以全盤接受，而對不符合我閏發聰現實，與我周藝術傳統形式或意識完全割裂的后現代芝術．就要小心謹慎，只能吸收其“合理內核”了。
除了純藝術領域，在應朋藝術領域也要特別注意防止中國本土文化識別特征的喪失、從西方傳到中國的現代藝術設計由于其與人們的日常生活密切相關，以及它本身所具備的易推廣、易操作等的特性，使其在短短幾十年內廣泛進入了我們的生活。然而，這種“繁殖”迅速的現代藝術設計，卻會因為他的標準化、可量化、科學化的特性卻極容易使一個國家民族的傳統藝術設計喪失殆盡。在現代藝術設計剛剛在歐洲推廣的時代，莫里斯的新工藝美術運動就是歐洲傳統手工藝在遭到幾乎是滅頂之災時對現代藝術設計的反抗。我國目前的藝術設計正在重蹈覆轍，中國優秀的傳統藝術已被許多開口包豪斯、后現代的現代設計師拋擲腦后，難怪一位日本設計師看過了浦東蔓延的摩天大樓后說了一句發人深省的話：“中國沒有現代設計!”。因此，在學習利用西方現代藝術設計時，不僅要看到它的優勢，更要認識到他的局限：過于注重功能和形式而沒有文化底蘊，放之各國皆準卻而沒有民族特色。這種統一的設計思路和模式將會使我們的現代文化完全失去中國的民族特色。只有采取雙贏的結合戰略，將源自西方的“現代性”與我國的“民族性”相結合，將西方現代藝術思想和中國傳統藝術有機的結合，才既能實現中國傳統藝術的現代化，又能保持了藝術的中國身份。將西方現代藝術設計注重功能、標準、量化的特點與我國傳統設計中的注重感性、象征的審美特色以及深厚的文化內涵相結合，才能真正實現中國傳統藝術設計的現代化；認清西方現代、后現代藝術實際上是西方工業革命、現代科技革命的產物這個事實，就會知道中國傳統藝術的現代化不僅要吸收西方現代藝術思想，更要考慮到我國的當下社會發展階段，更要考慮我國本身的藝術傳統。
只有這樣，才既不會陷入設計領域的狹隘的民族主義，又不會失去藝術的中國身份。
關鍵詞 音樂學；綜合藝術；實踐教學；文化產業
中圖分類號 G640
文獻標識碼 A
文章編號 1004-4434（2013）01-0220-04
前言
2005年，教育部頒發了《關于進一步加強高等學校本科教學工作的若干意見》，明確要求“進一步加強實踐教學，注重學生創新精神和實踐能力的培養”，提出“合理制定實踐教學方案，完善實踐教學體系”。可見，實踐教學作為高等教育教學的重要組成部分，它對于培養學生實踐和創新能力的重要作用愈益凸顯。
建立實踐教學體系的目標在于培養專業人才的綜合實踐能力，它包括相關學科、專業所要求的技術能力；運用知識、技能解決實際問題的應用能力，以及更高層次的創新能力。因此，構建藝術實踐教學體系，需要在學科理論、專業技能的基礎上。根據人才培養目標的要求，結合文化市場的特點，整合各藝術實踐的教學環節，把培養學生綜合實踐能力的教學作為主要目標。
近年來，音樂學專業教學領域對實踐課程的體系建設，越來越注重將音樂學理論與實際聯系起來，融專業技能培養與綜合素質教育于一體。具體在實踐課程的開展中，該專業已逐步從教材的選擇、教學方法的綜合應用，課程內容設計等多方面進行了補充與完善，旨在提高教學的整體質量及學生的專業水準。總體而言，合理、科學地構建實踐教學體系，并通過教學來使學生建立起多元化的思維模式及全方位的知識架構，是該教學體系建設與實施的意義所在。
一、發揮區域優勢 整合教學資源
在我國，文化產業屬于第三產業，具有文化與經濟的雙重屬性，是文化性與商品性的集合體。新世紀以來，隨著我國國民經濟的發展壯大，國內的文化產業已踏入了快速發展的軌道。音樂文化產業作為文化產業中的一個重要組成部分，同時作為帶動我國文化發展必不可少的因素之一，它也已進入了前所未有的繁榮時期。音樂文化產業的發展載體通常包括音樂生產的管理機構、音樂研究教育培養部門、音樂人和社團、生產發行購銷部門、宣傳咨詢部門、售賣部門等。管當前我國的文化市場空前繁榮，音樂產業也隨之得到了快速的發展，但這其中依然還存在著不少問題，如缺乏自由和創新的空間、缺乏高素質的音樂文化產業人才、缺乏完善的法律體系和保護機制等。而如何使我國的音樂文化產業得到更良好的發展，這就需要我們積極地去尋求解決問題的對策。
以北京、上海、廣東等經濟較發達地區目前已獲批的國家級音樂文化產業基地為參照比較，這些地區的產業發展，不論是產業鏈條的構建方面，還是文化資源的高度集成化，它們在全國均具有一定的領先地位。因此其音樂文化產業的發展在全國范圍內也較為成熟。而像廣西等邊疆少數民族地區，雖然地方經濟欠發達，但因其有著豐富的民族音樂資源，而實存十分巨大的發展潛力。正如在廣西這片美麗的八桂之地，居住著壯、漢、瑤、苗、侗、仫佬、毛南等多個民族，其悠久的歷史文化和極富特色的民族音樂資源都將成為廣西音樂文化產業發展中重要的原動力。除此之外，廣西所擁有的獨特的地理區位優勢也使其近幾年來作為中國與東盟國家文化交往的重要“接口”，開拓著國際與國內兩個市場，壯大著藝術演出業、文化信息業、電影音像業、文化娛樂業、文化節慶會展業5個產業集群，并在全力做大做強以《八桂大歌》為代表的廣西民族歌舞品牌，以《印象·劉三姐》為代表的劉三姐文化品牌，以南寧國際民歌藝術節為代表的節慶文化品牌等文化事業。
目前，廣西的音樂文化產業發展雖已獲得了一些成果，但是它在產業規模、產業質量、市場競爭力等方面還是與發達地區存在著較大的差距，其中制約廣西音樂文化產業發展的主要因素即體現為專業人才的缺乏。音樂文化產業人才應具備有較高的文化藝術素養和創新能力，其不僅要掌握音樂文化產業經營管理的基本理論，同時還要有一般產業管理的綜合應用素質。而現今，廣西從事音樂文化產業工作的人員尚缺乏一定的創新能力、策劃能力及戰略眼光，這在一定程度上制約了廣西音樂文化產業的推進。因此，為促進廣西音樂文化產業的建設與深化，我們必須積極地去培養一批具有開拓精神的復合型音樂人才。
廣西藝術學院作為我國華南地區省屬綜合性藝術院校以及廣西藝術教育的最高學府和歷史最悠久的藝術人才培養基地。建校至今已有70余年。學科下設音樂學院、美術學院、設計學院、中國畫學院、舞蹈學院、人文學院和影視學院等多個專業教學實體。除此之外，在教學設施的硬件方面，學院不僅擁有各類專業工作室、多媒體教室、計算機音樂制作室等多種教學實驗室，還擁有技術條件較先進的音樂廳、匯演中心及美術作品展覽館等公共展演廳和教學實踐平臺。合理運用廣西藝術學院的綜合教學資源，培養音樂學專業學生將多元化的藝術理論融入到文化產業建設的實踐學習中去，不僅可以使其綜合能力成為今后個人就業的競爭優勢，而且其本人也可能成為未來服務于文化產業發展的建設者。
二、實施市場調研 確立培養目標
立足于學科專業屬性，提高實踐教學質量，直接關系到高等教育人才全面培養目標的實現。廣西藝術類高校的綜合實踐教學建設，將對培養廣西本土高等藝術人才和建設具有廣西特色的藝術文化具有戰略性的意義，同時對服務于泛北部灣區域及東盟各國與我國的經濟、文化交流起到積極的促進作用。因此，注重分析、研究國家關于西部、北部灣區域、東盟經濟圈、少數民族地區相關文化、教育、就業、經濟等方面的政策；結合廣西文化市場及相關經濟模式的特殊性，充分考慮音樂學專業的學科特點，分析區內相關高校歷年藝術人才培養方案及就業數據、市場分析報告等，對形成系統性、實用性、指導性的實踐教學體系具有重要的作用。
自2004年始，廣西藝術學院于音樂學院開設了“民族音樂學、音樂史論、音樂傳播學”及人文學院開設了“文化藝術管理、藝術商務、媒體創意”等各音樂學專業方向。雖然這些專業開設的時間不長，但廣西藝術學院所擁有的軟硬件資源優勢和深厚的辦學傳統均成為培養實踐、復合型音樂人才的有利支持。
2009年，即廣西藝術學院第一屆音樂學專業學生畢業之后，音樂學院、人文學院就該專業畢業生的就業情況及相關人才需求進行了較為詳盡的社會調查。調查內容包括：一、“藝術類人才整體素質要求”，項目涉及藝術修養、專業技能、組織策劃能力；二、“藝術類人才理論修養要求”，項目涉及中國傳統文化、藝術鑒賞與評論、中外現當代文化、政治理論修養；三、“藝術管理類人才專業技能要求”，項目涉及聲樂、器樂、設計、美術、影視制作、網頁設計；四、“藝術管理類人才綜合能力要求”，項目涉及文案寫作、營銷管理、人際公關、市場分析等能力。
通過統計、分析反饋信息得出以下數據顯示：人才整體素質方面，用人單位要求具有組織策劃能力的占40%，藝術專業技能的占35%，學術修養的占20%；理論修養程度方面，用人單位對學生掌握中國傳統文化、中外現當代文化、藝術作品鑒賞與評論、政治理論修養的要求基本持平于20%以上；專業技能的掌握方面，用人單位尤其需要學生掌握平面設計或音樂工程操控技能的占28%，有音樂（MIDI）、影視制作技能的占22%，網頁平臺設計的占18%；綜合能力要求方面，用人單位對各項能力的要求也是基本趨于平衡，按關注程度依次排序為人際公關能力、文案寫作能力和營銷管理能力等。（以上數據材料整理自廣西藝術學院音樂學院、人文學院2009年人才需求情況抽樣調查報告）
綜上所述，音樂學專業是以培養具有較高的藝術理論修養和音樂綜合素質，應用能力突出，富有創新精神的復合型人才為主要目標。具體而言，一方面體現于能進行獨立研究和寫作，適應藝術科研機構和文化、教育等部門的工作要求，是從事藝術評論、寫作、教學、科研等工作的復合型音樂藝術人才。另一方面體現于熟悉藝術事業及文化產業的基本特點和發展規律，有較全面的音樂理論知識和較高的藝術鑒賞素養。能緊扣當今媒體時代的發展要求，具備有管理、策劃、經營能力，能在各級政府文化藝術管理部門、廣播電視報刊出版部門，藝術活動團體，群眾文化、企業文化、旅游產業等部門從事工作的高層次專門人才。
三、構建課程體系 完善科目設置
鑒于以上分析，音樂學院和人文學院在進行相關課程設置時，根據音樂學的專業特性及其教學規律，在結合文化市場人才需求和廣西地方經濟發展的同時，學習借鑒區外高校同類專業的教學經驗，進行了科學分析和合理規劃，分別設置了以下兩套課程科目。
（一）“民族音樂學、音樂史論、音樂傳播學”方向
1、專業理論課
《中國音樂史》、《西方音樂史》、《中國傳統音樂》、《音樂評論》、《音樂美學史》、《音樂名作欣賞》、《民族音樂學概論》、《音樂文化傳播學》等。
2、專業選修課
《流行音樂概論》、《音樂社會學》、《20世紀音樂概論》、《世界民族音樂概論》、《音樂市場營銷》、《音樂史料研讀》、《中外歌曲賞析》、《音樂源流學》等。
3、綜合技能課
《演講與口才》、《專業論文寫作》、《鋼琴基礎》、《鍵盤和聲與即興伴奏》、《旋律寫作》、《電子琴演奏基礎》、《計算機音樂制作》、《合唱指揮》等。
4、音樂理論課
《樂理》、《視唱練耳》、《曲式與作品分析》、《和聲》等。
5、專業實踐課
《田野調查》、《藝術展演》、《教學實習》、《文案策劃》、《畢業論文》等。
（二）“文化藝術管理、藝術商務、媒體創意”方向
1、專業理論課
《文化藝術項目策劃與管理》、《財務管理基礎》、《文化藝術市場營銷》、《文化產業概論》、《藝術批評導論》、《廣告學》、《傳播學概論》等。
2、人文通識課
《非物質文化遺產概論》、《藝術批評（音樂、戲劇、影視鑒賞與評論）》、《文化藝術政策與法規》等。
3、綜合技能課
《寫作基礎訓練》、《演講與口才》、《網頁設計制作》、《商務禮儀》、《公共關系學》、《非線性編輯》、《論文寫作》等。
4、音樂必修課
《中外音樂史》、《樂理》、《視唱練耳》、《合唱訓練》等。
5、應用任選課
《播音主持》、《廣播電視節目制作》、《攝影基礎》、《出版策劃》、《戲劇表演》、《國際商法》、《影視制片管理》、《組織行為學》等。
可見，以上課程的設置目的，一是通過專業理論課程的教學，使學生能夠將音樂理論知識與藝術專業基礎相結合，在掌握好音樂學、傳播學、營銷學等學科理論的同時，進一步掌握文化藝術項目創意策劃的基本原理及方法運用；二是通過綜合技能課程群的教學，使學生能具備有較強的邏輯思辨能力、文字功底以及良好的交際溝通能力和較高的素質修養，培養學生獨立策劃、經營管理文化藝術項目的綜合能力；三是通過對人文通識課程群的教學，使學生能夠對我國傳統文化有較系統全面的認識，并兼具一定的藝術鑒賞與評論能力；四是通過對音樂技能課程的教學，使學生能夠具備一定的專業技術及表演水平。
四、搭建實踐平臺 拓展創意空間
如何合理、有效地實施音樂學專業的綜合實踐教學并構建學科體系，“拓展實踐平臺。打造創意基地”是其中重要的建設環節。
廣西藝術學院自2004年設置音樂學專業以來，以緊密貫穿對“藝術價值、社會價值與市場價值”最大化的追求為培養文化建設人才的教學目的及核心理念。在藝術實踐方面，一是學院積極搭建平臺，組織舉辦形式多樣的創意比賽。多年來，在廣西區內高校成功打造了“藝苑杯”——專業技能比賽的校園文化品牌。創意比賽不僅活躍了校園的學術氛圍，同時也提升了學生們的實踐意識。二是學院大力支持學生參加全國性的大學生創意策劃賽事及專業性學術活動。近年來，實踐教學的顯著成效促使學生參賽頻獲佳績，并逐步在業內領域嶄露頭角。總之，通過參加比賽及互動交流，學生們的綜合實踐能力在不斷提高，且歷練出一批又一批藝術領域里具有策劃制作與經營管理能力的后備人才。三是努力打造大學生校外實踐基地以拓展創意空間，將概念走向實踐。學院致力于為懷揣“藝術之夢”的大學生提供藝術成材的社會項目，特別是在他們走出校門后能得到更好的發展，獲得就業或創業的機會。校外基地的實踐優勢首先體現于信息共享，使創意商品化，形成創意活力。實踐基地同時兼具一定的產業功能，它既是創意生產的核心區域，同時又是藝術產品的集散中心，并通過輻射作用帶動區域內文化產業的市場發展。
總之，“實踐平臺”和“創意空間”的構建應基于深厚的學術理論支撐，使學生在系統地掌握專業知識及較全面了解文化市場發展規律的同時，能通過對專業知識的轉換應用來參與和踐行文化事業的新發展。此外“構建”也為廣西高校培養服務于文化產業建設的專門人才進行有效地探索。
人文學科 教師素養 知識技能 職業道德
1、音樂學科之人文教育本質
科爾伯特曾說(冒號)：“1個國家是否偉大，并不取決于它的疆域大小，而是取決于它的人民的品格。”人民的品格如何獲得？學校教育是主要渠道。那么，學校教育之品格獲得又通過何種途徑實現？當然是各學科課程。其中人文學科對人品格的獲得應該承擔幾乎全部的任務，“因為人文學科的貢獻主要在于‘以獨特的方式提高人的價值判斷意識’，在于‘以1種知識和教育領域所沒有的真誠態度’來接納價值觀念。”①而科學學科從整體上很少談論人生的目的、情感、意義等與人的品格緊密相關的東西，因此，以審美為基礎的人文學科之藝術學科在其中必應扮演至關重要的角色。而音樂學科必定成為人文教育中堅，為國人品格的獲得與培養發揮其獨特效用。
筆者從人文學科角度、通過對人文學科教育本質的論述，意在闡釋音樂學科的人文學科的概念內核和音樂教育的人文教育本質，強調音樂學科的重要性。
2、音樂教師素養構成
如上所述，音樂教學實施者——音樂教師的素養就顯得尤為突出與重要，因為首先教師的職業就是以人格再造人格，教師是人的品格的直接影響者、塑造者。正所謂(冒號)：教，上所施，下所效也。其次，因為音樂教師是整個音樂教學活動的直接策劃者、實施者、參與者，因此音樂教師素質高低直接關乎音樂教育質量好壞。音樂教育的成敗關鍵在音樂教師，音樂教師優劣關鍵在教師素養。
（1）知識技能素養
1.音樂專業素養
音樂專業素養是指音樂教師必須具有的直接服務于音樂教學的音樂專業技能、理論及音樂文化知識。筆者稱之為基礎素養。
教師音樂專業素養包含(冒號)：歌唱教學技能、鋼琴彈奏技能、合唱指揮技能、作曲技法技能、音樂理論知識、音樂史論類知識。歌唱教學技能是指音樂演唱能力和水平，基本要求包括(冒號)：良好的樂感、恰當的情感表達、科學的歌唱方法等。鋼琴彈奏技能指教師的鋼琴演奏和伴奏能力，基本要求(冒號)：正確的觸鍵、恰當的情感處理、1定的手指技巧。合唱指揮技能是指音樂教師的專業合唱與指揮能力，包括(冒號)：正確的合唱聲音概念、作品的正確把握處理、基本指揮技術以及組織排練能力等。作曲技能指音樂創作方法與作曲理論知識。音樂專業技能理論知識指音樂專業知識，包括(冒號)：曲式與和聲、基本樂理、視唱和練耳、樂器知識（除通用樂器外，還要了解其他民族樂器，以及電子樂器）。音樂史論類知識指基本音樂歷史知識和相關文化知識，包括(冒號)：中西方音樂史、音樂美學、中外民族民間音樂、通俗音樂等。
上述諸多音樂素養集中體現為音樂教師最基本和最重要的能力——音樂聽力，即音樂辨別或鑒別能力。這種能力既是音樂教師綜合音樂能力的反映，也是具體教學過程所必不可少的。無論是學生的演奏、演唱，還是為學生進行各種演示，向學生提出要求，做出指導，以及逐漸讓學生形成良好的聲音概念和自學能力，包括音樂欣賞，無1不與音樂聽力密切相關。因此，音樂聽力是衡量音樂教師音樂素質高低的1個重要標志。
2.藝術知識技能與其他學科知識素養
藝術技能知識與其他學科知識素養是音樂教師完成音樂教學應該掌握的除音樂專業素養之外的其他藝術門類，其他學科技能知識等。筆者稱之為必要素養。 “美國學校藝術教育第1套在政府干預下，包括有4門藝術課程的綱領性文件——《藝術教育國家標準》這樣表述(冒號)：藝術教育是1個有序的包括音樂、視覺藝術、舞蹈、戲劇4門藝術學科的教育”，②由此我們可以清楚地看到藝術教育結構與內容。這就要求音樂教師素質的復合型，要求音樂教師知識文化的多元性。依據《藝術教育國家標準》，音樂教師的藝術素養應包含(冒號)：基本舞蹈技能與其相關舞蹈知識及1定舞蹈編導能力，簡單美術技法（素描、色彩等）與相關美術知識，簡單戲劇表演能力與相關戲劇知識。
除此之外，音樂教師還應具有1些其他學科知識素養。如1定文學知識與良好的文辭能力、基礎哲學、美學及歷史知識等。
3.教育教學知識與技能
教育教學知識與技能是音樂教師完成音樂課程教學必須具備的教學技能。筆者稱之為工具素養。包括3方面內容(冒號)： “美國DBME以學科為基礎的音樂教育模式，倡導從創作、美學、歷史、評論的角度來學習音樂。其中創作包括即興表演、作曲和表演。”④由此可見，音樂教師在創造性音樂教學能力方面至少應具備表演（包括即興表演）與作曲兩項素質。
2.1般教育教學技能。內容為(冒號)：分析教材組織教材的能力，準確生動的語言表達能力，組織教學活動的能力，準確判斷問題和解決問題的能力，教導學生的能力，現代化教學技能。
3.普通教育教學知識。包括(冒號)：心理學知識，教育學知識，教學法與教學論知識。教育學、心理學知識還包括學生身心發展、學生個體差異及對學生學習客觀正確評價方面的知識。教學法知識包括普通教學法和音樂教學法知識。教學論知識包含教育、教學論、音樂教學論知識等。
4.治學與研究能力
治學與研究能力內容廣泛，包括音樂教師在教育教學方面自我學習研究能力、經驗交流觀摩能力以及教師教育合作能力等。教師治學研究能力非常重要，它間接影響音樂教師教育教學的質量和水平，直接影響到音樂教師知識技能的提高和完善。比如建立科學的音樂教育理念，樹立正確的學生觀，學習新的音樂教育模式，學習先進的音樂教學手段等，都依靠于治學與研究能力。
加里寧指出(冒號)：教師1方面要貢獻自己的東西，另1方面又要像海綿1樣，從人民中、生活中和科學中吸收1切優秀的東西，然后再把這些優秀的東西獻給學生。其樸素的言語揭示了深刻的道理。中國近代偉大的教育家陶行知先生提倡(冒號)：“以教人者教己”“教學做合1”。前輩的教育思想今天仍然適用。 當前，教師要做研究型教育者（筆者稱之為教師學者化），已是中國教育大勢之趨，這勢必要求教師學習研究能力的提高。所以，治學與研究能力是音樂教師必須努力之處。同時，音樂教師要明確終身學習的意識，因為我們身處在1個知識時代、信息時代，知識的淘汰與更新日新月異。
（2）職業道德修養
道德是什么？許慎在《說文解字》中解釋(冒號)：道者，路；德者，得也；惪（德）外得于人，內得于己。在道與德的關系上，古人稱(冒號)：“行道，有得于心，謂之德”。行“道”，“內得于己，外得于人”，稱為“德”。可見，“‘道’具有客觀性，是外在對人的客觀要求。‘德’則具有主觀性，是人內心獲得的信念、意識和品質等。‘道’是‘德’的前提，‘德’是‘道 ’的內化。”⑤
可見，道德應是外在行為規范與內在意識、品性的統1。因此對于教師職業道德修養（簡稱師德），我們應注重教師“內化”的道德，而不是客觀的規范、原則。我們不能把師德僅僅訴諸于條例與規定。對師德的重視由來已久，漢代教育思想家董仲舒強調(冒號)：“興太學，置明師，以養天下之士”。他提出(冒號)：“善為師者，既美其道，有（又）慎其行……吾取之”。他明確指出(冒號)：“善為師”的必要條件首先是“既美其道，有慎其行”的師德。這“美道慎行”充分表明董仲舒對教師道德的高度重視并要求以身作則的意義。師德的內涵主要包括(冒號)：
1.敬業與奉獻
國際21世紀教育委員會向聯合國教科文組織提交的報告《教師——財富蘊藏其中》中指出(冒號)：“人們要求教師既要有技能，又要有職業精神和獻身精神。”筆者認為，敬業與奉獻是師德之首。要做到這1點，教師必須心中有愛。這是因為學校教育作為培養人的活動，其活動基礎是愛，愛是成功教育的基礎。所以愛心是教師敬業奉獻精神之基礎，是最重要的師德素質之內因。這種愛表現為對教學工作的愛和對教育對象的愛。教師內心的愛外化為愛崗敬業之實際體現，樂教勤業之實踐行為。盧梭曾說(冒號)：“有些職業是這樣的高尚，以致1個人如果只為了金錢而從事這些職業的話，就不能不說它是不配這些職業的；軍人從事的就是這樣的職業，教師從事的，就是這樣的職業。”
筆者認為，當代教師真的需要1點“捧著1顆心來，不帶半根草去”的精神追求。再則說，教育本身追根溯源就是無名無利、清白之事。
2.修養與言行
筆者認為修養與言行是教師“道行”之表現，是教育者知識水準、人格修為、思想水平、文化素養之融合。而如是之修養綜合外化為教師言行，教師個人之范行，言行是修養的體現和反映。兩者既獨立又聯系。教師修養與言行以潛移默化的方式影響著學生，而這種影響對學生內心影響更深入、更久遠。
孔子曰(冒號)：“其身正，不令而行，其身不正，雖令不從。”教師之修行對學生的影響十分深遠。烏申斯基說(冒號)：教師個人的范例，對于青年人的心靈，是任何東西都不可能代替的最有用的陽光。所以音樂教師應努力在修養、言行方面多做文章，努力實現自身修為的提升。當然，人的修養需要1生來完成。音樂教師的個人修養也不是1朝1夕能完成的，需要音樂教師用1生來譜寫。但關鍵是我們要去做，因為(冒號)：“請你記住，你不僅是自己學科的教員，而且是學生的教育者、生活的導師和道德的引路人。”前蘇聯現代教育家蘇霍姆林斯基這樣告誡教師。
總之，師德是教育之車輪，教師之羽翼；師德是教育教學之保障。陶行知先生說，教育就是教人做好人，教人做好國民，這要靠教師的德行、教師的學識、教師的才能、教師的高尚人格。
結語
音樂學科作為人文學科理念以及音樂教育教學“學科綜合”之思想，要求音樂教師素養多元性，筆者概括為知識技能素養與職業道德修養。知識技能素養涵蓋音樂技能知識、藝術與其他學科技能知識、教育教學知識技能及治學與研究能力；師德素養包括敬業與奉獻、修養與言行兩方面。這些技術與非技術因素對音樂教師都具有同樣重要的意義。車爾尼雪夫斯基說(冒號)：教師把學生造成什么人，自己就應當是什么人。音樂教學首先與音樂教師專業水平緊密聯系，但教育質量好壞最終決定于師德水準高低。綜上所述，做1名音樂教師的要求是非常高的，同時做1名音樂教師又是非常榮尚的。正如盧那卡爾斯基所說(冒號)：“教師是博學多才的，并且是國家中最可愛的人……沒有任何1種職業像教師那樣對人提出那么高的要求。教師應該使自己成為人們的典范。”
為了比較深入地討論有關藝術考古學科教育的問題,筆者首先厘清一些概念,以便以后的討論在這些概念的基礎上得以展開。這些概念,與常見的、書本教材的表達,有相同處,也有不同處,不同之處提供了一些筆者的思考。
(一)關于考古學與藝術考古學考古學是西方傳進的一門先進的人文社會學科,其不同于文獻史學,也不同于具有中國傳統的金石學——文物學。但是,考古學又和文獻史學、文物學有著極為密切的關系。時至今日,無論哪個國家或地區,研究歷史科學,尤其是中古史以前的歷史科學,如果離開了考古學,就會有嚴重的缺憾。與之相仿,研究文物學,尤其是研究大致相當于中國宋代以前的文物學,離開了考古學也是萬萬不能的。考古學以田野操作作為其基本的學術特征,簡而言之,就是考古學探討的問題出自于田野,解決這些問題必須實踐于田野。這里所謂的問題,就是人類社會存在的基本樣式,包括了存在的環境,維持人類生命及社會的基本方式,即生產力和生產關系(當然是物化的表達),也包括了人對愉悅感的獲得。現在,在這里討論一下“愉悅感的獲得和肯定”問題。個體的人乃至組成為社會的人群,受大自然環境的基本掌控,會感覺到生存空間的逼仄。個體的人和組成社會的人群,由于生產力發展水平所限制,會感到自己常常處于無能為力的狀態。挑戰這種逼仄和無能為力的狀態,人類是需要思想、夢想和幻想的。在人類的思想、夢想和幻想的范疇之內,既有對大自然、客觀環境的琢磨和開發,也有對自身能力的訓練和提高(包括對他人和不同人群的能力的借鑒、學習和模仿)。此外,這些思想、夢想和幻想就要給予人們以憧憬、舒適感,以及對于未來充滿希望(當然這種希望,首先建立在對自己能力的肯定上)。當社會生產力發展到使人們獲得一定的物質剩余和時間閑余的時候,人們要把這種“美”、舒適的感覺物化,這就是藝術與審美的起源。當人們需要了解人類適應環境、順從環境、挑戰環境、破壞環境又被環境所懲罰的歷程時,人們離不開環境考古學。當人們了解自身的創造能力,以及由這些創造能力反過來為社會創造物質,生活條件改觀,人們生活狀態的多樣化,又感覺到生產、生活資料總是不夠豐富時,人們自然會應用一般考古學來了解這一歷史。與人們對于環境考古學、一般考古學需求相仿佛,人們對“美”的歷程(認知美、創造美)的探究,當然就需要藝術考古學。所以,社會上極少數人專門從事的考古學,實際上距離全體人類的歷史、生命史、生活史、審美史是密合無縫的,隨著社會文化的發展,教育事業的進步,越來越多的人會認可這一點。
(二)關于藝術史與藝術考古藝術的起源,是和人類有閑余時間思考舒適感即最初美感的物化同步開始。這種物化,不僅僅是通過畫面,如在泥板泥地上以及洞穴石壁上的刻劃,不僅僅是做出三維造型,如泥塑、陶塑、石雕、木雕等。其實更重要的是對人身本體的各種認可,包括對異性的欣賞、對老人的尊重、對嬰孩的撫愛、對少年的引導教育;包括紋身、發飾、穿鼻、穿耳;包括運用發聲器官而產生歌唱和詩吟,也包括用軀干、五官、肢體語言發展出的舞蹈。對人身和人群這種美的寄托,可能還要早于利用自然材料的外化的表現。所以,藝術史的開端幾乎和人類社會的開端一樣古老,人們在肯定了生命和肯定了對生命的維持之后,任何舒適感都有可能導致藝術的產生。所以,雖然個體生命會表達個體性的美感的外化顯現,但社會性人類藝術的產生并不主要是一種個體的行為,而是一種基于個體的群體的必然,由個體向群體的聚會和飛躍更為重要。人們定居以后,對擺脫自然的掌控、創作出豐富的物質生活等方面的能力日益加強,其發展頻率日益加快。同樣對于藝術來說,它們的品類、樣式、品種、材料、技法的發展與演進,也大抵如此。今天,考古學的收獲可以說明這一切。正如人們獲得近現代生活以后,很少或很難具體考慮人們從野生動物般生活狀態時擺脫出來的那一刻,即真正成為人的那一刻,無論是環境、自身、技術獲得與創造,極少去回溯、考慮這一初期或早期的問題。同樣,在近現代藝術品類紛繁、光怪陸離、充滿激情的表達下,人們也很難去考慮藝術起源的“端點”的問題,如品類、樣式、品種、材料、技法的發端。這當然是藝術史的問題,在分門別類的藝術上,又可以區分為美術史(還可以細分水墨畫史、油畫史、版畫史、水彩畫史、漫畫史等)、設計史、工藝美術史、音樂舞蹈史、綜合藝術史。應用考古學的方法,考慮藝術的端點問題以及藝術的早期發展問題,這就是藝術考古學所要解決、解釋的端點和早期的問題。正如人們對待新石器時代以后,文字文獻產生之后,例如,中國對于從三代直到隋唐五代,雖然文獻記載日益詳盡,可是考古學還是發揮著重要作用,發現、說明、解讀甚至參與重建某個歷史的片段。同樣,盡管藝術史在發展成熟的過程中,文獻記錄的作用越來越大,但是仍然需要考古學的發現、說明、解讀,這就是藝術考古學所要解決、解釋的關于藝術發展的問題,事關品類、樣式、品種、材料、技法。當現當代藝術不斷甚至急切地向歷史、向傳統汲取營養,重新評價、批判、認識傳統,以傳統為一種參照以冷靜地認識現當代藝術,考古學就是不可缺失的手段。
(三)關于藝術教育人們對生活技能、生產技能的獲得,是需要靠教育的。廣義的教育在很大程度上是在學校教育范疇之外的。例如,大人對孩童的誘導、模仿、各種教誨,在自然環境當中的趨利避害,人群當中的互相幫助,正確與人相處,包括異性間相處、同輩間相處、異輩間相處的方式和能力,一般來說,這些是非學校教育,每個人幾乎不可避免地要經受這些教育。藝術教育有相近的地方,也就是對基本美丑的辨別,對自己的舒適感的肯定以及對人群總體的舒適感到美感的尊重肯定,這一系列的行為都需要進行誘導和觸發,這些教育一般也可以是非學校教育獲得的。一些觀點認為,人們的藝術是不需要教育的,是先天就能獲得的,這種說法起碼在后來就不盡準確了;也有認為藝術教育只能是依靠學校教育,這當然也是不完整的認識。藝術教育大致可以分為幾個方面:第一,基本審美的教育,對美的認識和肯定。第二,基本的技術教育。歌唱、舞蹈、繪畫、雕塑、設計等,都需要一些基本的訓練。第三,高等的教育及再教育。到了第三個階段,大致是為了造就專門的藝術人才或者稱為專門的藝術家的,如音樂家、畫家、雕塑家、設計家等。至于不主要依靠學校培養的藝術天才、天籟之音等,實際上是把教育的第二、第三階段隱形化了,這個階段他們擺脫了學校的外在形式,但是這一階段本身是跨越不過去的。陜北的信天游的老歌王、不識字的“白狼”柴根,講述過他多少次在山峁上、溝壑間一遍又一遍地反復大聲吼唱;津巴布韋地區的非洲石雕、木雕藝人,最有成就者,總是在精益求精,并且以對手的作品作為參照,以提高自己超越對手,這些都是上述第二、第三階段隱形化的實例。所以,把藝術教育定位于一個廣義的藝術教育,就是有一個由低級向高級升華的過程。我國既然有了藝術院校或藝術系科,有了成規模的學校、課堂、教材書本化的藝術教育,自然應當非常珍視這種條件,以造就
現代藝術家。可是,往往是事與愿違,學校里往往難以創造出真正的藝術家和大師,其間的問題很多。有一般教育的問題(和非藝術廣大院校的教育的問題同在),也有專門教育的一些問題,但這些不是本文所關心的問題。本文旨在討論藝術教育的作用時,著重討論藝術考古對藝術教育某些糾偏的意義和價值。 二、藝術考古教育探究
藝術考古教育,是個相當寬泛的問題,包括針對教育的對象,針對教育的需求和目的,這里分成幾個主要層次、幾個主要側面進行討論。
(一)一般層次對于藝術教育,存在有中專水平、大學本科水平的一般藝術教育層次,藝術考古教育應當介入這個層次。藝術考古學可以考慮專門的本科教育,進行比較系統的考古學、藝術考古學、藝術史學的教學與訓練。培養的畢業生,為將來進入研究生教育階段做準備,也可以向文博考古研究、展示、保管單位提供人才,也可以向社會提供需要。作為非藝術考古學、藝術史學的藝術學科,應當把藝術考古學作為基礎課、必修課之一,這門課程不必占用很長時間。其主要任務是解釋清楚審美的起源,藝術的起源,一般藝術史與考古學的關系,解說藝術考古的最基本原理,介紹中外藝術考古的已有成就,使藝術學科的學生初步感覺到藝術考古訓練的必要。
(二)中高級層次所謂中高級層次的藝術教育,一般是指碩士、博士階段,藝術考古的介入應當帶有一定的科研成分。對于專修藝術考古學、藝術史學的碩士生、博士生,要求更加專業一些。例如,對藝術起源的研究,人類起源和藝術起源的關系,早期藝術與人們定居的關系,以青銅器為代表的技術變革之后藝術的發展問題。其中,藝術的起源的最早階段其共性是遠遠大于個性的,人類定居之后,造成了人類藝術氣質的分離、變異,要深究其時代和原因,要深究藝術本身與非藝術的因素。不言而喻,就物質遺存來看,藝術考古學所面對的主要對象即考古學的收獲,以美術品占絕大多數。其中,首先有平面的和立體的表現;其次,可以分析出來設計的表現(包括工藝設計和藝術設計),間接可以涉及早期的音樂、舞蹈、詩歌等其他藝術門類。因此,應當探討各個藝術門類在考古學當中所反映的權重的差異,以及產生這種差異的原因,深入了解各種藝術門類其發展時的或迅速或遲緩的表現,以及深究其原因。現在人們已經比較容易地區分,從人類定居時開始,西亞北非地區、中亞地區、歐洲南部、歐洲中部、歐洲西部,東亞等有關地區之間的藝術的差異。除了以上講到過的藝術表現的差異之外,藝術考古學還要關注材料、技法以及造型偏好的差異,關注有關藝術與藝術之外的因素。
(三)為現代藝術教育服務在幾乎任何藝術門類往往都有這樣的現象,人們對藝術創作“規律”尚未有掌握時,其藝術創作的原始沖動就越強大,作品品格成為唯一、成為典范、成為不可逾越的巔峰。反之,人們對藝術創作規律掌握的越加透徹,其藝術創作的原始沖動就越加被束縛,作品不可避免地品格低下,中規中矩的藝術作品往往也是最為平庸的藝術作品。恐怕不會有人拒絕從藝術考古教育當中攝取古老藝術創作當中的原動力、原始沖動與創造力。藝術考古學關注藝術家所用材料,藝術材料學在走過了漫長的歷程以后,會反向關注其原始、早期狀態。材料的選擇使用,會對藝術作品產生重要的影響。以石器時代、青銅時代為例,甚至產生過決定性的影響,而這兩個時代藝術材料的探討,舍棄考古學是無法進行的。藝術的歷史以美術史為例,說到底,不過是寫實主義與寫意主義的理論與技法的糾結互動前進的歷史,這一點從考古學所提供的材料上看是非常清晰的。早期的人們為了表現美,同時在向著具象和非具象兩條道路在努力奮斗,伊比魯尼亞、米諾斯、紅山、馬家窯、兩河、埃及、黑非洲地區的早期藝術都證明了這一點。在西亞、北非、歐洲地區,寫實主義主要是和環境地貌學、建筑學、生物學、體質人類學相結合,表達的寫實主義情趣,即逼真性與人文內涵的結合。在東方,主要以中國藝術為代表,由于意念性和理念性的趨同、至上與籠罩,表達了寫意的充分發展。從早期的同途而殊往,發展到近現在的可能的殊途同歸,藝術考古學不僅給予了實例和實證,表達各期和各地的技法表現,而且應當指出其深刻的原因,摸索其規律,服務于未來的藝術發展。現在的藝術批評,包括美術批評,尤其在中國,常常呈現出一種無根基的漂浮、浮躁的趨向,趨于玄學的趨向。藝術考古學可以提供一些歷史的、基本的參照物,于是當代藝術可以和傳統藝術得以比較,個性化的作品可以和群體的無意識藝術傾向相比較,中外的某些作品可以在考古學指出的時間帶上相比較。對當代特定的區域,如中國,總體藝術發展水平的評價離不開藝術考古所提供的基礎、所提供的路徑、所提供的相對比的標本。這樣的批評,由實證出發才有可能達到哲學的高度。藝術考古學經過數以萬年計的排隊和爬梳,經過千余年以來有了專門的藝術家隊伍的創作實踐,以及藝術史家的梳理和爬梳,找出一定的藝術發展規律并以此建立藝術發展坐標系,這樣有助于對人類未來藝術的預測。
(四)藝術的終極目的與藝術考古藝術的終極目的問題是一個重大的問題,牽涉人類為什么有了藝術而藝術的終極目的又是為了什么。人類把藝術看作是具有人類自身的和人類社會的基本屬性之后,便可知道藝術考古學的教育是一個須臾不可缺失的部分了。藝術的誕生是由人們的自我愉悅開始,藝術的終極目的應當是促使人類的圓滿達到可能的極致。簡而言之,藝術的終極目的就是人類社會在藝術層面上的真善美的全面實現。從這種認識出發,人們看到了自有人類社會以來,直到現當代的太多的假惡丑,甚至在某些方面有愈加墮落卑劣的趨向。如果說在上世紀20年代到40年代中華民族的存亡危機日益加深的時刻,有真正的藝術家提出“藝術救國”的口號,我們這代人聽到還帶著一種不解的振奮的話,那么現當代的人們對于以藝術、以真善美來救世,恐怕就會有一種切膚的認同的感覺了。藝術品和藝術家本身有真、善、美和并非真、善、美的區別,如果當代人不能夠悉數說清楚此間的區分的話,那么藝術考古卻能夠比較客觀的、以從歷史回顧的角度,敘述人類以真、善、美對抗假、惡、丑的藝術歷程。由此說來,認識藝術的終極意義和終極目的,闡述藝術的終極意義和終極目的,極需要藝術考古學的有力支撐,需要藝術考古學的認真培訓。
三、藝術考古課程設計問題
藝術考古應當課程化,在藝術院校尤其需要。各所藝術院校、系科所屬地域不同,教學科研特點不同,在設置藝術考古學課程的具體做法上不可能“一刀切”。筆者在這里提供了一種設計,以供參考。
(一)中專、本科階段以下指的是非藝術考古學、藝術史學專業。開設“藝術考古學”課程,可以將藝術考古學作為美術史學的前半部。在中專和大學本科階段,要給學生們以考古學和文物學的基本知識,使學生知道如何采集考古學和文物學成果,了解考古學和文物學的基本工作流程,了解
考古學和文物學以斷代和分類為基本手段的工作方法,課時量控制在16至20課時即可基本完成這一任務。例如,在中文、歷史、哲學等人文學科院系的課程中設置一門考古學通史類課程,或在全校范圍內由專業教師開設文物賞析類課程,課程內容不必過于精深,旨在為學生打下基本的考古學、文物學、美學基礎,提高學生欣賞美、感知美,有關作品中繼承和模仿的能力。 (二)碩士研究生階段區別中外,區別主要地域,進行藝術考古學的重點教育,樹立藝術考古學與藝術史的“時間樹”概念,開展藝術考古學方法論的探討。使藝術史“物化”,變為空間環境藝術史、生命體驗藝術史、生活創作藝術史。有條件的院校系科可以進行考古工地藝術考古實踐,分專題的藝術考古實踐(如青銅藝術、陶瓷藝術、畫像石藝術、雕塑藝術、繪畫藝術等)。盡可能完成認識中外藝術史文獻和藝術考古實物的“互證”問題,這方面西方希臘羅馬藝術史做出了很好的榜樣。應當成為美術史論碩士研究生的必選理論課程,應當推薦成為其他藝術科系的重點選修課程,鼓勵產生藝術考古學范疇的碩士生論文。
關 鍵 詞：學科環境 構想 課程比例 隱性課程
我國教育部在《面向21世紀教育振興行動計劃》中的主要目標和任務中明確提出：要整體推進素質教育，改革課程體系、考試及評估體系，優化教師隊伍，為全面提高國民素質和創新能力奠定基礎。根據以上要求，高等藝術設計教育教學的課程改革就顯得尤為重要。
目前，我國的設計教育觀念、教學模式還較陳舊，在沿襲西方的教育理念，教學只注重大美術觀念上的一些東西，唯美主義至上；忽略了設計教育本身的文化內涵與商業傳播渠道的銜接，缺少科學嚴謹、理性的設計精神。幾十年來，藝術設計教育中強調感性訓練的教學模式和思想一直持續，導致藝術設計專業畢業生面對迅猛發展的商業社會無所適從。設計教育領域現狀表明：我國的設計教育理論基礎有些薄弱，教學體系和理論研究長期處于被動借鑒、吸收的層面，獨立的學科研究和發展環境受到限制。設計教育中重實踐操作、輕理論研究，重專業技巧、輕文化學科的教學模式依舊存在；教學課程體系還很不完善，選修課程比例過小，對學年的概念還較模糊。這些現象雖在近年內得到糾正和反思，但不良的效應尚存，甚至在某種程度上，導致設計領域整體后備資源的匱乏。由此可見，設計教育的問題應引起高度重視和深刻反思。這是我們面臨的極具挑戰性的課題。筆者認為應從幾個方面進行改革嘗試與探索：
一、營造理性的學科環境，倡導科學嚴謹的設計精神
科學理性的學科環境是我們一直所提倡的，設計不但需要形象思維的某種感性上的訓練，更需要科學的設計精神及嚴謹的設計態度。我們培養的目標不是專業美工、不是視覺技巧的專家，而是能擔任21世紀設計重任的具有全面綜合素質的設計師。
從設計專業書籍、網絡、報紙、藝術雜志上所網羅的信息分析，關于設計理論學術研究的文章偏少，缺少獨立的學術觀點、爭鳴與學術批評；甚至一些設計研究中的基本理論概念還沒有較好解決，何談發展和指導設計實踐？一些落后的思想意識、學術觀念及經驗已經構成了對教育的危害，這不能不引起我們高度警覺。普林斯頓大學堅持學術至上，教育上“重質量、重研究、重理論”的治學理念及傳統，使他們享譽世界。所以，首先要提高設計界師資整體的理論素質，要站在學科及學術的前沿，開闊設計視野；重視理論研究及國際間學術交流；積極地營造科學、理性的學科環境，給學子們一個用理性重新審視自己的空間，關注學術動態、關注設計理論研討與交流，使他們能全方位地構筑一個穩固的專業發展平臺。在設計研究層面，比起先進國家，我們的發展略顯滯后，這是專業現實無法回避的軟肋。在視覺傳達領域引發盲目推崇，圖形語言文化、藝術內涵被玄虛化，使人產生歧義，已經形成惡性循環。所以設計教育也必須從根本上梳理中國現代設計歷史和發展演化過程中的各種理論和觀念的脈絡，深入研究、探討設計藝術的規律；增加設計理論課的學習，逐漸擺脫盲目、無序的設計狀態；全面培養科學、理性的設計精神，指導藝術實踐，使設計真正地走向世界、弘揚中國民族文化與民族精神。
二、把握方向，淡化專業、學年概念
設計教育有自身的發展特點，教學改革應以時展的需求和國家教育方針的轉化為方向，客觀上思考和制定教改目標，以對應時代目標為路經，與時俱進地從操作層面去組織課程計劃和教學模式。如：制定教學目標應考慮生源的國籍、地區、背景，有各自不同的目標選向，全方位考慮構筑科學的課程結構體系；制定寬基礎、精專業、多元化的人才培養格局；突出辦學特色，有利于設計人才的全面培養；也可以考慮淡化專業、淡化學年的概念。剛考進來的設計專業新生急于鯉魚跳龍門，還沒有完全從高考的壓力下解脫出來，還沒有更明確的專業方向，來不及思索更適合自己的專業，就已經進入專業學習的過程，后來發現自己更熱衷于另外的專業，只好求將就，使專業潛質受到極大限制。如在入學的第一學年不作專業的劃分，都上共同的專業設計基礎課，二年級再確定專業方向，可在這一年的時間里思考、選擇專業出口，給自己一個更準確的定位。也成為一個進口、多個出口，那將對學生個性才能的施展及專業潛質的發揮大有補益；同時，也應打消固定年級的概念。大一、大二年級如選修共同的專業，年級的劃分在很大程度上束縛了學生選修課的自由度，可通過跨年級、跨專業、跨院校來選修課程，不同年級的學生可在同在一個教室上共同基礎課，只要在特定的學期修滿學分就行，既優化教學資源又符合相互促進的時代特征。諸多例證已經證實這種做法的可行性和認知度，成為一個已經實施教學改革的新型院校的特征。
轉貼于 三、擴大選修課程比例
國外教學資料表明，在課程的必修課與選修課安排問題上，前蘇聯和美國就有不同的做法。前蘇聯歷來強調課程的統一性，普通學校的教學全是必修課，后來增設了一些選修課，但所占比例極小，他們認為只有如此，才能保證人才的培養規格。結果學生千人一面，個人特殊才能很難施展，個性受到壓制，人才無法迅速成長。美國則恰恰相反，強調課程的多樣性，他們認為這樣一來才能照顧個人興趣愛好的不同。選修課門類眾多而且課時量比例很大，學生的學習自由度較大，個人的興趣和愛好得到滿足，但許多人基礎知識不夠全面，程度較差。近年來，俄羅斯和美國都感到課程設置存在著嚴重缺陷，不得不進行重大改革。美國強調要加強基礎教育，增加必修課程，同時給學生一定的選課自由。俄羅斯則提倡按學生的興趣和愛好，強調擴大選修課程范圍，同時注意改進必修課。以上國家課程設置的對比給我們一個非常有益的啟示：我國的高等設計教育的課程由于受到國外的教育體系的影響，在課程設置上，也和前蘇聯改革前的做法相似，過于強調專業的系統化和縱向發展，而忽略了學生橫向發展的知識面，過于單一的感性的強調專業技能訓練模式，專業選擇面太小，忽略了學生的廣泛的興趣愛好，限制了人才多元化的發展局面。這樣，勢必會造成設計教育中諸多缺憾。所以應科學地增加選修課程的比例；進行模塊課程的設置與運作，建立必修課與選修課的指標，以自身的辦學方向和辦學特色為路標，去構筑特色鮮明的課程體系。筆者認為，藝術高校的設計課程比例應課程應占課程的55%-40%、選修課占45-60%，擴大選修課程的比例，如增設設計史論、心理學、語言學、語意學、傳播學、數碼教育、廣告法等寬口徑、專業知識含量高的選修課程，為今后學子們走向設計的廣闊領域鋪墊好堅實的第一步。
四、關注隱性課程建設
隱形課程，即學校課程規劃之外的通常體現在教學體制建設中的看不見的課程形態部分，包括物質情境（學校環境、設備）文化情境（如校園文化、儀式活動、人氣指數）、人際情境（師生關系、學風、校風等）這些不明顯的學校特征所形成的對于學生潛移默化的暗示教學。它對學生不可避免地發生影響，也不應該把它視為課程以外的東西，而應將其視為課程的有機整體；不同的隱形課程所起的潛在作用是不可忽視的，必須引起高度重視和認真把握。所以，隱形課程的完善與建設也是教育中重要的一個環節。作為培養新生代的每一個學校，應該能夠充分發揮隱形課程的有益影響，消除不利因素，可對學生間接地獲得端正的學風、堅定的意志和他們高尚情操方面的陶冶；為了更好的使隱性課程發揮更大優勢，筆者建議從以下幾個方面實行一些具體可行的措施。
首先，營造與教學環境相適應的健康的校園文化環境，從幽雅恬靜的校園生活中，讓學生感覺到學習之余的放松；建設良好的學風、班風、和諧的師生關系；其次，.樹立良好的道德標準，幫助學生營造健康的心理環境，教會他們用愛心與人相處， 學會為人處事，學會關心他人。再次，培養解決問題的能力，幫助學生能夠面對各種問題，找到解決問題的方法。還有開闊學生視野，活躍課余文化生活，利用一切可能的條件，搞好育人環境建設等。
當然，設計教育教學的課程改革需要一個過程，為了不使課程改革流于形式，作為一個設計教育工作者，都應樹立教學改革意識、從一點一滴做起，逐步構建和完善適應時展的專業課程體系和人才培養格局，為現代設計事業培養優秀設計人才，這需要我們付出更許多的努力與探索。
參考文獻：
