時間：2024-01-19 16:09:34
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇古典音樂旋律特點，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
一、西方古典音樂在中國流行音樂中的運用
1.在歌曲的前奏部分融入古典旋律
每一首歌曲在開唱前均有一段不同的旋律，而在中國的流行音樂中往往會引用西方古典音樂中的某一旋律作為前奏，前奏播放完再進入正曲。欣賞者會陶醉在前奏中而順勢進入整首歌曲的傾聽中。如S.H.E的《波斯貓》和《不想長大》兩曲在前奏部分就分別運用了英國作曲家亞伯特科特比的管弦樂作品《波斯市場》和奧地利作曲家莫扎特《第四十交響曲》之第一樂章旋律片段；而范曉萱的《我要我們在一起》則在前奏部分運用了挪威作曲家格里格《培爾金特》中《安妮特拉之舞》的旋律片段。再如蔡依林的《離人節》和林寶的《藍色月光》在前奏部分也分別運用了波蘭鋼琴家肖邦E大調練習曲《離別》和德國作曲家貝多芬《月光奏鳴曲》第一樂章的旋律片段。又如劉若英的《分開旅行》的前奏部分運用了法國作曲家德利伯的歌劇《拉克美》中的詠唱調旋律片段。以上幾例不但選取了管弦樂合奏曲、鋼琴獨奏曲等器樂作品的旋律片段，更有運用歌劇的旋律片段作為歌曲開頭的前奏，從而引出正曲，使得歌曲風格突變，出其不意，給人一種別樣的感覺，吸引欣賞者將整首歌曲傾聽完畢。
2.在間奏部分融入古典旋律
有部分歌曲在間奏部分也會選用融合一些西方古典音樂旋律，在間奏出現前以流行歌曲自身風格發展，進入間奏后突然以古典音樂旋律片段出現，給人以別樣的新鮮感與聽覺沖擊，增加戲劇性效果，也加強了作為流行歌曲的旋律感深度。如五月天的《知足》在間奏部分就出現了奧地利作曲家莫扎特的C大調《小星星變奏曲》；再如4 In Love的《一千零一個愿望》在間奏部分采用了德國音樂家巴赫《G大調小步舞曲》的主題旋律片段。在間奏部分融入古典旋律可增加流行音樂的深度，讓欣賞者進一步感受到戲劇性的歌曲，在傾聽的過程中始終保持新鮮感。
3.在尾聲部分融入古典旋律
將西方古典音樂片段作為歌曲尾聲的情況不常出現，但也有為了強化歌曲意境的效果而選擇這種運用方式的。如周迅的歌曲《伴侶》即在尾聲部分運用了奧地利作曲家約翰施特勞斯圓舞曲《藍色多瑙河》的片段。由于該圓舞曲的節拍正符合歌曲三拍子的節拍，故選用之，使得歌曲即使到了尾聲部分但卻產生令人意猶未盡之感。
4.運用古典音樂旋律進行改編
中國流行音樂中有部分歌曲是選用西方古典音樂的某一片段，或是選用整首曲子進行旋律的改編于創作，或是在使用樂器上進行改變。這樣的歌曲在多數情況下是以古典音樂為伴奏背景，或選擇某一片段進行不同程度的改編、改創。其主要方式有配器上的改換，如五月天的《快樂很偉大》運用了德國作曲家貝多芬《歡樂頌》的旋律片段，而以吉他、貝斯、爵士鼓來重新配器、演繹，一來符合流行歌曲的一貫配器手法，二來對于聽慣了以古典形式演奏的《歡樂頌》的人來說，無疑是一次新的聽覺感受。再如楊丞琳的《慶祝》以及S.H.E的《Remember》兩曲中分別運用英國作曲家艾爾加的小提琴協奏曲《愛的禮贊》以及俄羅斯作曲家柴可夫斯基的芭蕾舞劇《天鵝湖》的主題旋律，并用電聲化配器進行改創，增強了節奏感與律動性。
綜合以上可看出，西方古典音樂在中國流行音樂中的運用十分廣泛，為流行音樂注入了不一樣的元素。而當代中國流行歌曲中對于西方古典音樂運用之情況較為豐富多樣，不同體裁作品，不同位置的選擇，不同形式的編創，無不體現出當代中國流行歌曲在創作時的創新意識，同時也帶給聽眾不同的審美體驗。
二、中國古典音樂在中國流行音樂中的運用
中國古典音樂旋律更加和諧，更加流暢，其中主要包括宮、商、角、徵、羽五個音，五個音的完美結合更易讓人接受。因此，在中國流行音樂中融入中國古典音樂是必要的。加上中國戲曲、民歌的獨特風格和演唱方法，更會給人一種眼前一亮的感覺。也正是因為這樣，中國傳統的古典音樂文化似乎得到了現代人的肯定。比如黃雅莉當年的成名之作《蝴蝶泉邊》，明顯的中國民謠風格，再加上樸實的歌詞又給歌曲增添了幾分中國色彩。就連編曲也決不疏忽，用到了各種民樂，古箏、簫、揚琴、琵琶、笙等等，過足了一把中國風的癮。而后的《火星愛月亮》依然以民謠為主體，民謠最大的特點就是接近生活，傳唱度非常的高。所以瑯瑯上口的曲調，成了這兩首歌曲成功的秘訣。
多年來，我國的廣播古典音樂節目一直在普及古典音樂知識、提高全民音樂欣賞水平等方面做著不懈的努力，也取得了顯著的成績。但令人遺憾的是，近兩年來，由于收聽率日漸不敵流行音樂節目，出于經濟效益的考慮，有些音樂電臺的廣播古典音樂節目時間被大幅壓縮，而播出的時間段也越來越偏。整段的黃金時間被流行音樂節目占據。是什么原因導致廣播古典音樂節目收聽率下降呢？
現代社會生活節奏越來越快，大部分人在緊張的工作之余聽聽音樂，只是為了放松心情。然而，有的廣播古典音樂節目忽略了這部分聽眾的收聽心理，同時也忽略了古典音樂輕松多彩的一面，在節目中一味展示其高雅性和節目的教育意義，使得人們一聽到“古典音樂”就會自然聯想到“神圣、嚴肅、專業”，這幾個字眼猶如一道道難以逾越的障礙，讓聽眾望而卻步。于是更多的人在閑暇時間選擇了通俗易懂的流行音樂作為調劑。
誠然，古典音樂是一種精致的文化，其典雅的氣質、磅礴的氣勢、多彩的表現手法是其他眾多音樂種類無法企及的。它本身所具備的高雅性和教育功能是不言而喻的。當古典音樂遇到廣播這一現代傳媒手段，它的原有屬性借助廣播節目的傳播特性（廣泛性、便捷性、優質性、專業性、互動性）得到進一步的發揮，其中尤以娛樂、美育、審美這三大功能最為明顯。
這里先了解一下歷來受廣播古典音樂節目重視的美育功能和審美功能。
美育功能：“移風易俗，莫尚于樂”（出自《孝經?廣要道章第十二》）。
當前，物質文明建設高速發展，需要有相應的精神文明建設為之提供強有力的支持。健康的、高格調的音樂，不僅能夠給人們以積極的情感體驗，并且可以培養人們純潔而善良的道德情操。從這一點來看，廣播古典音樂節目擁有得天獨厚的優勢。
審美功能： 對于已經具備較高音樂修養的聽眾來說，廣播古典音樂節目不僅為他們提供音樂，更是為他們提供了一個和其他古典音樂愛好者交流感受和觀點的平臺。通過美育，這部分聽眾從最初的審美享受，上升到了一個更高的層面――提高審美鑒賞力。他們可以聽主持人對音樂的介紹，也可以和主持人以及其他聽眾互換意見、分享心得，從音樂中感悟人生、體會人性中的真善美。
二、廣播古典音樂節目的娛樂功能
首先需要明確：這里的“娛樂”指的是一種高層次的精神的滿足感。許多人聽古典音樂的最初目的，就是因為古典音樂嚴謹的音樂形式和清晰的音樂語言能夠緩解緊張的情緒、讓人們感到身心愉悅。而廣播這一僅僅“訴諸聽覺”的媒體與古典音樂相結合，能夠最大程度地調動人的聽覺神經，給聽眾帶來松弛的審美享受。
三大功能中，娛樂功能給聽眾帶來審美享受，在此基礎上，通過美育功能引導聽眾進行更高層次的審美（即提高審美鑒賞力），從而真正實現審美功能。
如上圖所示，審美享受―審美鑒賞力是一個由低到高的過程，美育功能在其中起到了承上啟下的作用。
由此可以看出，在宣傳普及高雅文化的過程中，作為古典音樂節目基礎功能的娛樂功能同樣不容忽視。
三、廣播古典音樂節目的主持藝術
曾經有位嘉賓在做客北京音樂臺的“古典也流行”節目時這樣說過：“聆聽古典音樂的第一步，是感受，而非知識。”
這個觀點和筆者的觀點不謀而合。
的確，當人們想“進一步提高自己的音樂鑒賞力時，不可避免地要學習一些有關的知識，但這并不意味著一定要讓自己用專業的眼光去審視音樂。”①事實上，有些懂點兒樂理的人“雖然有很高的技術判斷力，但同時卻失去了欣賞音樂時常有的樂趣。”②而在欣賞古典音樂的初期，最重要的是審美享受。
所以，主持人首先要讓那些剛開始對古典音樂感興趣的聽眾了解：專業知識并不是欣賞古典音樂的必備前提，最重要的是我們為了尋求精神上的愉悅才選擇了古典音樂。
作為廣播古典音樂節目的主持人，在節目中不妨從以下幾方面入手，幫助聽眾從中獲得更多的美的感受。
⒈縮短與聽眾的距離感
對于許多中國聽眾來說，大部分古典音樂與我們之間存在著時間距離和文化距離。這一客觀存在的事實無法被改變，但是我們可以通過拉近古典音樂和聽眾的心理距離來改變現狀。北京音樂臺的“古典也流行”一直在強調“讓古典融入現代，讓音樂融入生活”，我個人更喜歡后半句話“讓音樂融入生活”。 因此讓古典音樂走下神壇、融入大眾的生活是至關重要的。
許多人聽到“古典”就覺得難以溝通。首先，這里要明確一點：“在19世紀以前的音樂里，基本上沒有什么古典與流行的區別……很多在今天的人們看起來是正宗古典的音樂，當時恰恰是非常流行的。”③
其次，過去我們習慣于“神化”音樂家。事實上，即便是再有天賦的音樂家，其成就也都離不開個人的努力和來源于生活的靈感。還有的音樂家被描繪成擁有“教科書”般的面孔，總讓人們聯想到嚴肅、正統、不茍言笑，使人難以接近，從而也就對他的音樂作品產生偏見。
這些，都需要主持人從更為人性化的角度介紹音樂家，讓聽眾通過深入了解他們的創作環境，進而從音樂里去感受作者當時的心境。
這樣拉近了聽眾與音樂家及其音樂作品之間的心理距離，有助于他們帶著更為輕松的心情欣賞樂曲。
⒉增強音樂的表現力
廣播沒有電視那些豐富多彩的表現手段，但是廣播古典音樂節目主持人可以根據所掌握的專業知識，通過調動聽眾的其他感官來彌補僅僅訴諸聽覺的旋律的抽象感。
這方面做得較具代表性的是香港愛樂電臺。幾年前，他們就摒棄了單純通過闡述音樂史來推廣古典音樂的方式，根據具有音樂理論基礎的“顏色論”觀念，將不同的音樂描繪以不同的顏色，讓聽眾通過“畫面”更加了解和接近古典音樂，這個絕妙的構思充滿了活力和感染力，無限激發人們對古典音樂的興趣，一年后，聽眾增至100萬人。④
⒊調動聽眾的想象力
作為時間藝術，音樂是比較抽象的。所以想象在音樂欣賞中不可或缺。但是這種想象必須參照音樂本身的特點，不能天馬行空。在廣播古典音樂節目中，主持人必須能夠準確地抓住每首樂曲的特點，運用通俗易懂的語言調動聽眾的想象力。
以北京音樂臺的“古典也流行”為例：在某期節目中，主持人以“冬日即景――雪花”為主題，播放了一系列世界名曲，和聽眾一起回憶印象最深的冬日雪景。在播送拉赫馬尼諾夫的《第二鋼琴協奏曲》第二樂章時，主持人由音樂中體現出的典型的俄羅斯式的憂郁聯想到了俄羅斯漫長的嚴冬；《阿爾罕布拉宮的回憶》“充滿了淡淡哀傷的回憶感”，讓人想起“記憶中最美最柔靜的白雪皚皚的世界”；《蘆笛舞曲》中鋼片琴所演奏出的跳躍的音符“仿佛片片雪花在空中上下翻飛舞動”；舒曼的《夢幻曲》中“那恬靜的和聲、優美的旋律則給人以雪后平靜的心情”。
這幾首樂曲分別出自不同音樂家之手、且主題各不相同。但是主持人在確定范圍“冬日?雪”后，根據每首曲子中旋律或樂器音響的特點，找出了相通之處進行想象。幾首曲子聽罷，發覺仿佛真的看到了漫天翻飛的雪花，感受到了冬日雪后的寧靜。
遺憾的是，目前大部分的廣播古典音樂節目還停留在枯燥單調的讀稿階段，容易讓聽眾產生倦怠心理。因此，提高聽眾對古典音樂節目的興趣，調動聽眾的想象力是一個不容忽視的環節。
⒋提高語言的感染力
許多古典音樂不像流行歌曲那樣用淺顯直白的歌詞告訴人們所要表達的內容。那些沒有歌詞的古典音樂作品，完全依靠旋律、節奏的變化表情達意。對于部分對古典音樂不甚了解的聽眾來說，主持人的有聲語言就成為了關鍵。
在廣播古典音樂節目中，音樂是主體，語言在其中起到穿針引線的作用。運用得好，就會有利于加強節目整體感，并且會成為音樂美感的延伸，同時又不會起到喧賓奪主的負面效果。
前文提到過，對于初期接觸古典音樂的聽眾來說，最好的方式就是讓其從古典音樂中獲得愉悅感從而產生興趣。因此，主持人的語言至關重要。
首先，需要考慮到絕大多數聽眾的接受能力，語言要盡量通俗、較少使用專業詞匯。
其次，注重語言和音樂的比例。在欣賞古典音樂的初期階段，音樂是絕對的主角，目的是為了讓聽眾盡可能完整地感受樂曲所帶來的心情。主持人在適當的時候給予幾句必要的提示或介紹即可。
再有，主持人要能夠在依據具體樂曲和稿件內容的基礎上，使語言靈活多變。語言的形象感強、生動風趣，會大大增強音樂的表現力，也更容易調動起聽眾的想象力。并且，講述感、交流感強的語言也比單一的讀稿介紹更容易拉近主持人與聽眾之間的距離。
即便是再嚴肅的音樂家也會寫一些雅俗共賞的作品或進行一些愉悅大眾的表演。像寫下莊嚴神圣的《B小調彌撒》的巴赫，就寫過音樂喜劇《咖啡康塔塔》，描寫了一個守舊的父親阻撓時尚的女兒喝咖啡的故事。這部作品在咖啡館里演出的時候，受到了許多觀眾的喜愛。身兼作曲家和表演藝術家的帕格尼尼巡演的時候，在表演完規定的曲目后，總是加演一些用小提琴模仿動物聲音的片段。觀眾每每最喜愛的就是這類模仿，甚至起立叫好、喝彩。⑤巴赫和帕格尼尼的故事，在一定程度上說明古典音樂對于最廣大的聽眾而言，更主要的是娛樂功能。反過來看，古典音樂只有不舍棄這最基本的審美享受，才會擁有更多的聽眾。
那么作為利用現代科技手段向大眾普及宣傳古典音樂的廣播節目，也應該遵循這一規律，爭取更多的聽眾收聽節目，才會為更高層面的審美功能的實現打下比較堅實的基礎。
注釋
①②亞歷山大?沃：《古典音樂――一種新的聆聽方法》[M]，朱秋華譯，北京：中國人民大學出版社，2005年：P12
③ 阿拉?古茲利米安：《在音樂與社會中探尋――巴倫博依姆、薩義德談話錄》[M]，楊翼譯，北京：《生活?讀書?新知》，三聯書店出版社，2005年：P2
④沈潔：《如何主持古典音樂鑒賞節目》[J]，《中國廣播電視學刊》，2005年，第6期：P65
關鍵詞:古典主義;浪漫主義;音樂;特征
在西方音樂史中，古典主義樂派與浪漫主義樂派在整個音樂發展進程中，占據著醒目而重要的位置。縱觀起來，二者有襲成的一面，但同時因為所處時代的不同，各自又具有著不同的音樂風格特征。
古典主義時期
西方音樂史學家通常將巴赫到早期的貝多芬的音樂稱為“古典音樂”（Classical music）。包含著優秀的、第一流的、標準的、經典的詞意[1]。古典音樂時期或稱音樂的古典主義（Classi cism，亦譯：古典風格、古典崇拜），通常指由海頓、莫扎特和貝多芬共同在維也納形成的“古典樂派”的風格，其代表性作品對當代或后代的音樂家都具有經典的意義。
十八世紀中葉，隨著工業革命、科學技術的發展，在啟蒙主義思想的傳播和法國大革命的巨大沖擊下。歐洲社會發生了深刻的變革。在新舊社會的交替過程中，西方音樂呈現出復雜的面貌。此時，音樂藝術的欣賞者不在局限于上層社會，新崛起的中產階級紛紛涌向劇場和音樂廳，提出了新的文化需求。因此，先前的音樂風格不再能取悅人們的耳朵，巴洛克音樂的風格逐漸發生變化。這種變化表現在兩個方面：先是莊嚴宏偉的巴洛克音樂風格變為華麗纖巧的洛可可風格，然后是單一表情的巴洛克意識變為變化多端的動情風格，這些變化都為古典音樂的誕生準備了條件。
十八世紀的奧地利首都維也納，是歐洲的一個音樂文化中心，也是古典音樂的發祥地。當海頓還在童年時期時，維也納的先輩作曲家們就已經寫了不少初具規模的交響曲和協奏曲，可以說他們都是近代交響曲、協奏曲、奏鳴曲的辛勤哺育者，在音樂史上有不可磨滅的功績。但這些主調音樂體制的奏鳴交響套曲，只有到了海頓、摸扎特和貝多芬手里才臻于成熟。他們一方面接受了資產階級啟蒙思想的影響，另一方面汲取了各國先輩作曲家的創作經驗，寫出了形式嚴謹、內容深刻，形式和內容高度統一的各種器樂和聲樂作品，成為后世音樂的典范。
古典主義崇尚理性，講究感情約束及和諧均衡。作為一個歷史時期，古典主義樂派的音樂特征有：1、使大、小調體系得到了充分的發展。對于大、小調范圍內主和弦、下屬和弦及屬和弦的功能性和聲使用的手法相當豐富而又有變化。2、主調織體占據重要位置，從而旋律成了最重要的織體成分，低音及和聲僅起伴奏作用。此時，創作樂思基本上是主調和聲思維，應用功能和聲的原則，有時又廣泛地運用高度發展的復調對位技巧，將兩種技法結合起來。3、旋律結構不同于巴洛克時期的流動狀態，常常是方整的；節奏形成了周期性結構。由于受德奧民間音樂與民歌的影響，常使用八小節、十六小節的樂句或樂段的對稱性的旋律與節奏結構，使樂曲的旋律與節奏具有清晰的對稱性、周期性，表現出古典音樂風格均衡，穩定的特點。4、主題擅于動機式發展，力度有了漸強、漸弱的細致安排。[2]
在這里需要指出的是，古典主義樂派的作品不同于古典主義的文學和繪畫，他們傾向于重感情的“狂飆運動”精神，而不是理智地拘束于形式的規范化，將音樂表現冷漠化。他們具有理性和邏輯思維特征的龐大的音樂構思，各種音樂主題動機發展手法的創立，嚴謹而靈活的形式結構的運用，都是為了深刻的表現豐富而多樣的感情內容。他們以爐火純青的技法、自然流露的感情、崇高深邃的哲理性思想、嚴謹而完美的形式結構，體現出具有經典意義的古典音樂風格，這是無庸贅述的，維也納古典樂派的作品，通過大量的樂譜印刷和復制，各種音樂會演出的廣泛傳播，在西方各國和東方一些國家，形成一種傳統而延續至今。
浪漫主義時期
浪漫主義（Romanticism）一詞，源于拉丁文Romance，指用拉丁語系中羅曼語(Roman)寫的中世紀一種稱為“傳奇”的民間文學體裁。作為藝術流派，浪漫派（Romantic）是英國于1659年開始最早出現的一個名詞，十七世紀末運用于法國、德國。十八世紀，它通常作為“野性的”（Wild）或“幻想的”（fanciful）的同義詞普遍使用[3]。十九世紀初，它的派生詞（Romanticism）浪漫主義出現，才專指藝術與思想的一種潮流。浪漫主義是十八世紀末和十九世紀初歐洲資產階級民主革命和民族革命時期的一種文藝思潮，它的特征是追求個性解放、強調抒發個人感情，反對拘泥于形式，憑理智進行文藝創作。音樂上的浪漫主義運動稍晚于文學，浪漫樂派音樂強調個人的自我表現，是一種個性化、理想化、富于詩意的感情重于理智的音樂。歐洲的浪漫樂派大致可以分為三個時期：早期（1820―1850），代表人物有韋伯、舒伯特、伯遼茲、門德爾松、舒曼、和肖邦；中期（1850―1890），代表人物有李斯特、瓦格納、勃拉姆斯等人。在這需要指出的是，中期的浪漫樂派比早期的更加熱衷于表現個人的主觀情緒，興趣也轉向交響音樂和歌劇等大型體裁；晚期（1890―1910），這一派作曲家主要是德國人和奧地利人。代表人物有沃爾夫、等[4]。
浪漫主義樂派的音樂風格對古典主義來說，有革新的一面，也有承襲的一面，它的音樂特征主要是：1、以調性音樂為主，由于半音和聲及遠關系轉調的頻繁運用，已有調含混之感。2、和聲是重要的表現手段，在功能和聲的基礎上加強了色彩變化。3、在音樂旋律的創作上強調其抒情性，樂句結構的伸縮性很大。4、配器手法迅速發展，作曲家門探索各種樂器組合的可能性，力圖取得繪聲繪色的效果。[5]
同浪漫主義詩歌、繪畫一樣，浪漫樂派音樂側重于感情，理性屬于次要地位；側重于作曲家主觀的生活體驗，內在心靈世界的描繪，強調個性與個人情感的表現，以自傳式的寫法和自我為中心的感受占據主導地位，追求富于幻想的、鮮明的音樂色彩。他們喜歡傳奇性、虛構性的題材和音樂形象來體現作曲家的藝術理想和生活愿望。大自然的景色和魅力，是他們經常獲得靈感的源泉之一，帶給他們豐富的藝術想象。觸景抒情或借鏡抒情，是他們的創作特點；在作品中重視和反映民族的特點，強調在民間藝術中尋取創作素材。
總之，做為西方音樂史中兩支重要的樂派，他們都表現出各自的音樂特征，浪漫主義樂派音樂是古典主義樂派的繼承，但又有它全新的一面。
注釋：
[1].[3]黃騰鵬.西方音樂史[M].甘肅 敦煌文藝出版社.1994，5
[2]張洪島.歐洲音樂史[M].北京 人民音樂出版社. 1983，10
關鍵詞：流行音樂；古典元素
多元文化的交流與碰撞，在音樂創作中產生了獨具的魅力。流行音樂中所含帶的古典藝術元素，有如一股清泉給聽眾以清新典雅、古色古香之感，同時也體現出沉穩厚重、磅礴清婉的中國傳統文化底蘊。這些現代流行音樂與傳統古典元素相結合，在聽覺上帶來別具一格的音樂體驗。
一、流行音樂中古典元素的簡述
流行音樂的涵蓋面較為廣泛，目前學者并未有準確的可鑒定定義。最為廣泛的使用解釋源自《中國大百科全書》（音樂 舞蹈卷）：“通俗音樂（Popular music）泛指一種通俗易懂、輕松活潑、易于流傳，擁有廣大聽眾的音樂。它有別于嚴肅音樂、古典音樂與傳統民間音樂，亦稱流行音樂。”①從定義中可見，流行音樂的最重要特點在于有別于古典音樂。隨著時間的流變，對于流行音樂的定義日益模糊。但它所具有的流傳地域廣泛、傳播速度快、極強的娛樂性和傳唱性等主要特點一直未變。20世紀末，流行音樂蓬勃發展，R&B、藍調、Hip-Hop日益占據音樂主流。2003年，華語流行樂壇的音樂作品中逐漸填入了古典風。這種新興的視聽體驗一經入世，便受到聽眾的狂熱追捧。如今，流行音樂中含帶的古典元素音樂數不勝數，下面列出幾例：
二、流行音樂中的古典元素類型
流行音樂中的古典元素類型頗多。綜述而言，主要分為以下幾類：于流行音樂中融入古典的古詩詞意蘊、民族旋律以及戲曲音韻。
（一）融入古典的古詩詞意蘊
中國的古典詩詞高雅、沉厚，立意深遠，詞意深幽，富有獨特的、濃郁的中國風色彩，能使誦讀者不經意的于腦海中勾勒出一幅幅唯美的畫卷。流行音樂中將優美的古詩詞加上現代編曲旋律，即可營造出“歌-詩一體”的優美意境。我國最早借用古詩詞元素融入現代音樂的是上世紀20-30年代的一批知名作曲家，如青主、江文等曾于唐詩、宋詞、元曲中摘錄、編寫歌詞。如，江文曾以蘇軾、李清照、李后主等人的詩篇以及唐詩律詩篇等，編寫出了大量優美的歌曲。現代流行音樂中注入古典元素的歌曲則以周杰倫為代表。如，《蘭亭序》的歌詞“蘭亭臨帖行書如行云流水……忙不迭千年碑易拓，卻難拓你的美。”其中，蘭亭序本是東晉書法家王羲之的作品，歌名已具有古典特色。而“行云流水”出自明朝?謝榛的《四溟詩話》卷一：“誦之行云流水，聽之金聲玉振。”其蘊含的古典詩詞情致濃郁。再如，《中國好歌曲》中霍尊所創作并演唱的《卷珠簾》則是取自李白的《怨情》一詩，“美人卷珠簾，深坐蹙蛾眉”。另一說法是取自宋代張元千的《卷珠簾?魏夫人》詞牌名。卷珠簾這首歌借用古詩中凄艷婉秀的詩句，寄托對不幸愛情的怨恨，而霍尊則在古典詩句的基礎上加以創新和升華。用獨特的嗓音，配以婉約、孤凄的旋律，使人忍不住為這位多情女子哀嘆。歌曲在傳唱的同時，也將中國古典文化傳承下去，并深切的體現出古典詩詞獨有的意蘊美。
（二）契入古典的民族旋律
每個民族皆有獨特的民族旋律。長久以來，民族民間音樂文化鑄成了民族音樂的一部分，而民歌所展示出的民族藝術魅力更是經久不衰。華語流行音樂創作者，多是先接觸、學習或傳承了民族民間音樂，繼而從事音樂創作。因此，在對流行音樂的創作過程中，必不可少的融入了古典唯美的民族旋律。如鳳凰傳奇演唱的《最炫民族風》，充分運用了中國的傳統民族聲樂元素，如在間奏處恰當的使用古箏的旋律，高山族的《阿里山的姑娘》的節奏，以及廣東舞獅的鑼鼓點聲，另融入了蒙古語言“喲啦啦呵啦唄 伊拉嗦啦呵啦唄呀”等綴詞②，將傳統的民族旋律盡數展現。而鳳凰傳奇在對歌曲進行演繹時，不僅融入了現代感，同時所保留的藏族所特有的平穩而婉轉的音調。使得歌曲更加輕松入耳。
（三）戲曲凸顯傳統音韻
流行音樂中對傳統戲曲韻的運用也是很有特色，如被稱為國粹的京劇，其中的京韻唱腔在《說唱臉譜》這首歌曲中，取得了亦歌亦戲般的效果，歌曲中還同時融入了臉譜和RAP兩種原本毫不相干的藝術原素，使整首歌極富“京味”又現代感十足。再如周杰倫在《霍元甲》主題歌的演唱中，同樣使用了戲曲音韻，他將京劇花旦的唱腔墜入歌曲中，使古典沉厚的戲曲藝術通過流行音樂的方式表現了出來。在流行音樂中融入傳統戲曲元素，所取得的效果猶如引領人們穿越時空，感受古韻古香，讓聽眾仿佛置身于此，也在潛移默化中再次領略中國傳統文化的博大精深與獨具的特色。
（四）中國流行音樂融入的西方古典元素
中國流行音樂中融入西方古典元素也是常用的手法，把西方古典音樂中經典的旋律稍加改動或是干脆直接運用，再融入中國元素，形成特有的中國流行音樂風格。如S.H.E演唱的《不想長大》，這首歌的副歌旋律就是來源于莫扎特的《第四十交響曲》的主題，歌曲將流行、搖滾與古典元素全新結合，并加以變奏，使聽眾在聽到歌曲后，在感到熟悉親切的同時，卻不是簡單的模仿。③升華了整首歌的表現力，猶如命運交響曲一般，氣勢磅礴的陣勢給聽眾以觸動。這種貼合民族旋律創作的歌曲，既符合流行音樂所需的商業價值，又能引發聽眾共鳴。
三、流行音樂中古典元素應用的意義
（一）提升流行音樂歌曲的格調
傳統的流行音樂無法脫離商業的需求，在普獲聽眾喜愛的基礎上，也因其短暫的生命力而存在遺憾。那么，在流行音樂中融入傳統的，流傳至今的古典元素，其獨具的深厚意蘊和藝術內涵，提升了流行音樂整體的格調。從而提升了流行音樂自身的內涵，增強了流行音樂自身的生命力。“古典交響樂是很多音樂大師靈魂的音樂，是一種精神的表達，包含了諸多藝術創作成分。”④由此可見，在流行音樂中融入經過時光洗禮了的古典元素，彌補了流行音樂中這一年輕音樂門類的缺陷，從而將流行音樂帶入較高的層次，更具格調和品味。
（二）對古典元素推廣起到助推作用
無論是哪個國家，所蘊含的古典文化、古典元素皆博大精深。將古典元素融入到流行音樂時，詞曲創作者或演唱者把蘊含古典文化的元素從音樂形式或內容上凸顯出來，繼而能形成一種新的、獨特的音樂風格。那么，流行歌曲在傳播的過程中，亦能將古典元素的推廣起到推波助瀾的作用。恰如流行音樂歌壇中的周杰倫、S.H.E、李玉剛等等音樂人，他們所演唱的歌曲不只是一種流行元素，更是將中國的、國外的古典文化進一步的推廣。從文化角度來看，這些歌曲均具有一定的人文價值。同時更說明了“音樂無國界”的道理，美妙的音樂就如無需翻譯的“語言”使整個世界的溝通與交往更直接，文化交流更密切。
結語
當多元文化大行其道，流行音樂的傳播能通過網絡走向全世界時，音樂形態的融合與變遷，已成為時代的產物。古典元素的種類繁多，無論是意蘊豐厚的古詩詞、唯美動聽的民族旋律或是傳統戲曲凸顯的音韻，都給流行音樂帶去了一抹獨特別樣的風采。流行音樂中融入古典元素，是時代的選擇，同時也有助于提升流行音樂歌曲的品味以及推動古典元素推廣。
參考文獻：
[1]中國大百科全書出版社編輯部.中國大百科全書總編輯委員會《音樂?舞蹈》編委會編.《中國大百科全書：音樂 舞蹈卷》[M].中國大百科全書出版社，2004.9
[2]畢宇虹.現代流行音樂中的古典浪漫元素---以周杰倫的音樂為例[J].音樂時空，2012（2）：54-56.
[3] 張圣超.從《最炫民族風》談中國傳統文化對中國通俗音樂的流行與發展[J].音樂大關，2014（1）：347
[4]岳長青.初探古典音樂[J].音樂大觀，2013（6）：229
注釋：
① 中國大百科全書出版社編輯部.中國大百科全書總編輯委員會《音樂?舞蹈》編委會編.《中國大百科全書：音樂 舞蹈卷》[M].中國大百科全書出版社，2004.9
② 張圣超.從《最炫民族風》談中國傳統文化對中國通俗音樂的流行與發展[J].音樂大關，2014（1）：347
本文的“雅”是指“學院派音樂”，“俗”是指“音樂會音樂”，文章將從曲式結構、主題發展手法兩個方面談該作品“雅”與“俗”的契合，以解讀陸培心中的歷久彌新。
關鍵詞：“雅”；“俗”；曲式結構；主題發展
引言
陸培，生長于廣西，是國內外有一定影響力的作曲家。他認為“新”技術，“新”觀念，總會變舊，只有能打動人的音樂，才能歷久彌新。他2011年為“紀念100周年”而作的管弦樂《號角與間奏曲：世紀之光》，在充分運用了許多現代作曲技法的同時又有著鮮明的旋律性，為廣大音樂愛好者所喜愛。陸培的求學經歷使他受到中西兩種文化的影響，這就使他的審美與創作具有雙重的氣質與視角，站在國際的高度，把民族的精華、國人的審美予以結合，創作中外聽眾都喜歡的作品。
本文的“雅”是指“學院派音樂”，即以高等音樂學府為核心、注重專業技法、尤其是運用現代作曲技法的音樂。“俗”是指“音樂會音樂”，即注重觀眾的喜好、迎合觀眾的審美的音樂。文章將以作曲家“雅俗共賞”的創作理念為依據，結合觀眾的審美心理，從曲式結構、主題發展手法兩個方面談其創作中“雅”與“俗”的契合。
一、結構設計中的“雅”“俗”契合
管弦樂《號角與間奏曲：世紀之光》采用這一具有重大意義的歷史事件作為創作題材，在其形式選擇上必將與內容相對應。而奏鳴曲式擅長對戲劇性、英雄性、史詩性或悲劇性內容作深刻的表達，富于哲理思辨性，是嚴肅音樂中最重要的大型曲式。
1、“雅”：指對西方傳統音樂結構的借鑒，即在結構作品的過程中融入了奏鳴曲式的結構意識。該作品共八個樂章，各樂章均沒有采用奏鳴曲式，但在全曲的整體布局中卻滲透著奏鳴曲式的結構意識，不可否認，這是作曲家為該作品打造的獨特“容器”。全曲大致可劃分三個部分，前五個樂章為呈示部，其中，第一、二樂章為主部特點，情緒激昂，奮進，第三、四、五樂章則相對舒緩、平靜，是為副部特征，與主部形成一定意義上對比。第六樂章是全曲少有的采用了展開式寫法的樂章，可視為奏鳴曲式的展開部。第七、八樂章相對完整地再現了主題一，可將該部分視為奏鳴曲式的再現部。
中國人受政治大一統的影響根深蒂固，在這種民族心理的影響下，使中國音樂也表現為統一性較強的特點。“從民族心理學的角度來看，中國人的心理有著極強的“慣性期待”，即希望保持當前心理活動狀態的傾向。”因此在結構音樂時，國人喜歡用重復、漸進、漸變等方式，滿足自己的期待感。
2、“俗”：指對中國古典音樂結構思維的繼承。全曲八個樂章，每個樂章均擁有各自獨立的曲式結構，多為樂段，體現中國古典音樂結構中聯曲體的特點。
如上圖，這些結構猶如中國古典音樂結構中聯曲體的各個獨立小曲。且每首小曲都擁有其相對獨立的表現內容，各樂章的主題多由第一樂章派生、發展而來，給人“似曾相識”的感覺。這種派生性的聯曲體結構，充分迎合了中國審美中的統一感、期待感。
該作品曲式結構布局既體現了作曲家學院派“精英式”的創作技法，即奏鳴曲式結構意識的運用；又體現了作者迎合中國審美的音樂會“大眾式”的創作理念，即對中國古典音樂結構中聯曲體的繼承，進而完成結構上的完美契合。
二、主題發展手法的“雅”“俗”契合
“一部作品的主題，凝聚了其中最重要的素材，概括了音樂最核心的本質，體現了作品最根本的構思。”因此對作品主題發展的研究就顯得更有意義。基于這一歷史題材，表現矛盾的激化是該作品中不可缺少的。在西方作品中，表現矛盾激化的慣用手法有模進、分裂等，該作品在主題發展中卻大量運用了保持、重復等具（下轉第54頁）（上接第52頁）有簡約主義特點的手法，以“不變”襯“微變”，這也正是這部作品的高明、獨到之處。
1、“雅”：表現為“簡約主義”作曲技法的運用。第一，音型的保持：各樂章突出某個重要的音型，并以多種方式保持。第二，結構的重復，各樂章多是樂段重復手法，突出旋律的可聽性。全曲共八個樂章，多數樂章以樂段重復結構出現，且主題旋律變化微小。在保持原有框架的基礎上，增減些許音符或改變主奏樂器。譜例1
上譜是主題一在《號角二》中陳述的前六小節，其旋律因素還是以上行四、五度跳進和下行級進為主，同時又加入了下行八度的跳進。音域上，比首次呈現移高八度；局部規模上，動機由兩小節擴展為三小節；配器上，旋律由圓號變成小號主奏。
“中國自古以來就遵從旋律至上的原則。”旋律是中國音樂的靈魂，在構成音樂的所有要素中，旋律是最具有感情表現傾向的。
2.“俗”：表現為鮮明的旋律性。該作品雖然運用簡約主義等現代作曲技法，但其主題卻是有調性、有旋律、形式相對簡單的音樂。全曲共五個主題，均旋律鮮明，在音型化的伴奏織體的襯托下，加上巧妙的配器，給人一種寬廣、絢麗、宏偉、大氣的音響感受。
在貫穿全曲的主題一（及其變形）中，上行四、五度跳進是其主要因素，塑造一種振作、昂揚的性格，下行八度也在旋律中常見，具有沉靜、坦蕩的性質，充分符合作品所要表現的題材。該作品在主題發展中既充分運用了簡約主義作曲技法，又展示了鮮明的旋律性，使時代性與民族性得到融合，進而實現“雅”與“俗”的契合。
結語
本文通過對陸培《世紀之光》的分析，從曲式結構設計和主題發展手法兩個方面充分論述了其“雅俗共賞”的創作理念。在“新潮音樂”盛行的新時代，作曲家在不斷探索的同時，要結合本民族的音樂，結合音樂欣賞者的審美趣味，站在學院派音樂的高度，創作人們喜聞樂見的音樂會音樂。正如陸培所說：“高尚的音樂會使人高尚，深刻的音樂會讓人思考，但前提是要有人（多數人）去聽，反之，該音樂既‘高尚’不起來，也‘深刻’不下去！”
參考文獻：
[1]施永.中國人音樂審美心理概論[M].上海：上海音樂出版社，2008：138.
[2]彭志敏.音樂分析基礎教程[M]北京：人民音樂出版社，1997：2.
高師音樂舞蹈教育的舞蹈教學的目的都與純舞蹈專業有很大的不同，主要目的是培養有綜合音樂素養且兼具舞蹈教學、編排能力的中小學音樂老師，相比專業舞蹈教育來說，音樂舞蹈教育更注重學生在舞蹈方面的實用能力和相關知識結構的整體性。中小學的音樂美育重視基礎，不需要培養高精尖的人才，而舞蹈在美育教育中是音樂之外的一種輔助，僅要求學生了解各種舞蹈的基本體態輪廓，通過舞蹈練習塑造學生的優美體態，陶冶他們的情操，讓學生對音樂和舞蹈有一定的鑒賞基礎，為學生的全面發展奠定基礎。作為專為中小學美育教育培養人才為目標的音樂舞蹈專業，舞蹈課程的主要內容也是以此為出發點和目的，因此，其課程安排和設置都與純舞專業有所差別，以四川音樂學院音舞教育專業舞蹈課程設置為例如表。
由此可見，本院音舞專業的舞蹈教學在課時量和學分的設定上都以舞蹈基礎的教學為重心，特色內容是有針對性的民族民間舞訓練模塊，并不追求對某種舞蹈的高精度學習，更注重多種多樣豐富的教學內容。
二、高師音樂舞蹈教育中鋼琴伴奏的現狀分析
現狀調查：目前，音舞專業舞蹈課中的鋼琴伴奏教材都基本使用專業舞蹈的伴奏教材。這些教材中的部分音樂是可以直接用于我們的課堂的，但有半數以上的音樂是為專業舞蹈而作的，不適合我們的舞蹈課程。音舞專業學生的音樂理論基礎薄弱，舞蹈基礎能力有限，復雜的專業性強的音樂會成為他們的負擔，并不能讓他們體會到樂與舞的和諧之美。那我們的課堂現狀有什么問題？學生對鋼琴伴奏有什么希望和建議？鋼琴伴奏究竟該往哪發展？筆者針對這些問題對四川音樂學院音樂舞蹈專業學生做了一次問卷調查，一共30份問卷，回收23份。統計結果顯示：
1、希望在課堂中用古典音樂來伴奏的占68%
2、希望在課堂中用通俗流行音樂來伴奏的占59%/
3、希望在課堂中用原創音樂伴奏的占45%
從以上的問卷調查中我們可以清晰的看到無論是本專業的舞蹈老師還是學生都希望鋼琴伴奏能有所改變，有所創新來解決現實中的問題和矛盾，促進我們的教學向更廣闊的天地發展。而從宏觀上來看，不斷發展的社會教育需要上層教學機構的同步發展，任何一項教育工作都必須與時俱進，才能為教育事業培養出能學以致用的實用
性人才。
三、改編應用多元化音樂在音舞專業舞蹈課鋼琴伴奏中的積極意義
近年來，音樂教育者都十分重視將多元化音樂融入實際教學中，在國外更是備受推崇。鋼琴伴奏看似陪襯但卻是我們將多種音樂元素融入舞蹈教學的唯一途徑，并能彌補我們在教材上匱乏，讓課堂生動活潑，消除學生對單一枯燥音樂的倦怠感，以此來提高我們的教學效率。其次對提升學生的審美層次也意義巨大，多元化的音樂才能讓他們領會到世界音樂的奇妙和美，而不是僅局限于書本中的音樂，做一只驕傲的井底之蛙。同時還能提高學生的創造意識，懂得教學要不斷的創新，在各個方面都需要大膽的摸索才能讓自己的教學不落后于人并不斷發展。
四、將多元化音樂改編應用的具體方法
（一）古典主義音樂的改編與應用
無論西方或是中國的古典主義音樂都是一種能讓人深思，使人高尚，經得起歲月歷練的音樂。它們的結構規整，旋律之美能讓人反復回味，和聲分句系統有規律，節奏也突出明顯。音舞專業舞蹈課中進行的都是形式和內容都比較規整的舞蹈訓練，對音樂的要求主要在于節奏清晰、片段規整，能給學生明確的旋律起伏感。經過改編后的古典音樂，是可以達到要求的。
如：F.J.戈塞克《加沃特舞曲》主題旋律和柴可夫斯基《四小天鵝舞曲》都適用于小彈腿（Battement frappe）。G.威爾第《大進行曲》主題旋律部分適用于大踢腿（Grand battement jete），《快樂女戰士》可用于古典舞的小跳組合，鋼琴曲《春舞》主題旋律部分可用于民間舞課的賽乃姆組合等等。這些樂曲中有些也是學生們正在學習演奏的鋼琴曲，與舞蹈相結合后能讓他們更直觀的體會到樂曲的形象和節奏感，促進他們找到演奏的情感。古典音樂也是一種理性的藝術，它們的旋律走勢有預見性，曲調優美，曲風高雅，節奏規范易把握，讓學生易于配和舞蹈動作，并在和伴奏的同時能廣泛接觸到各類型的古典樂曲。豐富的知識量是提高他們的藝術修養的必要基礎。
（二）通俗流行類音樂的改編與應用
通俗流行音樂是一個時期社會潮流文化的縮影，受大眾的喜歡，易于傳播和接受，包括流行歌曲、輕音樂、電影配樂或插曲和爵士類樂曲等。這類樂曲能引起學生的共鳴，音樂響起的瞬間會看到學生們的臉上一抹輕松的微笑。其特點是旋律朗朗上口、結構短小精干、節奏明確、形態豐富、這些特點都適合音舞專業的學生。因為他們中大多數并未通過多年專業的訓練，甚至未接觸過鋼琴伴奏的舞蹈課程，而通俗輕音樂是學生平時聽得最多，接觸最多的，既符合他們的音樂水平又能明顯提升課堂的活躍性。學生能把更多的注意力放在舞蹈動作的學習和規范上。時代音樂元素的融入，也有助于學生開闊思維，提升不拘于形式大膽創新的意識。改編流行音樂要遵循以下幾點原則：
首先，高師音舞專業的學生是將來基礎音樂舞蹈教育的人才，他們必須傳播一種積極向上的正能量，因此我們要摒除內容不和諧、不健康、難登大雅之堂的通俗音樂。其次，要選擇符合音舞專業學生聽力水平的音樂，旋律感要強，不規律節奏和自由散漫的節奏都需要我們去規范改寫。再次，通俗流行音樂大都沒有古典音樂那樣規范，我們一般選擇保留其主體旋律，根據舞蹈的節奏韻律做出相應的旋律擴展或縮減。如歌曲《九兒》要改編為古典舞控制的音樂時，要將整體速度放快，太過于緩慢的節奏對于能力較差的音舞學生來說是很難完成如此長時間控制的，歌曲中的幾處自由延長音要規整為4拍或8拍結束。最后是左手伴奏應選用適合舞蹈節奏的織體結構，和聲的配備盡量少用和弦外音，以古典和聲體系為主。
如：《神秘園之歌》可用于音舞專業芭蕾舞把桿體態練習或者手位組合，久石讓《Always with me》可用于單腿蹲（Battement fondu），歌曲《九兒》可用于古典舞的控制組合，歌曲《莫尼山》可用于民間舞的藏族旋子組合等等。
（三）將爵士元素融入鋼琴伴奏音樂中
在西方，爵士樂被認為是可以讓人動起來的音樂，在很多電影電視劇中都常常見到人們在爵士樂中隨心歡快的舞蹈。雖然這類大多節奏自由性很高，音舞專業的學生要抓住這類音樂的節奏點是不易的，但學生們喜歡時尚潮流的音樂，并且近些年也越來越受到大眾的喜愛，所以，為了讓學生能學習吸收豐富的音樂知識且學以致用，可以適當用爵士風格對音樂進行二次創作。
如：巴赫的《西西里舞曲》這首曲子可用拉格泰姆節奏改編，用于轉（Pirouettes）的練習。彈奏時，在旋律中適當加入滑音和顫音，伴奏聲部避免使用過于自由和繁瑣的節奏型，盡量把曲調、節奏和節拍重音都表達清楚，又不失爵士樂自由搖擺的特點，有助于學生去找到旋轉這一練習中點線面流動的空間感，這種風格的樂曲對活躍課堂氣氛也有很好輔助作用。《萬歲千山總是情》這首歌曲可用搖擺的節奏型來改編后用于古典舞的五位擦地組合，但不能太過于自由，要突出節奏點和重拍，才能讓學生找到每個動作的發力點。
（四）創作鋼琴伴奏音樂
在這個提倡創新教育的時代里，作為音舞專業的鋼琴伴奏者也應積極突破，嘗試自己為教學創作一些音樂。筆者通過近兩年創作的實踐，總結了以下幾點創作伴奏樂曲需要把握的要點：
1.創作樂曲要符合舞蹈的風格。芭蕾、古典和民間舞都各賦一格，芭蕾舞源于西方，樂曲風格高雅、干凈且意境純美。而中國古典舞音樂則需要婉轉優美的風格，民間舞音樂需要以民族音樂的節奏特點為基準來創作。
2.音樂結構和節奏的設置
首先，樂曲必須由方整性樂句組成。音舞專業舞蹈課組合重視基礎訓練和規范化，幾乎不出現不規整的動作語句，因此，鋼琴伴奏音樂也必須方正有序。
第二，曲式結構要簡練。常用單段體（A），二段式（A+B）和三段式（A+B+C）或（A+B+A），但必須配以準備拍和收尾音樂才能保證舞蹈和音樂的完整配合。加之音舞專業的學生大多數未經過系統的舞蹈學習，甚至從來沒有接觸過鋼琴伴奏下的舞蹈課，因此必須照顧他們的弱項，仔細觀察舞蹈組合的模塊組成，選擇相適應的曲式結構來創作樂曲。
第三，樂曲節拍以2/4、3/4、4/4拍為主，盡量避免使用3/8、6/8、2/2等較為復雜的節拍。音舞專業學生的樂理知識普遍欠佳，復雜的節拍和節奏型會加重他們的學習負擔，讓伴奏音樂變成和如五位擦地、小踢腿、小跳等比較歡快有力的組合可以用2/4拍為編曲節拍，劃圈、中跳和單腿蹲可用3/4拍來編寫，一位擦地和控制可用4/4拍節奏編寫。
第四，伴奏織體的編配要盡量簡化，以舞蹈的節奏為編寫基準，常用的有以下幾種伴奏織體如圖：
一、流行音樂課的積極作用
流行音樂中不乏積極的音樂元素,開設流行音樂課,讓流行音樂的精華進入課堂,可以產生以下積極作用:
1.提高學生的鑒賞能力,拓展學生的視野。通過流行音樂的鑒賞,學生的欣賞水平不僅僅是停留于聽幾個歌星的演唱曲目,而是對流行音樂的發展狀況,音樂的曲風、類型都有了較全面的了解,大大的提高了學生的綜合素質和豐富了學生的音樂知識。
2.一些積極向上的、富有活力的曲風,能對學生形成正確的引導。如《我的未來不是夢》就激勵了學生認真過每一分鐘,心跟隨著希望在動,鼓勵學生踏踏實實,有希望有理想。
3.一些聲譽好的歌手或樂手,他們積極從事慈善活動,勇敢面對生活困難,有愛心、有理想,也能對學生作出良好的榜樣。
二、提高流行音樂課的實效
1.首先讓學生正確地了解流行音樂的概念,以及中國流行音樂發展的狀況
(1)流行音樂一般指結構短小、輕松活潑、通俗易懂的聲樂或器樂作品。自20世紀50年代開始,流行音樂更多的則是指爵士音樂、地方流行音樂、搖滾樂、迪斯科音樂、探戈、倫巴等歌舞音樂、通俗歌曲和以爵士搖滾音樂的節奏手法改變的古典音樂等。
(2)中國流行音樂發展是從二十世紀三、四十年代,在上海舞廳、酒吧發展起來的帶有爵士風格,以伴舞音樂風格為主,如《夜來香》、《夜上海》等。由于政治原因,在改革開放前,流行音樂在中國基本是銷聲匿跡。直到改革開放后,流行音樂才開始在中國大陸風行,從模仿港臺歌星,慢慢發展到百花齊放、各具特色的現代流行音樂格局。
2.提高學生對流行音樂的審美情趣,取其精華,去其糟粕
流行音樂有不少是商業化的、格調低俗的庸俗作品,加上某些廣告音樂、生活音樂、工業音樂、醫療音樂的應用和擴廣,使家庭和社會的音樂生活,呈現出十分紛繁復雜的情況,良莠混雜、雅俗交織、美丑難辨。學生往往是“聽而不擇”,這在客觀上造成不良的聽覺習慣。所以老師必須在音樂教學中,積極加以糾正,引導學生聽些積極健康的流行音樂作品。如《讓世界充滿愛》、《感恩的心》、《臺》、《聽媽媽的話》等等,讓學生明辨是非,明白什么音樂適合聆聽、什么音樂應該抵制,理性對待流行音樂,而不是盲目追求流行,提高學生對流行音樂的辨別能力。
3.師生互動,讓流行音樂與高雅音樂有機結合起來,找出它們的音樂共同點
中學的音樂教育的主要內容,是以欣賞民族音樂和古典音樂為主的教學,那么在教學中,能有效地把流行音樂元素融合起來,多進行對比性的教學可以取得事半功倍的效果。如可以引用騰格爾的《天堂》作為教學內容,漸漸地引入到蒙古民歌的作品中去,韓紅的《天路》引出民歌,并告訴學生許多流行歌曲的創作,都借鑒民歌的元素,如《好漢歌》大量應用了民歌《王大娘釘缸》的旋律。再如從周杰倫電影《不能說的秘密》,他所彈奏的肖邦曲目,引入古典音樂“鋼琴詩人”肖邦,主要是讓學生在喜歡的流行音樂和民族音樂、古典音樂之間找出共同的音樂特點,拉近師生的距離,師生互動,共同創造良好的課堂氣氛,一句話“容納流行,走進高雅”。
4.積極挖掘流行音樂校本課程
流行音樂是二十世紀新興的音樂形式,到目前為止,相關的專業書籍并不多,主要是以介紹流派、歌手、樂手為主,而真正對流行音樂作品進行分析的書籍卻少之又少。所以教師必須認真開展流行音樂進入校本課程這一工作,這是解決當前這一問題的最佳途徑。
(1)重點是探究各流行音樂流派的發展狀況和藝術特征。流行音樂校本課程的重點內容應該是介紹各流行音樂流派的起源、歷程、風格特征,尤其對音樂特征包括節奏、旋律、曲式、樂器等的分析,讓學生了解各流行音樂的發展歷程。如《爵士樂》中,可以包括從藍調音樂、布魯斯音樂、迪克西蘭到搖擺樂直至爵士交響樂整個發展的過程。
(2)結合古典音樂、民族音樂進行對比性教學。流行音樂中有不少的作品結合了古典音樂、民間的元素,如周杰倫的《喬克叔叔》使用了西班牙的弗拉明戈的音樂風格,s,H,E演唱的《不想長大》使用了莫扎特的第40號交響曲的主題作為副歌的旋律,所以在教學中進行對比性教學,更能夠了解古典與流行的辯證關系。
(3)組織流行音樂講座,開展流行音樂的研究性學習。讓學生根據自己的興趣愛好,可以設幾個研究性的課題,如“中學生眼中的流行音樂”、“新民樂狀況調查”、“流行音樂和高雅音樂的不同之處”等等,讓學生自主發現問題,收集分析與流行音樂相關的信息,拓展學生對流行音樂的知識面。
5.開展課外興趣小組,給學生一個展示音樂才華的空間
(1)組織通俗唱法興趣小組。大多數學生在唱流行歌曲時,基本是聽會而不是識譜學會,而且一味地模仿歌星的唱法,明明可以咬字清晰卻故意含糊不清,沒有自己的特點,而且選擇不合適的作品。教師可以教他們一些聲樂技巧和樂理知識,包括臺風、表演、裝束等,使他們在唱歌的時候,能有自己的特點,并且有中學生的朝氣和模樣。
【關鍵詞】初中音樂 音樂教學 多元文化
部分初中生在學習音樂的時候，對音樂文化的理解非常片面，這表現在這些學生對音樂的錯誤認知上。比如有些學生覺得中國古典的音樂就是很優美，西方的音樂非常膚淺；而有些學生覺得西方的音樂宏觀豐富，中國的古典音樂就是小曲小調，不成氣候。學生如果對音樂的理解有錯誤的認知，他們就會片面的吸收音樂知識。初中音樂教師在開展音樂教學時，要滲透多種音樂文化的教育。
一、在音樂基礎教學中滲透多元文化
音樂的基礎教學為音樂三個元素的教學，即旋律、節奏、合聲的教學上。不同的音樂文化中音樂元素的構成有所不同。部分學生對音樂元素的構成理解非常片面，他們有時會從數量的角度來判斷音樂元素的優劣，教師要引導學生以多元文化的角度理解音樂基本元素。
比如有一名音樂教師在開展音樂基礎教學時，有一名學生提出，中國的音階有五個，即宮商角羽徵，而西方的音階有七個，即1234567，這是不是就說明中國的古典音樂比較落后，對音樂元素的探索沒有西方音樂完整？教師要讓學生理解到：首先，由于音樂創作的目的是為了表達心聲，就好比說，人們在開心的時候，敲出的鼓點會急促、輕快；人內心有所疑慮的時候，敲出的鼓點會不成節奏，輕重不一。人們僅僅憑鼓點便能傳達出心聲，更何況是用音樂旋律？因此，音階較少并不意味著中國的古典音樂落后。其次，教師可引導學生聽苗族的山歌和常德的花鼓戲，學生聽完這些音樂后會發現苗族的山歌中會出現b3這種不常見的音階；而常德花鼓戲中還會出現1#2356這種非常特殊的音階。可見，在中國的民間，人們使用的音階并不止五種，只是它未被官方認可。西方的音樂也是同樣，其音樂并未受到七種音階的限制。
初中音樂教師如果能在音樂基礎教學中滲透多元文化的音樂教學，就能讓學生更深入的理解音樂基礎知識。
二、在音樂樂器教學中滲透多元文化
樂器教學是音樂教學中不可缺少的環節，學生在使用樂器的時候，能對音樂基礎知識有更深的認知。
比如有些學生對音樂樂器的理解有種錯誤的認知。他們認為因為民族音樂的風格是由民族音樂樂器帶來的，缺少了那種民族樂器，便不能表達出民族音樂的風格。一名音樂教師在引導學生學習《亞非拉掠影》一課時，引導學生聽《西游記》中的插曲《天竺少女》一曲，這些學生聽到這首音樂時，感覺該曲流露著濃濃的印度音樂風味，可是該曲應用印度的民族樂器演奏，而是使用西洋電子樂演奏。學生通過仔細的欣賞，發現印度音樂有一個特點，即由于印度人喜歡載歌載舞，因此印度音樂中常帶著舞曲的效果。這首《天竺少女》有與印度音樂相似的舞曲節奏；印度音樂經常使用4與7這兩個音符，這首《天竺少女》就反復的應用這兩個音符來營造旋律。經教師的引導，學生理解到民族樂器與民族音樂特點沒有必然的聯系。
教師在音樂樂器文化中滲透多元文化的音樂教學，能讓學生理解如何正確的應用各種樂器，這種教學能夠提高學生音樂創作的水平。
三、在音樂欣賞教學中滲透多元文化
初中音樂教師在開展音樂教學時，會開展音樂欣賞教學，在這一教學環節里，教師如果能夠滲透多元音樂文化教學，就能夠讓學生理解到應用多元理念創作音樂的重要性。
比如有一名音樂教師在開展《國威國魂》教學時，引導學生聆聽大型紀錄片《故宮》的片頭曲《故宮之神思》，這是一曲由日本一支叫S.E.N.S的團隊創作出的音樂。學生在聆聽這支音樂的時候，會發現這支音樂是由電子樂演奏，它的旋律融合東方音樂與西方音樂所長。該曲的前半段用電子樂營出迷離、夢幻的音樂效果，讓聆聽者對夢幻一般的音樂產生遐想時，它的音樂主旋律切入到東方雅樂的風格中。這段雅樂旋律中正、平和、宏偉、莊嚴，使人們疑似站在崴崴故宮前，仰望著故宮的神圣與莊嚴，正待人們內心進入故宮的情境中時，突然一段極具西方風味的旋律切入，這段旋律為西洋管樂吹奏，聆聽者心情隨著西管樂切換，使人們如果站在西方視角再觀故宮，人們便發現故宮缺少西方的浪漫、開放的氣息。東方的雅樂與西方的音樂數度切換，東方的雅樂節奏漸顯凝重、沉重，而西方的音樂旋律由浪漫變成哀嘆。這兩段樂曲始終相輔相成，互成對比。這種旋律的互融營造出人們用現代的視角看故宮的氣氛，它是東方音樂特點與西方音樂特點共同使用的音樂典范。
初中音樂教師引導學生欣賞音樂時，可讓學生從音樂創作需求的角度來看音樂的多元文化，如果學生能夠理解到音樂多元文化的音樂，以后學生在欣賞和創作音樂時，便不會受到單一音樂文化的束縛。
總結
初中音樂教師在開展音樂教學時，要滲透多元音樂文化的教學，這種教學方法能夠讓學生改變對音樂偏頗的認知，正確的理解音樂知識，提高音樂欣賞和創作水平，從而初中音樂教師的教學效率就能提高。
【參考文獻】
[1] 管建華. 埃里奧特的后現代音樂教育學思想[J]. 中國音樂學，2004（03）.
[2] 管建華. 克萊南的后現代音樂教育學思想[J]. 新疆師范大學學報（哲學社會科學版），2004（02）.
（張家港市第三中學，江蘇蘇州215000）
【摘要】中學音樂教學是素質教育的重要課程之一，對培養學生的音樂能力以及藝術審美能力有十分重要的作用。然而，當前中學音樂教學活動所涉及的主要音樂曲目還是“嚴肅音樂”，對通俗音樂的涉獵有所不足。雖然通俗音樂會對中學音樂教育產生負面影響，但是通俗音樂作為社會中傳唱度最高的曲目，它同樣可以對中學生產生積極的影響。對此，中學音樂教師不能“因噎廢食”，要采取合適策略促使通俗音樂與中學音樂的有效融合。
【關鍵詞】通俗音樂；中學音樂教學；有效融合；嚴肅音樂；古典音樂
通俗音樂具有很強的時代氣息，并且其節奏簡單、歌詞通俗易懂，容易學習，因此其在社會中有很強的傳唱度，很容易引起人們內心的共鳴。另外，通俗音樂也是最受中學生歡迎的音樂，因此將通俗音樂與中學音樂教學融合起來，可以有效提高中學生音樂學習興趣，提高中學音樂教學效果，促進學生綜合素質的全面發展。
一、通俗音樂對中學生音樂教學的影響
所謂通俗音樂是指一種通俗易懂、易于傳播并且能夠被社會中大多數人所接受的音樂。相比于嚴肅音樂以及古典音樂等，通俗音樂的輕松活潑、富有獨特的節奏性，缺少了嚴肅音樂的古板以及古典音樂的嚴謹。通俗音樂與我們口頭常說的“流行音樂”屬于同一概念。對于中學音樂教學來說，通俗音樂既有負面影響，又有正面影響。
（一）通俗音樂對中學音樂教學的負面影響
第一，通俗音樂的內容蒼白無力、語言貧乏、格調低下。當前，大多數通俗音樂的題材比較單一，多數以愛情歌曲為主，同時摻雜一些發泄不滿、充滿憂傷的歌曲。這些歌曲所表現出來的情感大都是頹廢、低沉以及抑郁的，從而會消磨當代青少年蓬勃向上的精神，導致青少年產生諸多負面情緒，不利于青少年的健康成長。
第二，通俗音樂曲式簡單，旋律缺乏美感。當前，多數通俗音樂的曲式并不嚴格，連續的顫音、滑音以及夸張性的高音、延長音屢見不鮮，缺乏傳統音樂旋律的美感。另外，一些通俗音樂還隨意摻雜古典音樂、民族音樂的曲調，導致歌曲“四不像”，雖然具有較高的傳唱度，但是卻缺乏音樂教學的藝術性價值。
第三，通俗音樂歌手表演夸張、奇怪。歌手在演唱通俗音樂時，往往搭配奇怪的發型、服飾，表演時而仰首高歌、時而低沉詠嘆、時而傳情，甚至一些歌手在舞臺上展示十分低俗的舞蹈動作。由于多數通俗歌手在中學生之間具有一定的影響力，因此這種夸張奇怪的動作會引起中學生的模仿，導致中學生養成不良習慣，影響中學生健康成長。
（二）通俗音樂對中學音樂教學的正面影響
通俗音樂雖然對中學音樂教學產生很大負面影響，但是我們要一分為二地看待通俗音樂，當前部分通俗音樂同樣具有很高的教學價值。通俗音樂對中學音樂教學的正面影響主要體現在：
第一，通俗音樂能夠豐富中學生的學習生活。目前，我國中學生的學習任務仍然十分繁重，甚至十分枯燥，而處在青春期的中學生很難全身心地投入到學習中，往往會通過逃學、曠課等方式緩解沉重的學習壓力。然而，通俗音樂卻為學生提供了發泄渠道，豐富了學習生活，學生在學習間隙聽聽流行音樂可以有效緩解疲憊的身心、調節學習狀態，從而保證學習效率。
第二，通俗音樂滿足學生的心理需求。處在青春期的中學生十分渴望了解外部世界，并且這一時段的中學生對愛情也產生了初步渴望，然而父母、教師以及學校卻限制著中學生的這種憧憬。此時，通俗音樂表現出的情感性、號召性以及對愛情的描寫正好滿足了學生的心理需求，引起學生的心理共鳴，確保學生心理壓力能夠得到釋放。
二、促進通俗音樂與中學音樂教學有效融合的對策分析
第一，認清通俗音樂的作用。教育工作者要認清通俗音樂在中學音樂教學中的作用，肯定通俗音樂在音樂教學中的地位。即使不將通俗音樂作為中學音樂教材曲目，也不能阻止甚至禁止學生聽流行歌曲。然而，教育工作者還是要認識到通俗音樂對中學生的不良影響，在中學音樂教學中仍然以古典音樂、民族音樂為主，以通俗音樂為輔。
第二，仔細篩選合適的通俗音樂曲目。教師在采用通俗曲目進行教學時要堅持一定的原則，提高通俗音樂曲目教材質量，避免通俗音樂對學生產生不良影響。首先，教師要選擇政治觀點正確、思想積極向上并且具有教育意義的通俗曲目，例如《中國人》《還世界一片綠色》等歌曲；其次，教師要選擇具有代表性的曲目，選擇能夠產代表時代特色、音樂流派風格以及歌手歌唱特點的曲目，例如《傳奇》《從頭再來》等；最后，選擇能夠被大多數學生接受的曲目，選擇適合中學生發展特點的通俗歌曲，最好選擇富有文化多元性的通俗歌曲。
第三，積極引導學生，提高學生對通俗音樂的鑒賞能力。中學英語教學中，教師要利用積極向上的音樂作品去感染、引導學生，提高學生思想道德水平，進而提升學生的音樂鑒賞能力，使學生在日常生活中能夠正確區分健康和不健康的通俗音樂。
第四，利用通俗音樂培養學生音樂基礎。由于初中生并沒有很好的音樂基礎，因此初中生在甫一接觸古典音樂時往往感覺晦澀難懂，導致學生對傳統作品敬而遠之，從而影響了教學效果。此時，教會可以將通俗易懂、旋律簡單、能夠引起學生興趣的通俗歌曲當作教材，結合作品向學生講解音樂基礎知識，從而提高學生基礎音樂水平，降低他們學習傳統音樂時的難度。
三、結語
在文化多元化發展的今天，音樂教育工作者要認清通俗音樂對中學音樂教學的負面影響，肯定通俗音樂在音樂教學中的地位，認真仔細地選擇通俗音樂曲目，并將通俗音樂教學當作培養學生音樂基礎知識的有效途徑，從而完善通俗音樂與中學音樂教學的有效融合。
參考文獻
[1]田乙．把通俗音樂引入音樂教學中的對策[J].音樂時空，2014，11 (6)．
隨著社會的進步與發展，音樂的形式也越來越豐富。由于音樂環境的不斷完善與改變，這便給音樂的改革帶來了極大的機遇。每一種音樂形式都有吸引觀眾眼球的自我特點。無論演員還是聽眾，他們在表演或欣賞方面，不再局限于過去古典的，傳統的音樂，更多的是追求新穎的，多樣的音樂形式。這便出現了一些爭議性的問題：例如，現代音樂的出現是否說明古典音樂已經過時了？是否在現代音樂作品中已經完全摒棄了古典音樂的元素？或者是，有的人認為，古典音樂是高雅的藝術，而流行音樂是很俗的音樂形式等？其實，這些問題是非常需要專業院校的學生深思熟慮的。
一、音樂劇與古典歌劇
音樂劇是由喜歌劇及輕歌劇演變而成。早期稱作“音樂喜劇”后來簡稱為“音樂劇”。是19世紀末起源于英國的一種歌劇體裁，是由對白和歌唱相結合而演變出的戲劇形式。音樂劇表演是以音樂、舞蹈、戲劇表演三者融為一體的表演形式。
古典歌劇是由文字、音樂、肢體語言、空間和燈光組成的總體藝術品。古典歌劇 （classical opera）在題材上力求貼近人心，強調歌劇音樂與戲劇內容更加緊密的結合。旋律簡潔明快，樂隊的重要性得到重視，并去掉了“數字低音”寫法。以格魯克、莫扎特、貝多芬的歌劇為典型作品。
音樂劇和古典歌劇中都有歌詞，但音樂劇與歌劇卻有著不同的特點。音樂劇的歌曲有許多流行音樂，在演唱上是以說唱的為主要形式的，表演上看起來是很自如的。而歌劇全是運用傳統的美聲唱法。一部歌劇中既有宣敘調又有詠嘆調。歌劇中舞蹈成份較少，而音樂劇的舞蹈成分非常重，但是最主要的還是音樂部分。一臺音樂劇的歌曲大概在二十到三十曲。許多音樂劇都偏向于某個方面。有的是歌曲，有本文由收集整理的是舞蹈，有的是劇情的戲劇表演。
二、音樂劇《貓》的音樂
音樂劇《貓》是作曲家韋伯，根據艾略特的詩集《老負鼠講講世上的貓》譜曲的歌舞劇。講述的內容是將人的悲歡離合和一些感性的事情通過一群精靈貓表現出來，是一部以動物擬人的表現手法，成功演繹了一群杰里科貓在舞會上發生的事情。雖然《貓》的劇情很簡單，但結尾點題，發人深省；在劇中除了聲樂演唱外，還運用了大量的芭蕾、爵士、踢踏等多種舞蹈，呈現出全劇中三十多只貓的不同形態，年齡，性格等。表演生動，創作上獨具想象力；而音樂美妙動聽，易于傳唱，最為可貴的是，作曲家把貓賦予了人性化。
1、音樂劇《貓》中的《回憶》
現代音樂作品中流行和古典的融合是非常時興的。許多流行歌曲就像音樂劇的插曲，《貓》中的《memory》.作曲家韋伯在創作時，就考慮到要標新立異，故在音樂上采用非常多的現代音樂元素，譬如，爵士，電子樂，搖滾，運用了豐富的和聲效果，音樂風格上仍保留著古典技法的思維方式但又突破了古典歌劇的規則限制，巧妙地與古典歌劇融合在一起。同時，還保留了歌劇中的非常優美的長調唱段，使得作品輕松歡快而又不顯輕浮。正式由于音樂風格的自由化，往往加入了流行音樂的因素。音樂劇《貓》中韋伯就嘗試了許多不同的風格，鄉村例踢踏舞、歌劇、流行，甚至還有贊美詩的成分，例如，在劇中開始的合唱部分，就體現出了宗教意味，運用了“阿利路亞”贊美詩。每一種不同音樂風格的運用，都與人物的塑造，性格，角色的特點，氛圍環境是息息相關的。兩次“回憶”同樣的旋律，演唱者的身份發生的變化、調式調性的轉換，力度的對比給我們帶來的是不同的感受。如就像后一首音樂的情緒是和睦、溫馨、幸福的，音樂經過兩次轉調，力度層層推進，極富有震撼力。
2、演唱唱腔
演員在演唱《回憶》這首作品時，唱腔上與傳統的歌劇演唱是有所不同，但又保持著聯系：歌劇演唱絕對采用的是美聲唱法，其中采用了大量的詠嘆調和宣敘調，最為重要的是靠獨唱的詠嘆調引領全局，每一種歌唱方式都有樂器伴奏。演唱者有合唱隊伴唱，在某些歌劇中，合唱隊的陣容甚至達到了整個交響樂團的規模，歌劇中還運用了大量的音樂元素，其表演并不是說出來而是唱出來。而音樂劇則屬于流行音樂范疇，多數用流行唱法，也有用美聲唱法的；這種唱法，其實是在科學的美聲唱法的基礎上而有所變化的，流行唱法也是要有氣息的支持，共鳴腔體的運用，只不過是比美聲唱法呼吸自然一些，腔體運用的少一些，在咬字方面，也需要有字頭和字尾，但是不需要過分夸張的咬字，表現上更為自如罷了。無論演唱的唱法有多少不同，但都是建立在科學的發聲方法上，通過科學的演唱，詮釋音樂作品的內涵。這可以說明在演唱的唱法上，現代音樂作品還是和傳統音樂作品是相互聯系的，相互影響的。
3、聲樂表演
談《格薩爾》說唱音樂藝術
一、如何評價音樂在《格薩爾》說唱藝術中的作用建國以來，由于國家的重視和眾多專家學者的長期努力，使舉世聞名的史詩《格薩爾》的搶救、整理和研究等工作取得了驚人成就。但對作為該史詩主要藝術形式的音樂的搶救、整理和研究卻十分薄弱。眾所周知，在任何藝術作品中內容要起到主導作用，但其形式絕非可有可無，恰當完美的藝術形式能夠把真、善、美的藝術內容廣泛傳播、深入人心，以致產生深刻而持久的社會作用。《格薩爾》音樂為傳播這部史詩的基本內容起到了這樣一種典型的巨大作用。1、內容與形式的關系如果說《格薩爾》的基本內容是該藝術的靈魂，那么音樂就是它的軀體或血肉，因此它們間存在著不可分割的關系。根據《格薩爾》文學唱詞和音樂的語調風格、節奏規律和結構格式，不難看出它們都具有源于同一個地區文化藝術的明顯特征，即都是由吸收和借鑒具有濃厚地域特色的康區和牧區廣為流傳的山歌、牧歌和強盜歌的內容和形式而成。兩者不僅語調風格完全相同，而且每句唱詞的頭尾兩處各有一節拍的單詞和中間有三個每節拍雙字的節奏規律，同時它們又都是八字一句，四句一首的結構格式，說明音樂與史詩的淵源關系。在昌都山歌《林中的杜鵑》的一段藏語唱詞唱附圖門，第一門叫做宗教門，我強盜不入這一門，手中沒有供品不開門。”諸如此類的各種唱詞比比皆是，數不勝數。很顯然，這與《格薩爾》中的任何一種唱詞完全相同。對《格薩爾》說唱音樂而言，由于說唱音樂與山歌、牧歌存在一定的差異，因而它雖然沒有直接吸收山歌、牧歌等音樂素材，但仍利用或吸收了該地區的其他傳統民間音樂。如以昌都民歌《美酒獻給好頭人》為例：附圖下面是一首《達嶺大戰》中一個名叫阿滾的牧養人所唱的人物專用唱腔——《牧養隨風悅耳曲》：附圖假如我們對以上兩首歌曲的基本藝術風格、音階旋法、調式調性和節奏形態等進行比較研究，從中能夠清楚地認識到，兩者不僅是同一個地區的姐妹藝術，而且還可看出它們在藝術實踐中相互借鑒或吸收的淵源關系。這兩首歌曲雖然在結構形式上存在著較大的差異，如《美酒獻給好頭人》是八字一句，一句一首的較為原始的歌曲，而《牧養隨風悅耳曲》是八字一句，四句一首的結構趨于完整的唱腔。但是兩者間的這種差別正好說明了它們各自先后產生的歷史年代以及彼此吸收、借鑒的基本傳承情況；就音階旋法和節奏形態等方面實際存在的共同特征的確清晰可見，一目了然，特別是調式、調性方面更是不謀而合地成為極其相同的歌曲。在《格薩爾》說唱音樂的旋律中，諸如此類的情形比比皆是。2、豐富多彩的《格薩爾》音樂為傳播和發展史詩的內容起到了不可替代的作用也有人會問：“《格薩爾》音樂還有什么豐富可言，無論何種人物，不分男女，也不分人畜，更不分環境和感情的變化不都是使用那幾首有限的唱腔曲調嗎?”其實這是一種誤解。根據史詩中的明文記載，《格薩爾》唱腔音樂本來豐富多彩，但它由于完全依靠原始的口傳形式保存于民間，未能以文字形式一一記錄下來，使其失去了眾多的唱腔。而廣大的民間仍保存著許多類似唱腔。根據近代許多“仲堪”(《格薩爾》說唱藝人)的說唱表演，他們為了講述更多更長的史詩而把主要精力集中在內容方面，對于音樂唱腔的使用還遠遠沒有做到人物專曲專用的基本要求，因而發生各種人物共同使用幾首唱腔的情形，但這絕非是《格薩爾》音樂的真實情況。根據目前這部史詩的所有說唱記載，都是為了更好地塑造和表現眾多人物的藝術形象與思想感情，在每段重點唱段前不僅明確了唱腔的標題名稱，而且有的人物對自己所使用的唱腔作出了種種解釋或贊美。如在《霍爾嶺大戰》中，當格薩爾王從羌塘回到嶺國時，藍色的獵鷹在對國王的唱段中唱道：“我很想唱首《潔白的六聲曲》，但我嘴角堅硬不能唱，現用首《獵鷹六聲曲》唱出家中發生的諸事。”我們還可以進一步探索這一現象。如《賽馬稱王》全書共由56個唱段組成，其中以人物特定標題性專曲專用的唱腔就達36首之多；《霍爾嶺大戰》全書共由233個唱段組成，其中以人物特定標題性專曲專用的唱腔就有46首，等等。如果按此方法對《格薩爾》中的所有音樂唱腔進行統計，那么可以肯定《格薩爾》的音樂唱腔不僅豐富多彩，而且數多量大，是一種十分龐大的曲調群體。關于不同人物所使用的特定標題性專曲專用的問題，在《格薩爾》中有了簡略的說明。如在《達嶺大戰》中，嶺國要人米瓊唱道：“深明行道是活佛曲，大@①九聲是咒師曲；母虎吼叫是官人曲，吉祥八寶是僧人曲；我唱喜鵲揚聲曲。”反映了不同人物使用標題性專曲專用的習慣。另外，隨著故事情節的變化，每個主要人物又有眾多特定標題性唱腔，而且為了表達不同的感情使其成為不同的種類。在《賽馬稱王》和《霍爾嶺大戰》中格薩王使用幾十個不同種類的唱腔，如《大海盤繞古爾魯曲》、《金剛古爾魯曲》等是顯示人物特殊地位的唱腔；《宛轉的情曲》、《終生無變曲》、《吉祥八寶曲》是表現人物談情說愛的曲種；《呼天喚地曲》、《呼神箭歌曲》是祀祭用的曲種；表現人物在大庭廣眾敘述實例的專用曲種有《大河慢流曲》、《歡聚江河慢流曲》、《高亢宛轉曲》；表現人物戰斗激情的專用曲種有《攻無不克的金剛自聲曲》、《威鎮大地曲》，等等。類似情況在《格薩爾》說唱藝術中處處可見。所有這些充分說明，音樂以其獨有的藝術手段或功能塑造了眾多不同人物的藝術形象，為史詩的內容增添了無比輝煌的光彩，為《格薩爾》的傳播、發展起到了巨大作用。
二、吐蕃時期民族古典音樂與《格薩爾》音樂的比較研究《格薩爾》說唱音樂是一種與眾不同的“標題化”民族曲藝說唱音樂藝術作品，這是它的特點之一。為了便于論述，首先簡略地說明標題音樂的基本含義以及民族音樂與民族音樂的相互關系等問題。縱觀國內外民族音樂的發展歷史，“標題音樂”這一專用名稱出現于19世紀西方音樂大師們的作品中，它是主要用來說明器樂作品內容的一種體裁名稱之一。每個樂章有一個小標題——這些標題就是為了提供或引導廣大聽眾探索它們的內在含義。如以貝多芬的《第六交響曲》為例，《到達鄉間而引起的》為第一樂章、《溪邊景色》為第二樂章、《大雷雨》為第四樂章。在藏民族豐富多彩的民族民間音樂中，雖沒有見到標題音樂作品，但以種種專用標題作為歌曲特定名稱來說明歌曲旋律所包含內容的聲樂作品還是特別繁多，如《格薩爾》中所出現的音樂的標題名稱就是一個很明顯的例子。關于民間音樂與民族音樂的關系問題，民間音樂是人民集體智慧的結晶，民族音樂是民間音樂的創新與發展，換句話說，民間音樂是民族音樂的根基，而民族音樂則源于民間音樂。《格薩爾》音樂是經過有人專門創作的民族說唱音樂。如果要問《格薩爾》音樂的這種特定標題名稱又源于何處呢?對此只要對吐蕃時期民族古典音樂與《格薩爾》音樂進行比較研究，就可以找到其答案。吐蕃贊普赤松德贊(730～797年)時期是藏族文化得到空前發展的一個時期，據《王統記》記載，787年建成桑耶寺時，從國王至臣民百姓每人都演唱一首歌曲，“國王赤松德贊唱《國王歡樂之歌曲》……王子牟尼贊普唱《人間明燈曲》，王子牟底贊普唱《雪獅傲相曲》，王后們唱《柔枝松石綠葉曲》……蓮花生大師唱《威鎮鬼神曲》……壯年的男子們唱《九座虎山重疊曲》，年輕的女子們唱《鮮艷的花環曲》……”《五部遺教》中還將當時所演唱的歌曲歸納分類成“4種咒師之曲、13種首領歡歌、9種天神之曲、5種人間之曲、13種龍神之曲，以及八瑞祥物婚禮曲”等共計45種民族古典音樂。因此藏族特定標題性聲樂曲的歷史特別悠久。眾所周知的“古爾魯”是吐蕃時期贊普們專用的一種詩歌藝術，據記載這種詩歌都配有音樂旋律，藏語中稱其為“古爾魯”，是藏族聲樂的古典歌曲之一。在《格薩爾》說唱音樂中將《大海盤繞古爾魯曲》和《金剛古爾魯曲》等唱腔都作為格薩爾王所特有的唱腔，說明了藏族古典音樂與《格薩爾》音樂的傳承關系。又比如蓮花生大師在桑耶寺竣工大典上唱的《威鎮鬼神曲》和王后們唱的《柔枝松石綠葉曲》與格薩爾大王的專用唱腔之一《威鎮大眾曲》和珠姆王后的專用曲之一《杜鵑六聲曲》的基本形式、風格特色有著前后傳承的淵源關系。遺憾的是這些民族古典音樂旋律未能流傳后世，使今人無法聽到民族古老音樂的優美動聽的旋律。
三、《格薩爾》說唱音樂的藝術特色《格薩爾》說唱音樂具有極其濃厚的民族風格和強有力的藝術表現能力，而且顯得特別概括與簡練。這說明它的曲作者賦有很深的觀察生活、表現生活以及以高度集中的藝術手法塑造人物藝術形象的本領。藝術要用形象來表現內容，這就是藝術反映生活的特殊手段。如果沒有反映內容的形象，藝術本身也就不能存在了。《格薩爾》說唱音樂在塑造眾多人物的藝術形象方面具有許多與眾不同的特色。格薩爾王是該史詩中的第一英雄人物，如何在一首高度概括與簡練的曲體中塑造這一英雄人物的基本形象呢?這對當時的曲作家們來說是一個難題。但是，那些無名的曲作家們早已以通觀全局、高度概括、有所側重的手法，即用最少的材料表現出最豐富的內容。如在格薩爾王的專用唱腔中，每當他與敵人面對面地進行生死搏斗時有幾首唱腔，其中有一曲叫做《攻無不克的金剛自聲曲》，該曲的基本旋律為：附圖此曲的整個規模雖不大，但它簡練而準確地塑造了一位指揮千軍萬馬的英雄人物形象。從以下幾個方面了解到它所包含的豐富內容。首先從基本節奏中清楚地看出曲作者為它精心設計了一種具有巨大推動力的節奏，這種節奏為這首唱腔的成功奠定了牢固的基礎，因為節奏就是音樂的靈魂。這四句一首的唱腔中，每句頭一拍的節奏極為突出地采用了一種既有強烈而獨特的彈性，又能夠暴發閃光的切分節奏，使它在全曲音樂旋律中仿佛起到勇往直前的推動作用。為了適應說唱音樂的特殊需要，音樂旋律特別流暢處僅僅在十度音域之內(@②-@③)進行。當全曲使用特定的節拍，以進行曲的速度演唱的時候，音樂像排山倒海、氣吞山河般的氣勢顯示出一幅幅氣勢磅礴的戰斗圖畫，借助音樂塑造出格薩爾王帶領他的將士勇往直前的高大藝術形象。這首著名的音樂唱腔至今仍在流傳。珠姆王后的專用唱腔中有一首充滿情意、優美動聽的唱腔，被稱為《杜鵑六聲曲》。此曲在《格薩爾》的眾多女性人物唱腔中屬于特別典型的唱腔之一，其基本旋律為：附圖藏族認為杜鵑是春天的使者，是大地復蘇、萬物生長、春暖花開的季節，用表現春天的音樂旋律標題來描繪或塑造溫柔多情、如花似玉的珠姆王后是非常適合的。每當人們聽到這一水晶般透明閃光、充滿情意、優美高雅的音樂旋律時，情不自禁地帶到春光明媚的意境中，那動聽的音樂旋律深深地打動著人們的心靈。這是一首五聲音階羽調式的唱腔，全曲僅在十度音域之內進行，它那流暢上口、回環曲折、樂句巧妙呼應的旋律，以及對終止音的變化處理，令人感到起落有序，表現出珠姆這一人物光彩奪目、綽約多姿的美麗形象。
四、搶救、整理和研究《格薩爾》音樂迫在眉睫《格薩爾》說唱音樂在藏民族眾多音樂種類中作為一個具有特殊重要地位的龐大的曲調群體，在漫長歲月中由于種種原因使這一珍貴的民族文化遺產漸漸地走向衰落，究其原因主要有以下幾點：1、能歌善舞的古代藏民族，雖然創造出豐富多彩的民族音樂文化，但由于當時還沒有一種能夠適當記錄音樂旋律的譜號或文字形式，使許多珍貴的民族傳統音樂未能流傳下來，今天已失傳的吐蕃時期的眾多古典音樂就是一個典型的例子。《格薩爾》說唱音樂雖然在廣大民間以口傳形式流傳，唱腔的標題名稱也完整無缺地出現在史詩之中，而它的許多唱腔曲調已漸漸地失傳。2、和平解放以前，歷代統治階級對于民間傳統文化藝術缺乏最起碼的保護意識，許多民族民間文化藝術始終處于自生自滅的狀態，這也是《格薩爾》音樂厚古薄今的主要原因。3、解放以后，國內外各種新的文化藝術不斷傳入我區，一方面極大地豐富和滿足了人們的精神文化生活需求；另一方面由于新文化藝術的傳入，使本民族傳統文化藝術受到了空前的撞擊，享受現代文化藝術生活的藏族新一代對古老傳統文化的興趣日益減退，于是傳統文化藝術“人死藝亡”的狀況更加嚴重。根據以上情況，對音樂遺產的搶救工作迫在眉睫。要想搶救、整理和研究《格薩爾》音樂，首先必須抓緊抓好音樂唱腔的搶救工作，只有這樣才能進行整理和研究工作，否則它在史詩研究領域中仍將處于一種特別薄弱的環節。以來，國家特別重視對民族傳統文化遺產的搶救工作，曾采取各種重大措施，投入大量人力和物力，使史詩的搶救、整理和研究工作取得了令世人贊嘆的成果。但對這部史詩的整體藝術中具有重要價值的音樂的搶救仍存在許多不足之處，主要表現在對它的搶救工作既缺乏領導的足夠重視，也缺乏應有的經費投入和專人負責管理等。如果這“三缺”問題得不到很好解決，那么《格薩爾》音樂的搶救工作無疑將是寸步難行，一事無成。結語根據本人長期搜集《格薩爾》說唱音樂的親身體會，結合對史詩中有關音樂的分析研究，《格薩爾》音樂絕非是由東拼西湊、寥寥無幾的少數曲調所組成的，它是一種屬于特定標題性民族傳統說唱音樂，即以獨特的藝術形式，以人定曲、專曲專用的龐大的唱腔群體。它曾吸收或借鑒了吐蕃時期民族古典音樂，體現了藏民族在音樂方面所賦有的特殊才能和智慧。分析《格薩爾》音樂，其始終運用音樂固有的特殊功能，塑造出眾多人物的藝術形象，為史詩的傳播和發展作出了巨大貢獻。為了使這一民族優秀傳統文化繼續發揚光大，充分顯示出本民族藝術的特點，努力從事史詩《格薩爾》說唱音樂的搶救、整理和研究工作是擺在我們面前的重要任務。字庫未存字注釋：@①原字左口右牛@②原字6下面.@③原字1上面.
【關鍵詞】芭蕾舞 基訓課 音樂 改編 創編
音樂是聽覺藝術，有聲而無形；舞蹈是視覺藝術，有形而無聲。舞蹈課堂是一名專業舞者最初把音樂與舞蹈融合的殿堂，舞蹈課堂音樂對培養舞者的音樂感覺有著非常重要的作用。因此，鋼琴伴奏教師應把大量優美、風格各異的音樂經過改編與創編帶入課堂，豐富課堂音樂。
一、芭蕾舞蹈課堂音樂的現狀
目前，舞蹈課堂音樂的選擇與使用是一個比較自由的領域，主要是鋼琴伴奏教師根據舞蹈教師的要求選擇曲目，由舞蹈教師評判鋼琴伴奏選擇的曲目是否合適。如果是一位有舞蹈教學經驗而且對音樂理解比較深刻、樂感較強的教師，那么，他對舞蹈課堂音樂的要求也會相對較高，也能夠有目的地訓練學生對音樂的理解。相反，如果舞蹈教師本身對音樂理解就差，對課堂音樂要求又不高，那么他就不會對課堂音樂提出要求，更談不上對學生的音樂要求。
在教材的使用與選擇上，只有為數不多的幾本芭蕾舞課堂音樂教材可以使用和選擇，如北京舞蹈學院魏東明編著的《芭蕾舞課堂音樂》、孫希康編著的《芭蕾舞基本訓練鋼琴曲選》、楊洪濤編著的《芭蕾舞基本訓練鋼琴伴奏曲選》等，能借鑒的教材特別少，如果教師都采用同樣的音樂，又會讓課堂音樂陳舊沒有新意。所以，鋼琴伴奏教師適當地改編和創編一些舞蹈課堂所需的音樂，對提高課堂的教學質量是非常有必要的。
二、改編和創編芭蕾舞蹈課堂音樂的基本要求
1.合理節選、改編音樂作品
芭蕾舞起源于意大利，興盛于法國，是唯一通行于整個歐洲的古典舞劇形式，被人稱為“古典舞蹈”。因此，芭蕾舞課堂音樂就要多選擇國外的古典音樂。改編音樂要多選擇一些世界名曲或是一些著名作曲家所作的樂曲，這樣有利于音樂與舞蹈動作的結合。
在改編的過程中一定要合理節選音樂，不能為了符合舞蹈動作的需要而對音樂作品斷章取義。如果所選音樂非常符合動作要求，只是在音樂的長短上有一些差異，鋼琴伴奏教師可以和舞蹈教師在尊重原作品的基礎上對舞蹈動作編排做出合理調整。
2.改編、創編音樂的調式選擇
在芭蕾舞蹈基訓課堂音樂的使用中，由于每堂所需的曲目比較多，因此，鋼琴伴奏教師在音樂的調式調性上有所變化才會豐富課堂音樂。改編的音樂一定要尊重原來的音樂作品，保持原有的調式調性，創編的音樂在調式調性的選擇上就比較寬松了。在芭蕾舞課堂音樂的創編中多采用西洋調式體系中的自然大調、和聲大調、旋律大調、自然小調、和聲小調、旋律小調。
3.改編、創編音樂的節拍選擇
舞蹈課堂中所說的節奏其實就是節拍，它是指音樂規律性的強弱交替運動。強弱交替的不同構成了最常見的幾種節拍，包括2/4、3/4、4/4、3/8和6/8拍。
在改編、創編樂曲中要根據舞蹈動作的要求合理地選擇節拍。如果動作比較激烈，速度較快，力度較強，氣息較短，一般采用2/4拍或是快4/4拍；如果動作優美抒情，一般就要選擇4/4或6/8拍；活動、一位擦地、腰、控制等動作，以平穩流暢、連綿不斷為動作特點，因此要多選用4/4拍、6/8拍；劃圈、單腿蹲等動作多選用3/4拍、4/4拍；大踢腿、小踢腿、打擊、小跳等動作多選用2/4拍，中跳多選用3/4拍、3/8拍、6/8拍。
4.改編、創編音樂的伴奏層次運用
改編、創編的音樂旋律確定以后，就要進行伴奏部分的創作了。在舞蹈的伴奏中多采用單層次有旋律的伴奏方法和雙層次有旋律的伴奏方法。
單層次有旋律伴奏法，是指用一只手彈奏旋律，另一只手彈奏音型的方法。
和弦式伴奏音型：
分解式伴奏音型：
半分解式伴奏音型：
雙層次有旋律伴奏法，是指在彈奏旋律的同時，還要彈奏兩個層次的伴奏音型。
分解和弦式伴奏音型：
半分解式伴奏音型
半分解和弦伴奏音型：
5.改編、創編音樂的風格多樣化
在舞蹈課堂音樂的改編、創編中，要注意音樂的風格多樣化。傳統的芭蕾舞課堂音樂多為古典音樂或是曲風相似的音樂，但隨著芭蕾舞本身的不斷發展，對音樂也提出了新的要求。爵士芭蕾的出現，對課堂教學有了新的啟迪，課堂音樂的選擇范圍也越來越廣泛，爵士、流行、布魯斯等風格的音樂都可以合理地出現在音樂課堂。因此，鋼琴伴奏教師在改編、創編音樂的時候應該注意音樂風格的多樣化。
舞蹈課堂音樂的改編、創編對鋼琴伴奏教師提出了很高的要求，鋼琴教師不但要有良好的鋼琴基本功，而且要熟悉舞蹈動作，具備音樂理論素養，更要有很強的責任心。因此，鋼琴教師只有在日常工作中不斷努力與積累創新，才能使舞蹈與音樂完美結合。
參考文獻：
[1]鞠玉鵬，謝惠珍.芭蕾教學法[M].沈陽：遼寧人民出版社，1999.
[2]蒙小燕.芭蕾舞教學法[M].北京：中央民族大學出版社，2006.
