時間：2023-06-15 17:26:07
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的12篇鄉村音樂的特點，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
美國鄉村音樂起源于18世紀末，算的上是起源最早的音樂形式。
它是由一些原先居住在東海岸一帶的蘇格蘭和愛爾蘭人后裔逐漸向西部和南部的內地和山區遷移，以求發展創造出的音樂。這些拓荒者在勞動休息時，常常唱些古老的英國民歌，這些歌曲簡單、活潑，大多數都是敘述日常勞動和生活的，還有戀人們的愛情故事。
這些都是鄉村歌曲最原始的形式。隨著人們的遷移分化，這些歌曲也隨之演變成了不同的風格和類型。在北方，它們變成了伐木工人的勞動歌曲，在西部山區它們變成了純樸、豪放的牛仔歌，這些歌曲還隨著一些遷到海邊的蘇格蘭人演變成了水手們的勞動號子。
在二十世紀的一段很長時間里，鄉村音樂在整個流行音樂的舞臺上只是扮演著一個小小的角色。第一次大戰結束不久，美國新建立的一些鄉村廣播電臺經常以鄉村音樂為點綴，播放地區性的廣告時往往以活躍于附近地區的鄉村音樂家所表演的音樂節目為其簡短的前奏。到一九二四年，這些音樂已擁有一個北方的市場，主要由肯塔基鄉村音樂家表演的谷倉舞前一次成功地出現在芝加哥。
同時，唱片灌制業也開始對鄉村音樂發生極大興趣，其目的是為了發行圓形唱片，主要是在鄉村中商店里出售。他們很快便驚奇地發現，對這種唱片的生產存在著全國性的需求。爵士樂主要使用管樂器，鄉村音樂則主要依靠弦樂器。小提琴、吉它和班卓琴在鄉間越來越流行，它們例于買到，價格低廉，在重工業奏中容易結合，非常適合演奏業已發展起來而原來的民間樂器已不能勝任的鄉間音樂。
在鄉村音樂家所表演的曲目中囊括多種音樂：民間舞曲、經白人改編的黑人布魯斯、宗教歌曲、描寫鐵路災禍和棉廠辛勞的敘事歌曲、更重要的是表現各種痛苦之人（臨終的母親、孤兒、喪偶者、遠離家鄉的孤獨者、失戀者）的歌曲，
為了吸引觀眾，這種歌曲被處理得凄涼惋人，摧人淚下。二戰期間，鄉村音樂在流行娛樂業中的地位急劇提高，其影響范圍有極大的擴展。這大概是由于當時大量人口轉入城市工廠和軍隊，使得這種音樂的鄉愁情調具有獨特的吸引力。
二十世紀五十年代中期，在鄉村音樂中兩種相反的風格居于主導地位。東南部鄉村音樂采用了激烈奔放的“蘭草”音樂的形式，突出了五弦班卓琴高超的演奏技巧；西南部的鄉村音樂民謠風不強，情調較為柔弱，節奏準確明晰，低聲部重音強烈而突出，正是從這種音樂中產生了搖滾樂。
美國鄉村音樂的特點是，一般以男、女獨唱或者小合唱的形式出現，說唱結合，時彈時唱，敘事性強。演唱的音域不寬，一般只在中聲部。早期的鄉村音樂主要是弦樂、提琴類樂器在其中起著決定性作用。鄉村音樂家們演奏提琴，不加顫指，喜歡直來直去的音色。其他的弦樂器是班卓琴之類的彈撥樂器。班卓琴常被用作獨奏樂器，或者在小樂隊中用作和弦或節奏樂器。三十年代，曼陀林開始用于鄉村音樂，并作為“蘭草樂隊”的風格而著稱于世。從總體上看，鄉村音樂不太講究旋律美與和聲美，結構簡單，一般分為二段體、三段體和歌謠等形式，節奏分明，具有內在感染力。在鄉村，白人和黑人之間存在著音樂上的交流，因此，早期的鄉村音樂有著黑人布魯斯的因素，在旋律變奏手法和聲語匯上明顯受到布魯斯的影響。從唱法上看，歌手們用高亢的、帶鼻音的腔調向聽眾訴說著一切。
然而鄉村音樂歌手似乎都有一個共同的特點，那就是認為快樂就像生活一樣，永遠是不安全的。正因為如此，他們的歌中總是帶有一種冷淡或憂愁。如著名的美國歌曲“The Sound Of Silence”，那種冷淡的旋律，即使是不看歌詞，也能使人感覺到孤獨和陰暗。還有眾所周知的老歌“The Yellow Ribbin On An Old Oak Tree”，雖然旋律輕快，但總是籠著一層薄而淡的金色憂愁。更不用說Joan Baez的“Famous Blue raincoal”了，簡直讓人感到骨髓都帶著寒氣，歌曲結束后，人都感動得發顫，而又突然莫名其妙地憂傷起來。我想，特別迷戀鄉村音的朋友，可能都是多悉善感的人吧！但也不要太過憂傷了，還是笑口常開的為妙，因為連Garth Brooks這樣的鄉村歌曲之王都會說：“雖然我唱人生的不幸，但也唱生活的快樂，因為快樂總是多于不幸！”
關鍵詞：音樂劇；演唱風格；多元化
0 引言
一部音樂劇的藝術形式通常是非常豐富多彩的，綜合包括了音樂、舞蹈以及戲劇等多種藝術門類，不過劇中歌曲往往是人們欣賞音樂劇時留下最深刻記憶的部分。歌曲不僅代表了劇中的音樂風格，更能體現劇情以及劇中的人物，因此，在音樂劇當中非常重要的一個部分就是對歌曲的演繹，我們非常有必要對音樂劇的演唱風格進行把握并對之進行探討。在現代的音樂劇的歌曲演唱風格中主要包括了以下幾個方面：
1 以爵士樂為主調
美國作曲家埃爾文在1914年創作的歌劇《當心你的腳步》中以爵士樂的風格為主，這一格局的出現導致了爵士樂與音樂劇的結緣。自此以后，美國的音樂劇以及流行樂當中開融入了爵士樂的新元素，爵士樂的出現不僅將美國征服，還逐漸融入了歐洲，將長期以來歐洲音樂劇的傳統樣式改變了。
作為音樂劇中“爵士時代”的20世紀前20年代，許多作曲家在音樂劇的創作中開始運用將爵士樂的創作手法，將強音放在弱拍或者通常空拍處而不是放在重拍上。其中頗具有代表性的是格什溫，他將爵士樂的風格和拉赫瑪尼諾夫以及德彪西的風格結合起來，并盡量在作品中應用這種風格，“交響味兒”的爵士風由此開創。格什溫把藍調音樂中可以使悲傷感覺產生的降七級以及降三級音節的這樣手法在音樂劇的創作中進行了充分運用。他創作的歌曲中具有溫柔清新、和聲優美以及活潑有趣的特點，并具有很強的幽默感，從而實現了獨特的格什溫歌曲風格的形成[1]。因此格什溫的音樂劇創作中許多歌曲都被看做是爵士樂延長的經典作品。其中最著名的音樂劇歌曲之一就是他在1935年創作的《夏日時光》，不僅深受人們的喜愛，在世界上也是廣為傳唱，爵士樂手經常即興演繹該曲的旋律。在黑人的川普的節奏韻律以及古老的傳統文化基礎之上，格什溫創作了歌劇《波吉與貝絲》，他在劇中成功的融入了優美的黑人民謠、爵士樂以及藍調等音樂元素，從而使得該劇不朽的當代音樂劇佳作。
在音樂劇里，爵士樂的藝術風格非常的獨特，它那自由即興的樂風、個性的切分音節奏以及質樸的旋律走向都可以使人產生聯翩的遐想以及燃燒的激情，做到了撩人心弦，使人著迷。因此，作為音樂劇演唱風格的爵士樂無法被忽略，爵士樂的音樂元素被很多優秀的音樂劇所采納，表演者很值得去嘗試這種風格。
2 演唱風格中的輕歌劇唱法
在百老匯的舞臺上，輕歌劇的輝煌歷史長達幾十年之久。在音樂劇的歷史發展進程當中，輕歌劇是非常重要的環節，它不僅繼承了歐洲的喜歌劇以及大歌劇，還廣泛的融入了當代的流行音調，從而成為朗朗上口、頗有喜劇風格的藝術形式。在19世紀的歐洲出現了輕歌劇，由于剛開始抓住實權的資產階級要求娛樂的輕松性，對于戲劇展開比較緩慢、舞臺氣氛嚴肅凝重的大歌劇失去了熱情和濃厚的興趣，相反的，吸引他們的就成為了形式輕松活潑的具有喜劇風格的輕歌劇。1858年作曲家奧芬巴赫創作的《天堂與地獄》成為了第一個劃時代的輕歌劇作品[2]。這個歌劇不僅是奧芬巴赫的代表作品，更是輕歌劇發展史上的里程碑，當時整個歐洲都充滿了它那優美悅耳以及輕松愉快地旋律。他創作的音樂不僅通俗易懂，更沒有復雜的技巧，并融入了當時的各種舞曲、歌曲、進行曲以及小夜曲等，大眾喜聞樂見的民間樂調貫穿于整個曲調當中。除了重唱、獨唱以及合唱的演唱形式外，說白也被大量采用。輕歌劇的藝術效果也因為擬聲詞的使用而加強。
還有一種風格在輕歌劇中十分重要，就是小斯特勞斯的圓舞曲風格，輕歌劇的音樂因為其中歡快的旋律以及3拍節奏而豐富。這種流行的“俗音樂”因為音樂史上小斯特勞斯獨特的貢獻而最終登上了藝術殿堂。優美上口的旋律、濃厚的喜劇色彩以及輕松熱鬧的歌舞都是這類歌劇的特點。識別它的記號是波爾卡以及圓舞曲，由詼諧幽默、能歌善舞、相貌出眾以及善于頻頻出彩的全能型演員在擔任其中的主要演員。其中《薇麗亞之歌》、《風流寡婦圓舞曲》等作為《風流寡婦》這部歌劇中的歌曲[3]，不僅具有優美動聽的旋律，還具有極濃的圓舞曲風格，深受人們的歡迎。由此開始的輕歌劇創作中，涌現出了一大批杰出的作曲家以及輕歌劇作品，并成為后世傳唱的經典。
雖然是以美聲唱法作為基礎的，輕歌劇的演唱風格卻具有相當的喜劇效果以及流行通俗色彩，正統、嚴肅而規范的大歌劇唱法消失了。輕歌劇的有些演員即可異常輕歌劇類型的歌曲，又可以唱歌劇，這種演唱風格是流行音樂與美聲的早期融合。
3 演唱風格以鄉村音樂為主的唱法
具有濃厚的鄉土氣息是鄉村音樂的特點，作曲家哈穆特恩以及羅杰斯共同創作的《俄克拉荷馬》是最有代表性鄉村音樂風格的音樂劇，將美國鄉土氣息濃郁的農村故事作為這部作品的題材，將美國本土的一群拓荒者在動蕩的西部地區的狂放而質樸的愛情故事和生活經歷表現來出來。充滿了鄉村音樂風格的音樂，浪漫有趣、敬請樂觀的劇中歌曲非常的膾炙人口。作為美國鄉土音樂劇代表作的《俄克拉荷馬》其鄉村音樂風格及其飽滿，在美國的音樂劇中比較普遍，極其自然的民謠式的演唱、個性獨特的音樂以及朗朗上口的旋律都非常接近大眾的生活，從而深受人們的喜愛。
4 流行音樂與古典音樂完美結合的演唱風格
典雅、優美以及耐人尋味的古典音樂一直深受許多樂迷的喜愛，同時，人們的眼光又被時尚通俗的流行音樂吸引。隨著越來越快的生活節奏以及時代的進步，在對高品質的物質生活的追求以外，越來越多的人對精神生活的追求越來越渴望。他們不僅追求高雅的藝術，更渴望通俗易懂的藝術形式。人們這種對藝術的追求很快在流行與古典的融合當中得到了滿足。因此，人們瘋狂的喜愛上了將古典與流行融合在其中的音樂劇風格。
英國的天才作曲家韋伯使得百老匯不只是代表美國本土音樂劇，更是成為匯聚世界音樂劇的舞臺。在進行音樂創作時韋伯將各種音樂類型傳統意義上的各中界限打破，并運用的演繹理念和藝術技巧，使得古典音樂完美的結合了各種流行的音樂元素。韋伯潔具現代感的音樂劇每一部都是精品，其中較為突出的作品之一就是《歌劇魅影》，該劇有效的將流行的情歌與古典歌劇進行了結合，大大增強了它的魅力[4]。其中《想念我》的歌曲具有婉轉流暢的旋律，恰到好處的運用了花腔樂段，不僅具有藝術歌曲的美感，更具有通俗音樂的親和力。而其中的歌曲《歌劇院中的幽靈》中攝人心魄的男女主人公的合唱更是讓人欲罷不能。作為一首重量級的經典歌曲，《我唯一的請求》含蓄雋永而不失激情的旋律，一直被認為是情歌對唱在音樂劇中的典范，直至如今還在世界范圍內廣為傳唱。流行于古典相交融演唱的居中歌曲，不僅要求演員具備意大利傳統美聲唱法的功底，更要在演唱中帶有現代流行唱法的感覺。作為一個難度較高的考驗，對與歌唱演員來說是一個非常大的挑戰。
此外，在傳統古典音樂的基礎之上，法國作曲家勛伯格在進行音樂劇創作中大量的采用現代的表現手法，而其中極為優秀的兩部音樂劇是《西貢小姐》和《悲慘世界》。優美而流暢是《悲慘世界》的旋律特點，充滿了各種情感的激烈碰撞與完美融合，該劇也因為其中起伏的音樂而感人至深。作為其中最著名的詠嘆調之一，《繁星》在歌詞與旋律中極具使命感。而在《西貢小姐》里，勛伯格將美國搖滾與爵士的節奏插播其中，并同時引進了越南的民間樂器和音調風格。《上帝啊這是為什么》作為“勛伯格”式的典型歌曲，具有蕩氣回腸極其大氣的旋律。而且對于演唱者來說，這首歌里面很多的高音具有一定的難度，在控制聲音以及氣息的方面具有很高的要求，可以作為男高音在音樂劇歌曲里的試金石。作為全劇中最著名的歌曲之一，《世界的最后一夜》具有千回百轉的旋律，不禁使人柔腸寸斷。《美國夢》則將人物的滑稽狡詐的形象通過閃爍的爵士音調表現了出來，成為了具有獨特魅力的音樂劇。
5 以搖滾音樂為主的唱法
搖滾樂作為一個時代的主流在20世紀60年代登上了百老匯的舞臺。音樂劇《長發》的搖滾風格是其中最具有代表性的。作曲家馬克德蒙特在創作時引進了流行音樂的元素，將電子音樂的效果大大增強。美妙的且極富感染力的劇中的歌詞，具有煽動人心的一種力量。具有先鋒特色的歌詞，將音樂劇種音樂必須與劇情配合的傳統規范打破，而且在表達某種情緒上特別注重，使人聽起來有吟詩的感覺。劇中的歌曲如《讓陽光照進來》以及《寶瓶座》等都膾炙人口，非常流行[5]。
宗教內容與搖滾樂的結合是搖滾音樂劇中比較突出的一個類型。其中的《耶穌基督超級巨星》是由英國作曲家韋伯創作的，是比較有影響力的第一部成熟的搖滾音樂劇。它作為一出經典劇目，對人物、經文以及人們之間的關系在心理上進行了探索，是搖滾歌曲與史詩的完美結合。韋伯在對耶穌基督進行描繪時運用了搖滾樂的語言以及搖擺舞的風格，使音樂劇的表現手段范圍大大的擴展了，將主題嚴肅的音樂劇的表現形式用活潑的輕音樂以及搖滾樂進行替代。此劇在配器上成功的將管弦樂的限制打破，在音樂劇中引進電聲音樂，從而使它的表現力與時代感得到了加強。劇中的歌曲具有通俗以及上口的特點，現代感非常強。在歌聲中，可以使人們感受到愛戴以及尊重耶穌基督的感情[6]。
節奏在演唱搖滾風格的音樂劇時是非常重要的一部分，演唱者需要通過節奏對強烈的感情進行宣泄。演員的嗓音在歌唱時也非常具有個性，沙啞的明顯性以及喊叫的不加修飾，使得此劇的震撼力非常強。此外《啊，加爾各答》以及《你自己的事情》等具有搖滾另類風格音樂劇也非常的受歡迎，很多觀眾為之而瘋狂。
6 通俗流行音樂為主的演唱手法
現代社會潮流的發展與音樂劇的發展之間的關系是不可分割的，音樂劇的現代性、流行性以及通俗性是它自身的特質決定的。其中很明顯體現這些特點的是當代的法國音樂劇，作為法國音樂劇的典范，《巴黎圣母院》的風格和以往音樂劇的傳統形式有很大的不同，它的流行音樂取向極富親和力，寫意風格特別強烈、藝術感染力也比較深，贏得了很多觀眾的喜愛。劇中充滿了沖突與對立的場面與角色，使得這部劇目不僅沖破了文化的藩籬，更跨越了時代的潮流。《大教堂時代》作為劇中的開幕曲，起伏纏綿的音樂以及磅礴大氣的歌詞，使得浪漫主義的精髓的到了很好的體現。這首歌不僅將法國音樂劇在音樂上的特點體現了出來，更讓表達的主體成為旋律本身，取得了很強的藝術效果。
此外，法國音樂劇中的《羅密歐與朱麗葉》《十誡》等劇目的演繹方法都非常的流行，并且都是用流行的音樂人作為詞曲作者，這部音樂劇因為流行歌手的現場煽動能力以及清冽的表現欲望顯得十分震撼人心。“動聽”是法國音樂劇在流行潮流里的第一追求。法國的音樂劇因為不拘小節的浪漫觀，從而呈現了一種開放的態度。居中體現了許多現代感十足的方式，幾乎完全沒有了古典歌劇中的宣敘調。以流行性為主的法國音樂劇，不僅具有非常現代通俗的唱法，更具有很強的觀賞性，使得現代觀眾越來越挑剔的口味得到了滿足。
7 結語
伴隨著不斷增強的全球文化交流以及不斷進步的時代潮流，音樂劇要想更加國際化，必須要增強自己的多元性。不受任何公式化模式約束的多元化的音樂劇，具有不拘一格的音樂風格。在不斷發展的音樂劇，其藝術內涵通過利用各種形式來加以豐富，因之具有了非常獨特的魅力。我們希望有更多的人去了解音樂劇，去演繹音樂劇，從而促使中國這片土地上開滿音樂劇藝術的鮮花。
參考文獻：
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藍調起源于黑人音樂
布魯斯從貧苦的黑人奴隸的業余音樂演化為了一種種類多樣的、形式復雜的音樂種類，它還可以分亞類，在整個美國，后來也在歐洲、非洲和世界其他地區還產生了地區性的形式。今天的藍調與今天的鄉村音樂一樣是在19世紀美國南方開始的。最早的藍調和鄉村音樂的錄音是1920年代的，當時正在起步的大眾音樂工業研究和制造了“非裔美國人音樂”和“傳統音樂”等市場類型來相應地吸引黑人或者白人顧客。當時在藍調和鄉村音樂之間除演奏家的種族的區分外沒有明確的區分，有時錄音公司還會標錯標簽。實際上這種使用人種來進行的分類是錯誤的。比如當時人們將黑人奴隸表演給他們的主人的福音歌曲分為藍調，但實際上這種黑人宗教歌曲的來源是赫布里底群島。黑人美國經濟學家和歷史學家托馬斯·索維爾還指出美國南方的前黑人奴隸人群在相當程度上被他們的蘇格蘭—愛爾蘭“鄉下佬”鄰居們同化了。但是庫比克和其他人的研究也顯示出藍調中依然含有相當程度的非洲遺產。
關于藍調出現的社會和經濟背景有過許多研究。藍調最早的出現時間不很精確，一般認為是在1870年和1900年之間。這個時期與美國南方奴隸解放和從奴隸制轉向合作制和小規模農業的過程一致。一些學者將這個時期的發展定義為從集群表演轉化為更加個人化的形式。勞倫斯·勒文（LawrenceLevine）認為“在國家強調個人的意識、布克·華盛頓的主張的普及性和藍調的形成之間有直接的聯系。奴隸制對黑人的心理、社會和經濟的影響是不可估量的，因此他們的世俗和宗教音樂對此的反映是非常自然的。”
藍調音樂始于20世紀初美國的南部。其中亦混合了在教會中類似朗誦形式的節奏及韻律。這種音樂有一種很明顯的特式，便是使用類似中國民俗唱山歌的“一呼一應”的形式進行，英文叫作“Call and Reponse”。樂句起初會給人們一種緊張、哭訴，無助的感覺，然后接著的樂曲便像是在安慰、舒解受苦的人。就好像受苦的人向上帝哭訴，而其后得到上帝的安慰與響應。所以藍調音樂很著重自我情感的宣泄和原創性或即興性，這種即興式的演奏方法，后來慢慢地演變為各種不同類形的音樂，如Rock and Roll、Swing、Jazz……所以藍調亦是現代流行音樂的根源。至于口琴被廣泛用于藍調音樂中是起始于約20年代中，那時候在美國當地有很多街頭藝人表演音樂，他們常用樂器是五弦琴、鼓、和一種叫“pan quill pipes”的吹奏樂器。而由于吉他和口琴的性能比這些傳統樂器好和更適合于空曠的地方表演，所以漸漸地口琴便常被用作吹奏藍調音樂。及后30年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，藍調音樂和藍調口琴亦隨之在芝加哥這地開支散葉，及后更自成一派名為Chicago Blues。在聽藍調音樂的時候，你會發覺它們好像都依著一個相同的曲式來進行。其中原因是因為藍調音樂會常用到一種標準曲式，名為12 Bar Blues。藍調對后來美國和西方流行音樂有非常大的影響，拉格泰姆、爵士樂、藍草、節奏藍調、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲，甚至現代的古典音樂中都含有藍調的因素或者是從藍調發展出來的。
“原始非洲音樂的旋律結構”
由于藍調成形于其個人表演，因此要指出所有藍調的共同特征很難。但在現代藍調出現以前所有的美國黑人音樂有一定的共同點。最早的藍調式的音樂是一個“功能式的表達，其啟應的歌唱沒有任何伴奏、和諧，不拘束于任何形式，沒有任何特別的音樂結構”。這些從奴隸田野工作時的叫喊和呼喚來源的藍調以前的音樂逐漸擴展為“簡單的、帶有感情內容的單聲歌”。今天的藍調可以看作是基于歐洲的和弦結構和從非洲的啟應傳統上發展為歌唱與吉他的交替演奏的音樂。許多藍調的元素，比如啟應的形式和使用的藍調之音都可以追蹤到非洲音樂。西爾維安·迪歐弗（Sylviane Diouf）指出一定的特征——比如使用花音（melisma）和輕的、鼻音聲調——似乎說明藍調與中非和西非音樂的聯系。民族音樂學家格哈特·庫比克（Gerhard Kubik）可能是第一個指出藍調的一定元素來自非洲的人。比如庫比克指出漢迪在他的自傳里所描寫的使用刀刃來彈吉他的密西西比技術在西非和中非文化里非常普遍，當地的類似吉他的21一弦豎琴（Kora）是最常用的歌唱伴奏弦樂器。這個技術包括吉他手用刀壓吉他的弦，它可能是滑音吉他（Slide guitar）技術的來源。后來藍調又吸收了黑人音樂中走唱秀（minstrel show）和黑人圣歌（Spiritual），包括其樂器和和弦伴奏。藍調與拉格泰姆的關系也很密切，不過藍調更好地保存了“原始非洲音樂的旋律結構”。
早期的藍調往往是松散的敘事歌曲，歌唱家訴說他或她在“一個殘酷的現實中的個人遭遇：失愛、警官的殘忍、白人的迫害、艱巨的日月”。與當時的其他音樂紀錄相比許多最早的藍調記錄中含有堅忍不拔的、真實的歌詞。最極度的例子之一是Memphis Minnie的《深入小巷》，其歌詞描寫一個在小巷里與男人的事。這樣的音樂被稱為“吊腸藍調”（"gut-bucket" blues）這個名字來自于一種使用清洗豬的小腸的鐵桶自造的低音樂器，這種食物往往被與貧困和奴隸生活聯系到一起。
吊腸藍調一般描述男人與女人之間的 愛與恨、不幸和艱苦生活。吊腸藍調與一般演奏這樣的音樂的粗暴的酒店給藍調音樂帶來了其不快的名聲。虔誠的基督教徒避免它，一些布道者甚至將它稱為是罪惡的。由于它的歌詞一般是關于生活的艱難和不公正，有些人總是將藍調與貧困和壓迫聯想到一起。但藍調的歌詞不只是關于艱苦，有些也非常詼諧和。一開始的藍調可能只有一段，重復三次，現在通見的結構——一段，重復一次，然后接著一個單段的結束——是后來發展出來的。有人認為約魯巴神話在早期藍調中有一定的作用。但是大多數藍調藝術家更主要的是受到基督教的影響。早期的歌的結構非常不同。在鉛肚（Leadbelly）和亨利·托馬斯的錄音中可以找到這個時期的歌。但是后來基于主音和聲、次屬音和聲和全桔第五音和聲的藍調形式成為最普及的形式。今天被看作是典型的12節藍調是1900年代初在密西西比河下游的黑人社群中出現的，這個過程既有口述歷史也有樂譜的記錄。孟菲斯的比爾大街是早期藍調形成的地方之一。
城市藍調和鄉村藍調
由于拉格泰姆的商業成功，美國樂譜商立刻開始追求類似的藍調的商業成功。1912年漢迪的三部類似藍調的作品出版，加速了錫盤巷采用藍調元素的過程。漢迪（W.C.Handy）是一位職業音樂家，他在普及藍調的過程中起了一個關鍵角色。漢迪是第一位將藍調改寫給樂團的人，他的改寫作品達到了交響樂似的規模，配有樂隊和歌唱家。他成為一位非常著名的作曲家，自稱為“藍調之父”，但也有人認為他的作品根本不是藍調。他的作品可以看作是藍調、拉格泰姆和爵士樂的綜合，他主要使用的是在拉格泰姆中使用長久的拉丁美洲音樂中的哈巴涅拉節奏。漢迪活了相當長時間，在這段時間里非常有作為，他最著名的作品是《圣路易藍調》。
1920年代里藍調成為美國黑人和美國流行音樂里的一個重要元素，通過漢迪的作品和經典的女藍調演唱家它也獲得了“白人”聽眾的青睞。藍調從非正式的表演演化為劇院里的娛樂。在劇院里、夜總會里都會有藍調演奏。這個演化使得藍調特別地多樣化，并且藍調與爵士樂之間的區別也越來越明確。一些唱片公司開始錄制美國黑人音樂。隨著錄音工業的發展，一些鄉村藍調藝人在美國黑人社群中的名聲也不斷增高。盲人萊蒙·杰佛遜是第一位使用撕吉他錄音的藝人，他使用刀片、酒瓶和其他不尋常的對象來彈吉他。撕吉他成為三角洲藍調非常重要的組成部分。在1920年代錄制的藍調可以分為兩個風格：一個是傳統的鄉村藍調，另一個是比較加工的，多樣的城市藍調。
鄉村藍調往往沒有伴奏，或者只適用一個班卓琴或者吉他來伴奏，其表演往往是即興演奏。在20世紀早期有許多地區性的鄉村藍調風格，其中少數尤其重要。密西西比三角洲藍調風格純樸，往往使用撕吉他或者口琴伴奏，它的歌唱非常簡單和激情。這個風格最有影響的演奏家可以說是羅伯特·約翰遜了，他只做了少數錄音，但是在這些錄音中以獨特的方式將城市與鄉村藍調融合到了一起。東南部“優美、詩情”的山麓藍調（Piedmontblues）使用一種精心的指彈吉他技術，其代表人是盲人威利·麥克泰爾和瞎孩子福勒。20年代和30年代產生的生動的孟菲斯藍調主要由陶瓶樂隊演奏。這些樂隊使用很多不同的不尋常的樂器如洗衣板、小提琴、玩具小笛或者曼陀鈴。30年代后期和40年代初許多孟菲斯藍調音樂家遷往芝加哥，跨越鄉村和電子藍調的界限。
城市藍調更有條理和更精心細作。經典女性藍調或者滑稽歌舞劇藍調歌唱家在1920年代尤其出名。比如貝絲·史密斯，她雖然更加是一位滑稽歌舞劇演員，但確享有“藍調皇后”之稱。她錄的“瘋狂藍調”唱片在一個月內賣出了7.5萬張。她的導師馬·雷尼同樣受尊敬，有“藍調之母”之稱。克拉克寫道，兩位演唱家都使用“一種技術圍繞著一個中心調來唱每支歌，可能為了使得她們的聲音更容易傳到演唱廳的后部”，而史密斯“也喜歡用不尋常的調來唱歌。她用她美麗雄厚的女低音來改變和延伸曲調使得她的演唱無以比美”。城市藍調中的南藝術家包括當時美國最著名的黑人音樂家。 1930年代和40年代初另一個重要的城市藍調的風格是布基伍基。雖然這個風格主要是鋼琴獨奏，但也有歌唱或者使用樂團或者小的樂器配合的。布基伍基德特征是一個固定的低音旋律，一個固定音型或者一個既興重復段。它使用最常見的音階變換，左手演奏非常精巧的和聲，而右手則演奏華麗的裝飾。最早演奏布基伍基的是在芝加哥的吉米·楊西和所謂的布基伍基三人。芝加哥還推出了其它布基伍基音樂家如厄爾·海恩斯。海恩斯“左手上彈奏有力的拉格泰姆鋼琴家式的節奏，而右手則彈奏著阿姆斯特朗的小號似的旋律”。
1940年代早期另一種城市藍調是跳躍藍調，這個風格受大樂隊音樂的影響很重，它的特點是使用吉他來演奏節奏、爵士樂式的速度快的音樂、雄厚的演唱和使用薩克斯管或其它銅管樂器。條約藍調音樂家后來成為搖滾樂和節奏藍調的前驅。介于經典的節奏藍調與藍調之間的非常平滑的路易斯安那風格。
第二次世界大戰后和在1950年代中隨著城市化的加劇以及放聲器的普及新的電子藍調風格出現了，尤其在芝加哥、底特律和堪薩斯城這個風格非常流行。
50年代初芝加哥成為了藍調的中心。芝加哥藍調受三角洲藍調的影響非常大，因為當時大多數藝術家是來自密西西比地區的移民。他們的風格特征是使用電子吉他、有時是吉他、藍調口琴、傳統低音和鼓。但也有些音樂家使用薩克斯管，不過他們使用薩克斯管更主要地作為節奏支持，而不是作為獨奏樂器。
藍調與主流流行音樂
50年代里藍調對美國主流流行音樂的影響非常大。鮑·迪德利和查克·貝里直接受芝加哥藍調的影響，他們激情的演奏離開了藍調憂郁的風格，一般被看作是搖滾樂的開始。埃爾維斯·皮禮士利和比爾·海利受跳躍藍調和布基伍基的影響很大，他們將搖滾樂帶入了白人社群。芝加哥藍調對路易斯安那州的茲德蔻音樂的影響也很重要。許多藍調的風格被引入這個音樂流派，比如使用獨奏電子吉他和凱金音樂。但也有些音樂家不是受芝加哥藍調的影響，而是受其他風格的影響，比如西海岸藍調。這個風格比芝加哥藍調平滑，位于芝加哥藍調、跳躍藍調、搖滾和爵士吉他之間。也有的藝術家的風格非常個人化。
1960年代初美國黑人音樂中的搖滾樂和靈歌成為了主流流行音樂。白人音樂家將黑人音樂在美國和其他國家傳播給新的聽眾。雖然大多數聽眾只是喜歡當時的流行曲調，但是也有人開始追蹤這些音樂的根底。尤其在英國產生了許多追求藍調根底的樂隊。到該年代底白人音樂家演奏的多樣的藍調或者藍調與搖滾樂融合的風格成為全世界流行音樂的主流。同時也有些藝術家繼續發展藍調的傳統。比比金在50年代出頭，在60年代末達到了頂峰，他的技巧性的吉他技術使他獲得了“藍調之王”的稱號。與芝加哥藍調不同的是他和他的樂隊使用強的低音支持，而不使用撕吉他或口琴。美國民權運動和言論自由運動的音樂在美國導致了對美國音樂根底，尤其是早期美國黑人音樂的根底的研究。紐波特民間藝術節之類的重要音樂節將傳統藍調重新介紹給了新的聽眾。戰前的聲樂藍調和許多被遺忘的藍調演奏家被重新發現。許多戰前的經典藍調被重新編輯發表。
識音賞樂
流行音樂是根據英語popular music翻譯過來的。按通常的說法，所謂流行音樂，是指那些結構短小、內容通俗、形式活潑、情感真摯，并被廣大群眾所喜愛，廣泛傳唱或欣賞，流行一時的甚至流傳后世的樂曲和歌曲。這些樂曲和歌曲，植根于大眾生活的豐厚土壤之中。因此，又有“大眾音樂”之稱。
下面普及性地給大家介紹8種熱門的音樂分類，當是給不怎么接觸音樂的同學們掃盲吧，反正介紹多了你們也記不住。
1. Rock and Roll（搖滾樂）。即搖滾，是一種音樂類型，起源于20世紀40年代末期的美國，50年代早期開始流行，迅速風靡全球。搖滾樂以其靈活大膽的表現形式和富有激情的音樂節奏表達情感，受到了全世界年輕人的喜愛。搖滾樂在60年代和70年代形成一股熱潮。
代表人物：The Beatles（披頭士）、The Rolling Stones（滾石）、Bob Dylan（鮑勃?迪倫）、Elvis Presley（貓王）……
2. Soul（靈魂樂）。亦稱“靈歌”。1969年，“公告牌”用“索爾”來代替原來對“節奏布魯斯”的稱呼，“索爾”是由布魯斯、搖滾樂與黑人福音歌混合而成的一種黑人流行音樂，演唱時較少演奏樂器。
代表人物：Aretha Franklin（艾瑞莎?富蘭克林）、Ray Charles（雷查?爾斯）、James Brown（詹姆斯?布朗）、Stevie Wonder（史提夫?汪達）……
3. Pop（流行音樂）。一種具有強烈節拍的現代流行音樂。一般認為，流行音樂有廣義和狹義之分，這里的“波普”是指狹義的流行音樂。
代表人物：Michael Jackson（邁克爾?杰克遜）、Britney Spears（布蘭妮）、Prince（王子）、Madonna（麥當娜）、The Beatles（披頭士）……
4. R&B（節奏布魯斯）。R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般譯作“節奏布魯斯”。廣義上，R&B可視為“黑人的流行音樂”，它源于黑人的blues音樂，是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎。Billboard雜志曾界定R&B為所有黑人音樂，除了 jazz和blues之外，都可列作R&B，可見R&B的范圍是多么的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的 Hip-Hop和Rap都源于R&B，并且同時保存著不少R&B成分。
代表人物：Michael Jackson（邁克爾?杰克遜）、R.Kelly（羅?凱利）、Usher（亞瑟小子）Backstreet Boys（后街男孩）……
5. Rap（說唱樂）。黑人俚語，相當于“談話”（talking），產自紐約貧困黑人聚居區。它以在機械的節奏聲的背景下，快速地訴說一連串押韻的詩句為特征。這種形式來源之一是過去電臺節目主持人在介紹唱片時所用的一種快速的、押韻的談話性的語言。“萊普”的歌詞幽默、風趣，常帶諷刺性，上個世紀80年代尤其受到黑人歡迎。
代表人物：最有代表性的樂隊是“公開的敵人”（public enemy）、 Eminem（阿姆，埃米阿姆）、 2pac、Jay-Z、50 Cent、T.I.……
6. Country（鄉村音樂）。鄉村音樂（Country music）是一種當代的流行音樂，起源于美國南部與阿帕拉契山區。鄉村音樂的根源可追溯至1920年代，融合了傳統民謠音樂、凱爾特音樂、福音音樂及古典音樂。鄉村音樂的曲調，一般都很流暢、動聽，曲式結構也比較簡單。多為歌謠體、二部曲式或三部曲式。
代表人物：Taylor Swift（泰勒?斯威夫特）……
7. Blues（布魯斯）。“布魯斯”（又譯藍調，港臺常譯為“怨曲”）是一種基于五聲音階的聲樂和樂器音樂，它的另一個特點是其特殊的和聲。“布魯斯”是南北戰爭后，在黑人民間產生的一種演唱形式，它與黑人的種植園歌曲（勞動時集體合唱的無伴奏歌曲）有著一脈相承的關系。“布魯斯”起源于過去美國黑人奴隸的圣歌、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和頌歌。
代表人物：B.B.King……
8. 中國風（chinoiserie）。中國風即中國風格。它是以中國元素為表現形式，建立在中國文化和東方文化的基礎上，并適應全球經濟發展趨勢的有著自身獨特魅力和性格的藝術形式。 在近年來尤其是2008年之后，中國風開始流行于文化、藝術領域，如廣告、電影、音樂、服飾、建筑等。
代表人物：周杰倫（Jay chou）、王力宏（Leehom Wang）……
以上音樂作品都不難找，如果不想出門，可以在網上尋找來試聽。音樂是可以陶冶情操的，開始接觸時，可從流行歌曲入手，從歌曲到樂曲，再到音樂整體，進而對音樂產業有了一定的了解，然后你會慢慢發現，當你懂得去欣賞后，你從中的領會及共鳴會非常多。當然啦，芹菜是不大推薦你們去聽那些悲悲切切消磨人的意志的歌曲，芹菜個人比較喜歡那些旋律優美、節奏緩慢的音樂，有條件的時候，也喜歡去現場感受音樂。音樂現場能使你與音樂人更近，體會更奇妙的感受。
電影派對
介紹了音樂，你們是不是覺得太高雅了呢，呵呵呵，高雅的就那么多吧，現在咱們說說電影。2011年是好萊塢大片年，尤其是續集電影扎堆上演，且多數以3D和IMAX形式上映，并主要集中在暑期檔放映，著實讓今年夏天更加爆熱。經過芹菜法眼，親自幫大伙過濾挑選出幾部合適我們年齡階段的電影，我們可以邀上三四好友，也可以和爸爸媽媽一起，悠閑地在電影院里捧著可樂加爆米花，結合視聽享受，優哉游哉地觀賞電影。不用多說，那可是相當輕松的一件事呀。
《雷神》發行：派拉蒙
《雷神托爾》是驚奇公司今年的頭號“搖錢樹”，也是今年好萊塢暑期檔第一部真正的大片。這部幻想史詩巨制改編自驚奇公司的暢銷漫畫，講述的是北歐神話中奧丁兒子托爾的故事。托爾是奧丁神的兒子，因為掌控風暴和閃電而得名。這個角色早在1962年就被引入漫畫，在漫畫中他被描繪成一個性情傲慢自大的天神，因為點燃了古代戰火而觸犯“天條”，被發配凡間化身為一名殘疾外科醫生，隨身兵器“戰錘”也變成了他的手杖。去年的《諸神之戰》由于轉制3D讓口碑受影響，希望《雷神》能吸取教訓讓轉制3D效果有所提高。
《加勒比海盜4》發行：迪士尼
《加勒比海盜4》使用的是和《阿凡達》同款的Pace Fusion 3D系統，讓影片中的瀑布、雨林和沼澤，以及無限寬廣的海洋有了更加逼真的效果，而片中各種打斗也在3D攝影機的幫助下顯得更加逼真。
《綠燈俠》發行：華納兄弟
《綠燈俠》也是一部由漫畫改編來的電影。華納再度與DC漫畫聯手，將這個綠色英雄搬上大銀幕。相較于其他“俠”電影，這部漫畫的英雄扮演者瑞安?雷諾茲可謂一個大帥哥，2010年他被《人物》雜志評選為年度最性感男士，帥氣的面容和結實的身材讓他人氣十足。作為一部標準意義的爆米花商業片，和鋼鐵俠、蝙蝠俠不同，綠燈俠能力更強大，撒手锏是手上的戒指，它發出的綠光力量無窮，此外他還有一盞專門為戒指“充電”的綠燈。他可以輕輕松松飛出地球，打擊宇宙惡勢力。他那一身綠色的裝束是科技材料，不再是傳統手工制作，而是通過電腦特技來呈現。
《賽車總動員2》發行：迪士尼
2006年《賽車總動員》曾在國內上映，由于汽車文化不夠普及，票房并不理想。但五年后國內有車一族變多，潛在觀眾也在變多。另外，在北美幾大動畫公司中，皮克斯創新能力無疑是最強的，但3D水平并非最高。經過《飛屋歷險記》《玩具總動員3》的實踐后，《賽車總動員2》將把積累到的所有3D經驗都大量運用到賽車場面的效果上。
《變形金剛3》發行：派拉蒙
如果2011年只有一部好萊塢大片能引進，我想多數國內觀眾肯定會選擇《變形金剛3》。該系列前兩集分別取得2.7億和4.3億的高票房。本片將是邁克爾?貝執導的最后一部《變形金剛》電影。《變形金剛3》將改變前兩集故事薄弱的軟肋，特效也更加刺激炫目，汽車人與霸天虎的斗爭也將升級到新的高度。而且《變形金剛3》也沿用了《阿凡達》同款的Pace Fusion 3D系統，立體效果貨真價實，想象一下用3D眼鏡觀看擎天柱大哥手持激光劍的樣子，那是怎樣一種過癮。
《哈利?波特與死亡圣器（下）》發行：華納兄弟
這個世界上有一套系列是影迷必看的，那就是《哈利?波特》，盡管從第五集開始，該系列每況愈下。走過十個年頭的哈利?波特終于要告別觀眾了。《哈利?波特與死亡圣器（下）》上集贏得了票房口碑雙豐收，兩億多的票房讓我們更有理由期待該片下集。為了讓最后一集有最好的3D效果，華納將上映時間推遲將近一年，擁有充足的時間進行3D后期轉換，《哈利?波特與死亡圣器（下）》將用最好的立體視效呈現在廣大哈迷眼前。
《牛仔和外星人》發行：環球
這兩個八竿子打不著的元素被融合到了一起。在美國西部一個小鎮，印第安部落和西部牛仔的戰爭中，幾架太空船突然降臨攪局……除了故事奇怪，主創陣容也很強大，影片由《鋼鐵俠》導演喬恩?費儒執導，斯皮爾伯格擔任監制，“007”丹尼爾?克雷格和老牌動作明星哈里森?福特聯合主演。
【關鍵詞】高中英語 教學情景
一、教學情景的創建
1.采用多姿多彩的導入形式，為創造良好課堂教學情景做準備。課堂教學導入有時也被叫做熱身活動。Warming-up exercise是課堂教學的起始環節。在課堂教學中廣泛采用的導入有多種：如事例導入、問題導入、妙語導入、審題導入、自薦導入等。對中學生學習外語而言，單調乏味的開場白往往提不起學生的學習興趣。
如第5單元第二課(卓別林)，該課主要介紹卓別林生平。按照陳舊的教學模式其步驟往往是：(1)學生快速閱讀；(2)做閱讀理解題；(3)教師講解文中語言點。如此陳舊的教學方法，學生聽來索然無味，教師苦不堪言，尤其嚴重的是此種教學方法會極大地挫傷學生學英語的積極性。結合卓別林表演藝術的特點，我采用了以下導入方式：播放一段輕松的小夜曲，隨著委婉的輕音樂，拉開了當天熱身活動的序幕。“Today ， we’ll have a game first. Mr.Mrs ，if you are brave enough，please come up and walk in front of the classroom，Each should try your best to walk in a special way，just try to make yourself different from others. We’ll see who will do best and get first in the game .”(今天我們先做一個游戲，勇敢的女士們、先生們，請走上前來，用你認為最獨特的步態展示你與眾不同的魅力。我們將拭目以待，看誰能摘取此次比賽的桂冠)。緊接著馬上把音樂換成有刺激性的能夠引起強烈情緒沖動的勁歌。受音樂的感染，我情不自禁的模仿了一下迪斯科的舞步，學生們一下群情激奮，爭先恐后地擁上講臺，盡可能別出心裁地走出與眾不同的步態。其中有個女生所模仿的女模特，其神似與形象簡直令人拍手叫絕，為此她獲得了競賽桂冠。高度激活的師生情緒就為順利完成課文學習作好了充分的準備。這時我馬上從話題引人課文主題：There was a funny popular man who used to walk and act in a vary special way and brought a lot of fun and happiness to thousands and millions of people. Do you know who he is ？If you want to know him， read text， please .(有一位滑稽的表演大師，他以獨特的走路方式及表演形式，為成千上萬的人們所喜愛。他給世人帶來了無限的歡樂，你們知道他是誰嗎？要想認識他，請閱讀課文)。從而把學生的心理活動盡快地引向教學主題。
2.以精心設計的教學活動為中心，營建課堂教學情景。精心設計的教學活動較好地開發了學生的學習潛力，充分發揮了學生的主動性、能動性和創造性，從而便于自己去認識發掘教材的內在聯系和揭示和學知識本身的魅力。當然，課堂教學活動也并不是越多越好。 應根據不同的教學主題精心設計課堂教學的活動，選用適當的活動形式。
二、教學情景的調控
1.補充相關詞語，深化課堂教學情景。在高一第11單元“Country Music”(鄉村音樂)一課中，我采用了以下手法補充相關詞語：首先告訴學生：“there are many different kinds of music in the tape . Now listen and tell me . What kind of music each of them belong to？ ”(當今存在許多不同的音樂形式。請聽這盤磁帶中的音樂片斷，然后說出它們分別屬于哪種？)待樂曲播放完畢，黑板上已寫下了一大串與課文主題相關的音樂形式的英文名稱，如 鄉村音樂、輕音樂、爵士樂、古典樂、搖滾樂、流行音樂等。學生用英語說不出的由老師補充。這些補充使學生在樂曲中輕松愉快地掌握了主要的音樂類型及英語名稱，為下一步教學的話題——“what kind of music do you like best and tell us the reason ？ ”(你喜歡哪種音樂形式，并告訴原因)中有可能出現的語言障礙的教學掃清了道路。
2.以思考題為線索 呼應課堂教學情景。每單元課題完成后，教師應巧設思考題，引發學生思考。通過思考題進一步提煉和歸納本課的重點，拓展學生的思維空間、思考題的設立一方面是對課堂教學情景的呼應，另一方面也是課堂教學情景的進一步深化。
三、結束語
課堂教學情景的設置應當貫穿于整個教學活動的始終。一般來說，它是由課文導入、教學活動安排思考題布置等環節構成的。它們在教學情景設置中具有不同的作用，課堂教學情景的設置必須綜合考慮各方面的因素，受種種條件的制約，或者說在教學內容、學習條件等條件無法改變之前，在中學英語課堂教學中教師通過課程設計來引發、形成和創造課堂教學情景不失為一種較好的方法。
【關鍵詞】薩繆爾·巴伯;鋼琴曲;美國音樂
一.巴伯的生平簡介
薩繆爾·巴伯，1910年生于美國賓夕法尼亞州西切斯特鎮，從小受到母親和姨夫一家在鋼琴和聲樂上的熏陶，6歲時便能即興彈奏旋律， 7歲時開始在聲樂和器樂的創作方面顯示出非凡的才能，10歲時寫出歌劇《玫瑰樹》的劇本。1924年，14歲的巴伯進入新創校的柯蒂斯音樂學院(Curtis)學習鋼琴、作曲、聲樂和指揮。畢業后，長期游學歐洲的經歷，使傳統歐洲的古典、浪漫派音樂和文學深深扎根在巴伯的音樂語言當中。
20世紀50年代，巴伯的專業作曲家生涯進入頂峰時期，此時的巴伯被認為是十分卓越的作曲家和美國音樂的傳播人，多次代表美國參加國際音樂活動。然而1966年創作的《安東尼與克利奧帕特拉》成了巴伯職業生涯的由盛到衰轉折點，1981年1月23日巴伯在紐約去世。
二、巴伯的鋼琴音樂創作
巴伯一生寫過4部歌劇、2部芭蕾舞劇，19部管弦樂作品、14部室內樂、39部獨奏樂器作品、20部合唱作品、106部聲樂作品等。與此相比，巴伯的6部鋼琴音樂作品在數量上顯得相對較少，但是這些鋼琴作品無論在音樂語言的豐富性，還是創作思想的深刻性上，都足以代表巴伯音樂創作的最高成就，在巴伯的音樂創作中享有重要的地位。而其中尤其以《漫游集》、《鋼琴奏鳴曲》和《鋼琴協奏曲》三部作品最具代表性(另外三部為《紀念》(Souvenris)，《夜曲》(Nocture)，《敘事曲》(Ballade))。
這三部鋼琴作品表現出巴伯過人的掌握多種音樂風格的能力:抒情的旋律、明確的調性、古典曲式結構的頻繁運用都體現出傳統歐洲音樂風格;大量不諧和和聲、半音階，十二音列的運用又體現出嫻熟的現代音樂作曲技法;富有美國風情的音調節奏不時點綴著樂曲，顯示出巴伯對美國民族音樂的挖掘和熱愛，三種風格迥異的音樂和諧的融合在巴伯的作品中，最終形成了巴伯特有的音樂風格。
三、美國音樂元素的運用
作為土生土長美國作曲家，巴伯從來不曾忘記在自己的作品中加入美國音樂，來向世界介紹自己國家的音樂風格。美國是個民族大融合的國家，許多的音樂風格都來自不同民族，有外來的也有本土，如印第安音樂，拉丁美洲音樂，西部鄉村音樂和爵士樂等等。而在美國音樂中又以爵士樂最為突出，而爵士樂又以它突出多變的節奏和與眾不同的爵士音調為主要特點。
(一)爵士節奏
巴伯曾說過他對爵士樂的看法“爵士樂對我來說非常簡單，你在聽爵士樂時更多的時候是跺著腳打著響指，而不是靠耳朵。”這說明了在爵士音樂中節奏的重要性。爵士節奏豐富多變，其特點大多是搖擺，節拍重音交錯和即興。《漫游集》第一首樂曲就采用了典型的“布吉--烏吉”(boogie-woogie)的風格，即一種爵士鋼琴風格，最初是為舞蹈伴奏，特點是左手彈奏強有力的固定低音，一般是以雙音或是分解八度構成固定低音。而右手則采用大量的切分與不規則節奏與左手的穩定形成對比。(見譜例1)
譜例 1
《漫游集》第二首樂曲大量運用各種時值的附點和三連音，營造出一種隨意的搖擺的慢速布魯斯風格，在《鋼琴協奏曲》第二樂章中也采用了相同的節奏特點(見譜例5)，附點加十六分音連線的組合正是搖擺的爵士節奏風格。《鋼琴奏鳴曲》曲第一樂章一開始大量附點節奏則不再是搖擺的風格，而是代表了一種堅定的力量，同時以八度音程加強其力度，具有打擊樂的特點，在樂曲一開始就把主題宣示出來(見譜例2)。在《鋼琴協奏曲》第一樂章發展部的節奏特點則充分體現了爵士節奏即興的特點，從114小節到119小節都是有規律的以三個十六分音符為一組的節拍，右手先奏出三個音，左手跟隨右手第三個音進入，兩個手的銜接很有規律。從120小節到126小節則打亂了前面有規律的節拍，把前面的節拍材料加以變化，十六分音符時而兩個音一組出現，時而三個音一組，甚至一個音。而左右手的銜接也不再有規律，而是按照各自的節拍進行，交錯的節拍加上無規律的音符組合在聽覺上達到了即興的效果。
譜例 2
(二)爵士音調
爵士風格的音調是由具有特色的音階構成，而巴伯多采用布魯斯風格的音階。布魯斯源自于聲樂演唱，它的音階特點是含有“藍調音”——即降Ⅲ級音和降Ⅶ級音，(見譜例3)“藍調音”與正常的Ⅲ級音和Ⅶ級音交替使用，Ⅵ有時候也會降，這與聲樂中的滑音，顫音有關，其曲調風格憂郁。
譜例 3
在《漫游集》第一首樂曲首中隨處可見這樣的“藍調音”，如結尾處反復交替出現的c小調降Ⅲ級音和還原的Ⅲ級音。(見譜例4)
譜例 4
在第二首樂曲中更是典型的布魯斯風格。除了《漫游集》這部爵士風格的樂曲外，在巴伯的其他作品中爵士音調像精靈一樣隨處可見，時刻給聽眾驚喜，使人驚訝于他對各種音樂風格的把握天賦。如《鋼琴協奏曲》第二樂章中出現了頻繁的半音交替的布魯斯音調，第二主題的布魯斯風格與第一主題的德國民歌風格的交相輝映，兩種不同文化背景的音樂和諧的融合在樂曲中。(見譜例5)
譜例 5
包含有爵士風格音調的地方還有許多，如《鋼琴奏鳴曲》第一樂章開始的降A和還原A交替出現(見譜例2)，第四樂章中一個固定短小的動機中包涵的布魯斯音調(見譜例6)等等。
譜例 6
(三)其他美國民族音樂
巴伯除了采用了爵士音樂作為創作素材，還吸收了許多其他民族音樂，并在作品中反映出來。《漫游集》第三首樂曲是拉丁美洲舞蹈的音樂風格，伴隨著探戈的節奏，其旋律迷人動聽(見譜例7)。
譜例7
《漫游集》第四首樂曲一開始就使用開放和弦來模仿口琴的聲音，隨后的單音旋律模仿的是小提琴，然后兩種樂器同時出現，讓人領略到了迷人的美國西部風情。(見譜例8)
譜例 8
綜上所述，《漫游集》(Excursions Op.20)是巴伯受鋼琴家貞尼·貝倫德(Jeanne Behrend)委托而作，通過這部作品，巴伯向世人證明了他駕馭“美國風格”音樂的能力。作品在規模較小的古典形式中融入了美國民間風格，包括拉丁美洲的舞蹈音樂，鄉村音樂，爵士樂等等，這些風格非常突出地體現在節奏方面，對民間舞蹈、民歌和民間樂器的描繪和模仿也不少見。這些美國音樂的元素同樣也滲透在他的《鋼琴奏鳴曲》和《鋼琴協奏曲》中，并將這些特色的民族元素結合現代音樂的作曲技法，演繹出不失傳統歐洲的浪漫情懷。巴伯對美國音樂元素的運用使美國鋼琴音樂的發展達到一個嶄新的高度，這也使巴伯最終成為最受歡迎的美國音樂傳播人。
結語
在音樂流派眾多的20世紀，運用民族音樂元素創作，巴伯不是第一人，也不是唯一運用美國音樂元素創作鋼琴曲的作曲家，相比同時代的科普蘭(Aaron Copland)和格什文(George Gershwin)對爵士音樂的運用，巴伯的的音樂風格則更為多樣化，包容性更強，這主要體現他對傳統歐洲古典和浪漫派音樂、現代音樂以及美國音樂的完美結合上。
作為現代21世紀的鋼琴演奏者，一首近現代作品，包涵的音樂風格往往不再是單一的一種，而是數種音樂風格的融合，這對演奏者提出了越來越高的要求，很好的理解并演奏這些作品就要求我們全面的掌握了解各種時代、地域、個人風格的特殊性，我們只有跟上音樂歷史的腳步才能更好的表現近現代作品的音樂內涵。
參考文獻
[1]Barbara B. Heyman:Sammuel Barber:The Composer and His Music(New York Oxforo University Press 1992)
[2]Stanley Sadie，New Grove Music and Musicians Dictionary Index，Macmillan Publisher Ltd.2000
一、精彩的開場白，激發學生的興趣
新課標指出：“興趣是學習音樂的基本動力，是學生與音樂保持密切聯系，享受音樂，用音樂美化人生的前提。”在音樂欣賞教學中，一定要培養學生的音樂興趣。上課的開場白很重要，好的開場白能很好的吸引這些大孩子注意力，學生剛開始上課的時候的注意力還不是很集中，如果能通過學生感興趣的開場來拉近和學生的距離，那么這堂課就成功了三分之一了。
二、運用多種教學手段、方法獲得情感體驗
音樂是聲音的藝術，在欣賞教學中，仔細地聆聽音樂是欣賞音樂的一個起碼條件。在教學中，我們應該摒棄傳統的“教師講、學生聽記”這種“灌輸式”的教學模式，突出音樂作為聲音的藝術的學科特點，根據不同的音樂作品，采用不同的音樂欣賞方法相結合，提出不同的欣賞要求，來引導、加深學生對音樂作品的感受和理解。
三、抓住音樂中有趣的地方，讓他們有興趣地學習
音樂中其實有很多有趣的地方，提出來，再讓學生學習，這是個很好的辦法。
我在教唱英文歌曲《Jambalaya》的時候，聽完第一遍，學生們立刻高呼，這是我們熟悉的《小冤家》嘛！頓時產生了濃厚的學習興趣，然后我找英語水平比較好的同學翻譯了英文歌詞，學生學得很來勁，很快學會了這首美國鄉村音樂。
四、不否定學生的喜好
學生喜歡的流行音樂有些老師是執否定的態度的，我卻不這樣認為。大禹治水是用引流而不是用堵的。音樂教育也是一樣，老師不能因為流行的音樂中有很多是關于愛情的就禁止它，流行音樂中有很多值得學習的東西，而這些東西學生并沒有注意和總結，老師這個時候應該引導。隨著社會的進步，時代的發展，學生獲得各種信息的渠道越來越多，獲得的信息也越來越多，流行音樂也借助于各種媒體充斥于社會的每一個角落，因其緊跟時代、貼近生活、通俗易懂而被廣大學生所喜聞樂見。因此，在音樂課中，我們可以結合教材內容，選擇一些優秀的流行歌曲在課堂上欣賞或學唱，以激發學生的學習興趣和學習積極性。比如現在學生大多都喜歡周杰倫，但他們并沒有去發現他的音樂中包含的一些東西，比如讓學生聽《臺》，讓學生了解民族音樂民族樂器在流行音樂中的運用，聽《夜曲》延伸講解夜曲這種音樂體裁。
【關鍵詞】排舞；健美操；比較
中圖分類號：G88
一、前言
隨著全民健身運動在中國的進一步發展，越來越多的運動項目加入到全民健身的大家庭中來。排舞、健美操深受廣大健身愛好者的喜愛，它們都是在音樂伴奏下，以身體練習為主要形式，在參加健身的人群所選擇的項目中占有很大的比例。鑒于這兩個項目的受歡迎程度，有必要對兩種運動項目的異同點和共同點進行深人的探討，使廣大群眾對其有進一步的認識，不僅為其選擇鍛煉項目提供理論、實踐的參考依據，而且為其終身體育打下基礎。
二、排舞和健美操的起源
排舞是一種排成一排排跳的舞蹈，英文叫做Linedance。目前的排舞運動，是一種令現代都市人為之怦然心動的嶄新健身形式。它源于20世紀70年代的美國西部鄉村的舞曲，起先用吉他和拍手的方式起舞，后來融入了歐洲宮廷和拉丁式的舞步，隨著排舞的發展，舞步越來越多元，風格更創新，簡單易學，是一種既可個人獨享，又可與團體共樂的舞蹈。
健美操（Aerobics）最早由美國人KennethCooper博士于20世紀60年代開始于美國推廣。Aerobics原來只強調“有氧運動”的重要性，并且以訓練心肺功能為主要目的。隨著有氧運動的發展，到20世紀70年代末，健美操運動逐漸受到大眾的歡迎。80年代初，美國健身、影視明星簡?方達根據自己的健身經驗和體會大力推廣有氧健美操，1981年，她編寫出版的《簡?方達健美術》引起了世界轟動，這對健美操運動在全世界的發展起到了積極的作用
三、排舞與健美操的異同點
（一）音樂特點
排舞音樂有具有濃厚牛仔風格的美國西部鄉村歌曲，有經典的西洋老歌，也有許多現代音樂元素，如爵士、拉丁、華爾茲、街舞，以及世界名曲，甚至歌劇主題曲，現行的舞曲已達3000多首。豐富多樣的音樂形態是排舞創編的資源庫。多元的舞曲可滿足不同性別、不同年齡層次人的需求。青年人熱情奔放、激情洋溢，可以選擇拉丁舞、爵士舞、街舞等舞曲；中老年人則可以選擇舒緩柔情的舞廳舞曲目。
健美操相對比較單一，選配的音樂應體現健美操健力與美的特點，強調美與力的結合。音樂的旋律要動聽，力求新穎，富于變化，節奏要鮮明、強勁、規整，速度要適中，具有振奮精神的情緒效果。健美操的音樂速度通常是以10秒鐘為單位作為設計動作速度的標準。健身健美操的音樂速度分為慢、中、快三種：慢速為每10秒鐘16～20拍；中速為20～24拍；快速為24拍以上。通常，為了充分體現大眾健美操的健身性，大眾健身操的音樂為每10秒鐘20～24拍。而競技健美操的音樂速度則偏快，通常為每10秒鐘26～30拍。因為，快速跳動的音樂節奏更能讓人產生激情，具有感染力。
（二）動作特點
排舞是拉丁舞、爵士舞、街舞、舞廳舞等的"大集成"，其舞步的選擇自由度十分大，有恰恰、倫巴、曼波、牛仔、華爾茲、搖滾及其它舞蹈的基本步，也有諸多民間舞步。盡管動作多元，有多樣的舞蹈元素組合參與，但其曲目有簡單，有復雜，有慢節奏，也有快節奏，體現出整體多元性。除了步伐的統一外，對軀干和上肢動作并沒有具體規定，每個舞者都可跳出自己的風格，展現完全屬于自己心靈的詮釋，這更增添了排舞的魅力。
健美操是以8種基本步伐及其變化形式，同時融合了其他元素，但相對與排舞來說較少，由于其動作節奏的限制，目前僅融合了拉丁、搏擊、街舞等動作元素。其快速的動作變化、多變的身體動作、夸張的激情表現，使每一個動作都充滿了激情和快樂。健美操運動在意識上強調“嚴謹”，每一個動作在技術上都要求精益求精，進而構成“完美”的套路。
（三）地域特點
排舞的每一支舞曲都有世界共同的舞序，所以排舞是全世界同步的舞蹈，每一支舞曲對應獨特的、完整性節奏和風格的舞步，在現有舞曲中，排舞的舞步無一雷同，由于不斷有新的樂曲出現，新的舞步也相應產生，如今流行的舞曲一般由世界知名的排舞老師依照舞曲的歌詞意境及節奏風格編舞，所以排舞是全界同步的舞蹈，它不分國家、地區、民族，全世界人在同一首音樂下跳同一個舞步。
健美操則沒有什么地域特點，它作為一種健身方式，動作創編的自由度比較大，國家或地區、民族之間沒有對比性。
四、排舞與健美操的相同點
（一）適宜人群
排舞和健美操是富有藝術性的運動，其能給人們帶來不同的情感體驗，符合現代人追求健美、自娛自樂的需要，因此深受廣大群眾的喜愛。同時它們練習形式多樣，運動負荷和難度可以自我調節，不同年齡、性別、形體、素質、個性、氣質的練習者都可酌情擇項參加鍛煉，各種人群都能從其練習中找到適合自己的練習方式，并通過訓練增強體質，彌補自身的某些不足，并且還可從中獲得樂趣。因而，排舞和健美操是男女老幼所青睞的一項運動。
（二）練習場地和練習形式
排舞及健美操的鍛煉不受氣候的影響，基本不受場地限制，對場地、器材條件的要求不高，練習起來簡便安全，適合不同地區、不同條件的單位和部門開展。排舞的練習不受人數限制，可以單人、雙人、多人甚至一萬多人一起跳同一支舞曲。健美操的練習人數和排舞一樣不受人數限制。
五、小結
通過比較不難發現，排舞和健美操之間的區別還是非常明顯的，兩種運動項目最大區別在于音樂特點、動作特點和地域特點的迥異，排舞的音樂風格從美國西部鄉村音樂到古典音樂、流行音樂、世界名曲甚至歌劇主題曲；舞蹈元素也從社交舞到體育舞蹈、民間舞、爵士舞、愛爾蘭舞蹈、肚皮舞、街舞等當今流行的舞蹈形式，使人的視覺煥然一新。而健美操的音樂風格健美操相對比較單一，節奏要鮮明、強勁、規整，速度要適中，具有振奮精神的情緒效果，融入的舞蹈元素也相當有限。但雙方的共性之處在于不受年齡、性別、場地、人數的限制，而且聯系形式多樣，在廣大群眾中都較好開展。參與者可根據自己的愛好和特點進行選擇。
參考文獻：
隨著網絡技術和音響媒體技術的不斷普及，學生接觸音樂的層面也是越來越廣，《超級女聲》《中國好聲音》等各種以音樂為主題的選秀類電視節目層出不窮，學生大多熱愛此類音樂節目卻很少有人真正熱愛音樂課堂。筆者作為一名工作在第一線的高中音樂教師，在自己的教學過程中，經常發現，高中學生往往處在學習和競爭壓力之中，不能積極地釋放自己的情感。而音樂作為一門藝術，不僅僅只有流行音樂，古典音樂同樣魅力無限。因此。筆者希望積極挖掘音樂教學中的人文教育因素，通過音樂教學陶冶高中學生的情操，拓展學生的知識面和文化視野，豐富學生的文化素養，在文化素養的熏陶下培養其合理樂觀的人文觀，促進素質教育的實施。
一、音樂教育在人文精神培養中的獨特作用
音樂在現代漢語詞典中的解釋是“表達人們思想感情，反映現實生活的一種藝術。是人類一種古老的、具有普遍性和感染力的藝術形式。它不以說教方式來傳播，更多的是通過熏陶、感染途徑，潛移默化地來影響人的心靈，使更多的人得到美的滋潤。”大哲學家黑格爾指出：“審美帶有令人解放的性質。”所以，我認為通過審美及情感教育是現代社會消除歷史帶給人類的這一系列的負面影響的最好方式和最有效的途徑。
音樂蘊含著豐富的文化和歷史內涵，學生可以在不同的音樂作品中了解到不同時代、不同國家、不同民族的文化以及生活中各種人物的性格特點、思想感情和精神面貌。新課程的內容強調“切實反映學生生活經驗，努力體現時代特點”，揭示了音樂文化內涵作為改革單一音樂內容的思路。作為美育領域的音樂課程是弘揚人文精神、提高人文素養的人文學科。普通高中音樂課程標準所闡述的基本理念也從不同的方面反映了人文精神的內涵與價值。以音樂審美為核心就是有情感的教師面對有情感的學生要在潛移默化的音樂教育中培養其美好的情操和健全的人格。音樂基礎知識和基本技能的學習，應有機滲透在音樂藝術的審美體驗之中。因此，高中音樂新課程教學最根本的變化就是從注重知識與技能的教學方式轉變為以學生為主體，讓每一個學生的個性得以充分發展的情感、態度、價值觀的培養。讓人文統領音樂教育，讓音樂學習更輕松，更活潑。
二、對高中音樂欣賞課中融入人文理念的思考
1.創設情境，激發學生的學習興趣。首先，在課堂上采用豐富多彩的教學手段，創設不同的學習情境，激發學生興趣。在具體教學中，我們可以寓教于樂，結合每一種音樂的特點，創設不一樣的學習環境，例如，在學習鄉村音樂時，可以在郊區體驗下生活，大樹下上課不失為一個不錯的選擇，學習民歌時，可以通過不同的服裝向學生展示這一民族的特點和風俗習慣，讓學生如身臨其境，感受我國各民族民歌的魅力;在學習古典音樂時，努力營造一種典雅出塵的氛圍，或者是帶領學生參觀博物館感受古代氣息。激發學生的學習興趣，挖掘其中的人文教育元素，努力提升學生的精神修養。
2.對學科知識體系進行整合。如果把音樂作為一種文化來認識的話，那么，教學中就需要通過拓展學生的知識面和視野來讓學生的文化素養得到豐富，而這就需要在教學中對高中階段的各個學科進行整合。如以語文教學來豐富學生的想象能力，讓學生在字里行間去領略人類、自然、社會、歷史所特有的魅力，從而為他們對音樂之聲背景的了解打下基礎;以地理教學的山川河流、人文風俗來引導學生去探求音樂中的地域風格，了解不同音樂發源的特點，諸如此類，不難看出，多學科的整合為在音樂欣賞課中對學生人文理念的培養打下了基礎。
3.加強音樂實踐教學，激發學生的人文情操。眾所周知，高中音樂教學具有很強的實踐性，教師應當重視音樂實踐過程中對學生人文情操的培養，因為學生只有在不斷的音樂實踐中才可以加強自身的人文精神的體驗，并逐漸形成自身所特有的音樂氣質和音樂修養。因此，高中音樂教師可以適當把教學視野轉移到課外，幫助學生組織和參加更多具有人文氣息的音樂活動，如校園文藝匯演、歌手大賽等，這對提升學生的綜合素質、完善學生的人格顯然是非常有利的。
本文主要探討了挖掘高中音樂教學活動中人文教育的新元素。事實上，在音樂教學中，學生心靈總會潛移默化受到人文教育元素的影響，提升高中生的道德素養，以及思想文化水平。希望通過本文的研究，能夠拋磚引玉，引起國內眾多專家和學者的重視，加強高中生音樂教育中的人文教育，培養高素質的高中生，促進高中學生德智體美勞全面發展。
關鍵詞： 課堂教學 新課 導入方法
俗話說：“良好的開端是成功的一半。”這話不無道理，那么對于我們教學中的新課導入也是至關重要的。因為新課的導入是課堂教學的最關鍵的一步。備課時，教師要對每一節課的新課導入進行認真設計。對怎樣導入、什么方法、先后順序、深度、廣度、是否能激發學生的興趣、是否把Revision和Presentation有機結合起來等一系列問題進行認真的思考，查閱資料，搜集參考，有時上課前還要在大腦里過一遍，直至滿意為止。但是往往還有“萬事開頭難”的感覺，因為好的新課導入的運用，不僅能使學生盡快進入良好甚至最佳狀態，還能使學生積極參與、積極思維，能夠引起學生的學習興趣，激發學生對知識的渴求，會取得事半功倍的教學效果。同時還能促使學生進行自覺復習、預習。在很大程度上還可以進一步提高學生的聽、說、讀、寫的能力。這就促使我們對新課的導入有清醒的認識，要求教師根據教學目標、教材特點和學生的心理特征，應用具體而有效的方法，巧妙地導入新課，使課堂教學很快進入最佳狀態。
新課的導入，首先要求教師必須把握新課的教學目的、重要的語言材料等，然后結合已學過的知識，參考教師用書，查找資料，同時還要根據新課的特點和學生掌握知識的情況進行認真設計，最好做到銜接巧妙、自然。讓學生在輕松復習舊知識的同時，學到新知識。在英語教學過程中，如何使新課的導入有一個良好的開端，讓學生在學習新課之前就對所學的內容產生濃厚的興趣，促使他們以極大的熱情投入學習，以期收到良好的教學效果，這是一個值得探討的問題。我們認為達到這一目的，教師就要在講授新課前，根據學生的心理特點，結合新課的具體內容，采取學生感興趣的藝術手法導入新課。筆者試從以下幾種常見的新課導入方法進行探討。
一、插圖與問題導入法
我們目前使用的教材大部分都配有彩圖，這些彩圖很容易引起學生的注意力，激發他們進一步探索的興趣。因此，教師要根據新課的材料，把新舊知識有機結合，設計有針對性的問題。這對于活躍課堂氣氛、提高課堂教學效果無疑起著重要的作用。每當我說：“Look at the picture carefully，what can you see in the picture?”所有的學生都會一下子把精力集中到彩圖上，并積極舉手，表達他們所看到的和所想到的。或者設計的問題注意鼓勵和啟發，由簡單到復雜，由感性到理性層層深入地揭示出來，使學生的思維按認知規律有序進行，逐步排疑解難。同時把握問題的角度、速度、深度。但是有的問題學生不一定都能回答出來，那么可以讓學生去思考，然后作一個誘導，或者作一個伏筆，待新課上完后再解決。讓學生帶著問題學習，也不失為一種好的方法。
二、課文內容簡介導入法
簡單介紹課文大意或人物簡況，容易引起學生的興趣。故事性或記述人物的新課均可采用此法導入。教師可讓學生在課前稍做準備，課堂上簡單敘述，教師再作補充；也可由教師單獨敘述介紹。例如我在教授教材的Abraham Lincoln時，我要求學生“say something about Abraham Lincoln”，由于我們現在的教材的編排的特點，學生已初步了解有關林肯的知識，所以大多都能說上一兩句。發言往往比較踴躍，諸如，“Abraham Lincoln was one of the greatest American presidents”、“He was born in Kentucky”、“He set all the slaves free”、“He studied law in his spare time and later became a lawyer”……這時課堂氣氛熱烈歡快，此時我接過話題，因勢利導以表揚的口吻說：“OK，You have told us a lot about Abraham Lincoln.If you want to know him further，let’s come to the text.”如此順勢導入新課，可謂順水推舟。
三、表演導入法
表演是一種藝術，它能以生動的形式使信息直接輸入學生的大腦。應用此法導入新課，能收到良好的教學效果，但要求我們教師巧妙地利用教材，創造情景，通過表演的藝術引導學生在歡樂的氣氛中學習新的內容，充分調動學生的積極性。可以是教師、也可以是學生表演，或者兩者合作進行。例如我在教授教材Sports時，我邀請幾位學生上講臺，先給他們每人一張紙條，上面分別寫有幾條不同的短語，如：Play football，play basketball，play tennis，swimming，running，wrestling...然后讓他們分別表演這些動作，下面的學生如果能說出這些短語則說明他們的表演很成功；如不能，則鼓勵他們再作改進，然后再問另外一些學生：Which sport do you
like best？這樣就順理成章轉入正題，進行新課的學習。
四、電教媒體導入法
錄音機、錄像、投影儀、VCD、多媒體等現代化教學手段在英語課堂教學的導入中已屢見不鮮。由于英語教學內容繁多，有的僅用語言敘述比較抽象，也難以理解，如果借助圖表、動畫、聲光、色彩，可以變難為易，幫助學生深入淺出地理解知識，同時增加課堂信息容量，活化教材的內容，能產生多種感官刺激，吸引學生的注意力。如在學習教材American English這一課時，我充分利用收音機和錄音機的功能，選擇性地轉錄了BBC和VOA的英語節目，讓學生聽；然后讓他們判斷British English和American English在發音上的不同和在拼寫上的區別；同時利用投影儀來呈現一些單詞，讓學生判斷兩者之間的差別，加深學生的感性認識。通過此法，非常容易地使學生掌握兩者的不同之處。
五、懸念式導入法
精彩的懸念能給教學帶來無窮的魅力，教師精心設計的問題牽動著每個學生的思維神經，激起學生的好奇心和求知欲。采用懸念式引入法，可以檢查學生的知識面，同時吸引學生的注意力，激發學生思維和探究的欲望，從而達到引入新課的目的。
六、音樂、歌曲導入法
關鍵詞：小學；音樂；教學
在提倡全面發展的今天，學校越來越重視對學生德、智、體、美、勞的培養。筆者從音樂學科入手，通過以下方法引導學生樂于學習音樂。
一、從音樂特點出發，引導學生參與審美體驗
音樂具有聽覺美感、時間性、情感性等特征。在音樂教學中，教師要創設音樂情境，利用音樂的節奏擊拍、旋律視唱、歌詞朗誦及視頻動畫，通過對學生進行感官刺激，使學生產生藝術聯想及想象，感受音樂的美，提升學生的鑒賞力，潛移默化地影響學生的心靈。具體可從以下幾方面入手。首先，用視頻動畫創造音樂情境，培養學生學習音樂的興趣。小學生最喜愛的就是音樂動畫，教師可在課堂上事先為學生播放視頻音樂動畫片，利用聲音、色彩、畫面刺激學生的感官，迅速激發學生的興趣。看完影片配上音樂，讓學生閉上眼睛聽音樂想畫面，使學生能進入音樂情境，發揮想象，擴展思維空間，在陶冶學生情操的同時，使他們愛上音樂。其次，從生活中的節奏引向音樂節奏，讓學生體驗節奏美。教師在對低年級學生進行音樂教學中，可讓學生先談談自己在生活中都熟悉哪些聲音，它們有什么樣的節奏，并試著向其他同學表現。然后再引導學生用音樂的形式展示出來，組織練習，從而達到從生活中的節奏引向音樂節奏、讓學生體驗節奏美的目的。最后，針對中低年級學生喜愛模仿的身心特點，在音樂教學中，教師需要留給學生模仿的空間和實踐，例如：一節音樂課上，筆者為同學們播放了阿杜的《他一定很愛你》這首歌，讓學生們分析阿杜的具體音色，進行針對性的模仿實踐。長期堅持下去，不但學生的感性經驗得到了積累，音樂表現和創造能力也得到了進一步的提升。
二、搭建旋律視唱平臺，讓學生自信、自然、有感情地唱
首先，應在音樂聽覺感知基礎上識讀樂譜，在音樂表現活動中運用樂譜。在教學中，讓學生先仔細聽教師示范彈琴，并說出自己的切身感受，跟隨琴聲從最開始的自由唱到大合唱，然后自己唱著旋律，現編舞蹈動作，進而進行繪聲繪色的表演。其次，教師可以結合歌曲、舞蹈、視頻、游戲等多種手段，對學生進行直觀教學，激發學生的學習興趣，開發其對音樂的感知力和潛力，體驗音樂的美感。最后，引導組織學生積極參與學校的綜合性藝術表演活動，分析歌曲的節奏，跳出優美的舞蹈，在律動、集體舞、音樂游戲、歌表演等活動中與他人合作。
三、采用多種形式培養學生的音樂創造力
音樂創造是指在中小學音樂教學中的即興創造和運用音樂材料來創作音樂的活動。俗話說：“世界上不是缺少美，而是缺少發現美的眼睛。”生活中處處都有發揮學生創造性的機會，只要教師留心，就可以發現學生身上的閃光點。首先，在1～2年級音樂教學中，要引導學生從已有的知識結構中將成語、短句、詩歌或歌詞用不同的節奏、速度、力度等加以表現。使學生在音樂實踐中進行創造；在唱歌或聆聽音樂時即興地做動作，讓學生在自我創造中快樂感知；用課堂樂器或其他音源即興配合音樂故事和音樂游戲，在活動中使學生的創造力和表現力得到張揚和發展。其次，在3～6年級音樂教學中，引導學生即興創編同歌曲情緒一致的律動或舞蹈，并參與表演，使學生在實踐中獲得創作成功感；以各種音源及不同的音樂表現形式，即興創編音樂故事、音樂游戲并參與表演，從而提升學生的創造力和表現力。
四、以開放式和趣味性音樂情景激發學生興趣
首先，器樂教學是家長與教師吸引學生學習音樂的手段，在課外建立樂器興趣小組，有學生自己組建演奏團隊，在課堂上可以配樂合奏、伴奏，發揮學生學習音樂的主體作用。其次，充分利用音樂藝術的集體表演形式和實踐過程，培養學生良好的合作意識和在群體中的協調能力。在課堂上不僅組織學生通過音樂表演展示能力，還要在課外建立舞蹈表演隊，組織學生把音樂音響從社區引向大自然，開展形式多樣的音樂會、舞蹈演出，培養學生的合作精神。最后，在新課程改革中，學科交叉是新的挑戰，音樂教師要將其他藝術表現形式有效地滲透和運用到音樂教學中，通過以音樂為主線的綜合藝術實踐，幫助學生更直觀地理解音樂的意義及其價值。
總之，學生音樂學習的天地不僅僅是在課堂，教師應引導學生關注日常生活中的音樂。從廣播、電視、磁帶、CD等傳播媒體中收集音樂材料，并經常聆聽。參加社區或鄉村音樂活動，同他人進行音樂交流。聽音樂會或觀看當地民俗活動中的音樂表演等，都是學習音樂的廣闊領域。音樂教師應以促進學生終生音樂素養為出發點，踐行新課程，為學生打下良好的音樂基礎。
參考文獻：
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【關鍵詞】《地心引力》 聲音 聲畫聯系
一、來自地球的聲音
無聲的宇宙黑暗空洞，如同表面上波瀾不驚的大海，風平浪靜實則暗潮洶涌。馬特?科沃斯基在衛星例行檢查時播放著來自地球的鄉村音樂，每個宇航員都能通過信號連接聽到。他希望通過這種方式緩解同伴們的緊張情緒，讓極其危險的外太空作業稍顯輕松。科沃斯基播放的《Angels Are Hard to Find》集中在影片開頭、他與瑞恩?斯通前往聯盟號的路上以及斯通因缺氧導致幻覺這三個橋段，與其說是舒緩人們緊張的神經，不如說塑造了科沃斯基的人物形象。在我看來，影片中科沃斯基充當了包括斯通在內所有人的精神導師。他的風趣幽默感染著身邊的人，他會在空間作業時跟大家說“hairy boy”的故事，他會在生死未卜的太空漫步中告訴斯通他記得俄羅斯人把酒放在聯盟號的某個地方，他會分散斯通的注意力，詢問她家的位置，勾起她對地球的懷念。每一秒，他的狀態都是那么輕松，甚至是面對生死。當他注意到牽絆住斯通的降落傘繩子隨時都有松開的隱患時，毅然選擇松開牽住兩人的繩索，把活下去的機會留給對方，而自己即將永遠成為太空中懸浮的塵埃。通觀整部影片科沃斯基的出場時間不到二分之一，但存在感依舊滿格。那首反復回環的《Angels Are Hard to Find》曲調質樸明朗，就像科沃斯基的為人，看似漫不經心卻又有著超凡脫俗的豁達和淡定。
影片中還有一處讓筆者印象深刻的，是第59分鐘斯通連接與“天宮”的通訊信號時無意中連接到的來自地球上的廣播信號。那個叫“安英岡”的人讓遠在外太空的斯通聽到了久違的狗吠和嬰兒的啼哭。在飛船沒有燃料無法推進的絕境中聽到了來自地球的聲音，斯通最終選擇在“安英岡”輕聲哼唱的搖籃曲中靜靜等待死亡，這是一種回歸本源的心態，是她在走投無路時的唯一選擇，若不是在之后的缺氧狀況下出現幻覺得到科沃斯基的指引，斯通便會這樣一直沉沉的睡去，直到與女兒在天國相會。對她來說，曾經依賴的地球如今連觸碰到一縷來自她的空氣都是奢侈的，能在死前聽到來自地球的聲音已是上帝的格外嘉獎。個人認為這段特意安排的“地球廣播”是一個句號，對于斯通來說，這是她為自己生命設置的句號，在生的希望十分渺茫時選擇結束一切；對于整部電影來說，是前半部分劇情的句號，因為就此之后斯通逆轉了一切，她明白了什么是“絕處逢生”，怎樣讓自己的求生潛力發揮到極致，比如之后利用滅火器做她前往“天宮”的推進器。
不論是《Angels Are Hard to Find》還是“地球廣播”，這些來自地球的聲音讓遠在外太空的宇航員時時刻刻感受到他們仍舊與地球相聯系，就像嬰兒永遠依賴自己的母親，這種歸屬感正是來自地球的引力。
二、回環宇宙的聲音
原聲帶的作曲者史蒂芬?普萊斯曾經在采訪中提及創作的感受，他很清楚為外太空科幻片配樂的難度，因此細節上需要著重把握，要通過音樂抓住主人公的情緒變化和劇情的跌宕轉變。看完影片之后，筆者特意找到了原聲大碟，一共十六首曲子，閉上眼依次聽了一遍。或空靈，或蕩氣回腸；或舒緩，或讓人繃緊神經，僅僅是聽著音樂都能夠想象得到不同的音樂氛圍下此時的外太空正經歷著怎樣的狂風暴雨。相對于諸如鄉村音樂的客觀聲音，主觀音樂從一定程度上來說更能夠烘托氣氛，展現劇情的情感取向。當事情發生突變，航天飛機遭受星際碎片的猛烈撞擊時，音樂聲梯級增大，伴隨著急促的喘息和心跳，讓觀影者身臨其境，使壓抑和緊張的情緒不斷加重；當科沃斯基松開繩索的時候，亦或斯通關閉氧氣閥門慢慢躺下的時候，音樂如同漂浮在低氣壓中讓人心中沉悶，期間飄出絲絲縷縷女聲哼吟，仿佛是來自天堂的召喚，讓死亡成為悲壯、凄婉的人性升華。開頭飄渺在太空中由遠及近的說話聲有力的吸引了觀眾的注意，將影片的真實感從一切初始推向一個嶄新的高度。時長90分鐘的影片在眾多好萊塢巨制中相對較短，但是也反射著人們常說的：“濃縮才是精華”，影片剪輯緊湊，情節不拖沓，波瀾起伏恰到好處。這些在太空中聽不見而只有觀影者能聽得見的聲音不亞于一場聽覺盛宴，讓人們伴隨著情節的變化感受來自外太空的人性光芒。
三、我與你的聲音
求生是人的本能，在外太空的宇航員也是如此，地球上有他們最記掛的家人，這樣的感情線如同母體與胎兒之間連接的臍帶，是一種與生俱來的歸屬使命。所以不論遇到怎樣的困難，他們都會努力去克服，不放棄任何機會，哪怕只有一線生機。科沃斯基和斯通在太空漫步時的對話讓我們得知斯通因為失去了自己四歲的女兒變得郁郁寡歡，人生變得灰白不堪。但在影片第68分鐘時斯通接受了科沃斯基在夢中給她的啟發，科沃斯基告訴她：“這里（指沒有燃料的返回艙）固然安靜，沒有人會打擾你，但是要想活著就必須要振作起來，放輕松，享受這次旅行。” 她在意識清醒之后明白了應該如何去做，一邊操作一邊自言自語，她說起女兒的小紅鞋，希望科沃斯基在天國轉達她對女兒的深愛。與其說是科沃斯基給了她活下去的動力，不如說是她的內心深處有另一個充滿斗志飽含潛力的瑞恩?斯通正在蘇醒，那個因為生活打擊日益消沉的自己已經在昏睡中死去，當下醒來的才是真正的瑞恩?斯通。只有這樣的她，才能夠認定“天宮”會是她回到地球的末班車，才會有信心告訴自己，別再悶頭開車了，是時候改變一切了。
影片第76分鐘，當斯通進入“神舟”返回艙急速下落時，和地面信號接收站“休斯敦”傳達消息時有過這樣一段獨白：
“現在只有兩種結果，要么我帶著一個傳奇的故事平安回到地球，要么我在10分鐘內化為灰燼。不管是哪種結果，我都坦然接受！無論結果怎樣，這都是一次非凡的旅程，我準備好了！”
帶著生命經歷波折的復雜情緒，她明白了不到最后一刻都不要放棄的道理，大氣層撞擊返回艙產生的巨大熱能也不會融化她看破一切追隨信念的勇氣和決心。因為“高速下降”這一事實在告訴她，她正在回家的路上，是地球在用她強有力的雙臂擁她入懷。
人生必當經歷方能超越，瑞恩?斯通走出了自己，在回家的旅途中獲得重生。影片結尾斯通的最后一句臺詞耐人尋味：
“謝謝。”
在筆者看來，她會感謝很多人，因為自己如今可以再次腳踩大地感受地心引力，因為可以活著回到地球。一句“謝謝”凝聚了太多情感，表現在電影中則會讓觀影者為之動容，更為之感同身受。
在科幻電影中，傳統的“畫面高于聲音”的概念被顛覆了，聲音設計不只是與畫面保持著相同的地位，而是要高于畫面①。絕佳的配樂效果讓觀影者深入電影的每一個鏡頭，我認為，這部電影的音效特色有如下幾個方面：
1、音樂的劇作功能
一部電影必然有專屬于她的主旋律。《地心引力》的主旋律《Gravity》聲線悠揚，將太空中的未知與恐怖詮釋得淋漓盡致。旋律本身前后對比明顯，由舒緩到緊張過渡自然。音樂根據情節需要被分開放在不同的位置，由此更進一步展現了影視音樂獨有的間斷性。除了《Gravity》，《Aningaaq》、《The Void》、《In the blind》以及《Tian Gong》和《Altlantis》都有一個共同點，即結尾聲音在快速增強后突然收住。聲能急劇增加的聲音最大的特點在于能夠恰到好處的營造恐怖氛圍，在影片中這類音樂作用于斯通從外太空進入艙門時和出現幻覺時科沃斯基進入推進艙時。室內室外聲音交接變化十分明顯，恰到好處的從聲音角度告訴觀影者太空是沒有聲音的，亦或告訴人們故事進入了另一個階段，航天飛機內是有氧氣的，主人公相對安全。寫實手法的巧妙運用，是配樂者一大高明之處。
2、音樂的描繪
或靜或動，音樂凌駕于諸多音符之上，通過和諧調動讓音符富有生命，有力的描繪畫面情節的變化。身處黑暗無邊的外太空，科沃斯基遙望地球，這顆反射著太陽光的淡藍色星球在夜空中是那么唯美；他脫離斯通之后漂浮到恒河上空，由衷的贊嘆河上的日出美景。這兩處配樂選用《Don't let go》，曲調輕柔婉轉，細細描繪的地球的輪廓，不僅讓人們真切感受到地球的美輪美奐，更能讓人們體會到宇航員內心中對于地球母親的深深眷戀。
3、音樂的暗示功能
音樂作為一種聽覺因素具有了處于視覺層之外的某種獨立性，它能夠提供出畫面本身所沒有提供的東西。換句話說在某種意義上音樂在電影中有時會擔任預言家，前瞻效果明顯。例如影片中斯通一行人第一次遭受星際碎片撞擊之前音樂聲突然變得急促，在表現局勢變得不穩定的同時暗示著之前“休斯敦”提前告知的太空車禍已經開始造成災難性影響。音樂的暗示特性使這一段情節過度十分自然，不愧為影片一大亮點。
結語
影片第81分鐘，斯通游上水面之后，周圍除了水波蕩漾的聲音之外，有一些蟲子飛舞的聲音，遠方還傳來了幾聲鳥鳴。這是除了影片中主人公之外唯一存在的動物發出的聲音。這不僅象征了斯通已經回到地球，同時也象征了生命的延續。從一潭死水般的黑暗空間里回到生機勃勃的自然環境中，瑞恩?斯通的傳奇經歷如同一場夢，夢醒了之后卻發現物是人非，一切要翻新了重頭來過。這樣的經歷不可能每個人都有，但凡經歷過就是一次人性的洗禮。《地心引力》作為國際空間站15周年的獻禮片，用先進的特效技術和震撼人心的音響效果詮釋著宇航員是當之無愧的英雄。不論是豁達從容大義凜然還是為了生存永不言敗，從他們身上，我們除了贊美，更是要學會效仿，善于挖掘自己的潛力，不斷告訴自己：緊要關頭不放棄，絕望就會變成希望。
參考文獻
①威廉?惠亭頓 著，甘凌 譯：《聲音設計與科幻電影》[M].中國電影出版社， 2010
