發布時間：2022-05-23 03:20:02
開篇：寫作不僅是一種記錄，更是一種創造，它讓我們能夠捕捉那些稍縱即逝的靈感，將它們永久地定格在紙上。下面是小編精心整理的1篇鋼琴教學練習論文，希望這些內容能成為您創作過程中的良師益友，陪伴您不斷探索和進步。
1、采用助力法練習鋼琴彈奏
在鋼琴教學中通過助力法學生能夠對彈奏方法有更深的體會，利用觸覺對正確彈奏的方法進行感知，是一個有效方法。比如，在彈奏時學生表現出手指觸鍵不能穩定站立，教師可以將觸鍵方法在學生手背上親自示動手示范。這樣可以對學生的錯誤進行糾正，使其通過觀察、感受教師的手指動作了解彈奏的正確方法，成功度過初級階段，明顯消除其因過分緊張而出現的錯誤彈奏方法或多余動作，提高并改善學生肢體等器官動作的準確性與協調性。但仍然沒有鞏固學生的彈奏技巧和技術，一些新的錯誤又會出現在彈奏過程中，無法將音樂作品的風格特征完整法和分解法完整、準確的表現出來。教師應以練習曲或樂曲的特點為依據，分聲部、分句、分段、分手的讓學生進行練習，并挑出練習曲或樂曲中的難點、重點部分進行單獨練習，即分解需要練習的曲目，并形成單獨和局部之間的聯系。或者以能夠將整首樂曲彈好為基礎，集中精力練習特殊的技術難點，將其攻破，或者細化研究某個樂曲的彈奏，或分解練習合理控制各個聲部力度的布局及變化細微的某個和聲關系等。這種練習方法不僅可以使練習整首樂曲的時間大大縮短，提高聯系效率，還能夠為學生的合手練習打下堅實基礎。教師在示范正確的方法時也可選擇適當時機演示彈奏中的典型錯誤，以便學生在耳聽、眼看、腦記和心想過程中加深體驗，比較錯誤的彈奏和正確的彈奏，使學生的感知力與鑒別力提高。
2、采用分手法練習鋼琴彈奏
采用分手練習法彈奏鋼琴可以使人大腦中的負擔減輕，更加集中精力，從而能夠細心檢查每只手的彈奏，使練習鋼琴的質量得到保證。部分學生認為該方法過于麻煩，不進行或很少分手練習，自以為會達到縮短練習鋼琴的時間，使練習進度加快的效果，但實際上往往不能達到。沒有分手練習很可能導致學生在彈奏時出現許多問題，如錯指法、錯拍子、錯音等。此外，兩只手一般是承擔難度不完全相同的技巧，應該用更多的時間練習需演奏難點部分的手，這是非常重要的，可以使練習效果得到相應提高。雖然分手練習從表現上看好像是花費了一些不必要的時間，但觀察練習效果可以發現，該方法能夠使兩只手的彈奏質量都得到保證，做到更有成效、更加精細的練習，為學生進行雙手彈奏提供了堅實基礎。由此可見，分手練習并不是可有可無的，它是雙手合練的必要基礎。然而雖然一些學生在分手練習中兩只手都能夠順利的完成彈奏，但在雙手合練過程中卻經常表現出錯指法、錯音等一系列問題。所以必須要認真、仔細的進行雙手合練，不能掉以輕心。在練習新樂曲的開始階段，分手練習無疑是非常適合的，其實即使在雙手合練階段中分手練習的反復進行也是非常必要的。教師應指導學生分手、合手兩種方法交替進行，以便完成練習的整個過程。
3、采用無聲練習法彈奏鋼琴
學生在練習鋼琴的過程中會逐漸形成自己的動作技能，并在該過程中形成智慧技能。基本上每一個學琴者都夢想掌握高水平的鋼琴演奏技巧，所以才將大量時間花費在每日的鋼琴技巧的練習中。雖然這種機械的練習會取的一定的進步，提高動作技能，但是也會引發一些被忽視的音樂問題。目前大多數人在3、4個小時的練琴過程中，一段時間只是機械的讓手指在琴鍵上運動，練習中沒有投入感情去體會。假如將無聲練習穿插其中，不僅能訓練手指，還可以發揮頭腦的思考能力，讓耳朵休息，舒緩精神。無聲練習能使學生對樂曲的理解增強，反映出練習鋼琴的過程中被忽略的細微情感與細小動作，使學生在復習樂曲使達到事半功倍的效果，感悟與理解樂曲的能力提高。用音樂的內在表現、活動的雙手與內在的耳朵承擔全部責任時，就能演奏出更有深度的音樂。
4、采用慢練法練習鋼琴彈奏
慢練法就是像放大鏡，可以擴大樂曲中的所有細節，以便演奏者對音樂中的各個音節都能謹慎注意，它是使全部技術障礙都被克服的根本。來得及準備和來得及想就是慢練法最大的優勢，學生能夠以聽覺、視覺收到的信息反饋為依據，對缺點和不足之處進行調整。采用節拍器約束學生就是一個指導學生慢練的典型方法，使其能以樂譜中正確關系的規定準確認識音符，與此同時使用的奏法和指法也都是符合規定的、正確的。雖然這種方法會減慢練習的速度，但是學生得到的節奏與音響的關系是正確的，能運用正確的指法得到相應的奏法效果。這種方法能避免學生因基礎彈奏方法錯誤在后期要利用大量精力和時間來修正。檢驗角度為練習法時雖能很快開始，但后期效果卻不顯著，慢練法緩慢開始練習，但是能為之后的彈奏創造條件、打下良好基礎。例如教師對于參加考試考級、比賽和鋼琴演奏會的學生需指導其將作品的節奏放慢練習，更好的掌握細節。當學生對音樂作品已經練習練習熟練后，假如沒有將速度適當減慢，并有意識的進行鞏固與加強，那么在技術方面，已經掌握的動作會漸漸模糊，不可靠也不準確，容易在演奏時出現失誤;在音樂表現方面，由于訓練并沒有融入個人意識，表現的鮮明性也會逐漸喪失，不再精巧和細膩。藝術表現的感染力與說服力也會喪失。因此就算能夠熟練彈奏樂曲，教師也應指導學生將速度適當放慢來練習。
5、結語
總而言之，在大專院校的鋼琴教學過程中，各教師應以學生在鋼琴方面的基礎、學習規律以及掌握彈奏技巧的程度為依據有針對性的制定教學方案，選擇合適的教學方法，使學生對學習彈奏技巧和技術的階段性與規律性有充分的認識，使其在練習鋼琴的過程中更加順利。科學的教學方法能使學生更快、更好的掌握彈奏技巧，從而提高教學效率、改善學習效果，實現教學目標。
作者：邵琦惠 單位：武威職業學院
【內容摘要】文章對兒童在初學鋼琴時應遵守和注意的問題進行分析，認為在啟蒙階段應培養兒童學習鋼琴的興趣，注重鋼琴教學中基礎練習的重要性，要求教師和家長相互配合，從而更好的引導兒童學習鋼琴。
【關鍵詞】兒童 鋼琴教學 基礎練習、
如今，隨著我國音樂教育的普及，鋼琴教育也逐漸受到重視。在鋼琴的學習過程中也會出現很多問題，最突出的是忽視鋼琴的基礎練習，這對兒童今后的進一步提高造成困擾，并直接關系到兒童在鋼琴演奏中能否有完美的表現。
一、啟蒙階段
鋼琴已經成為世界各國學齡前兒童音樂教育的首選樂器。兒童是國家的未來，加強兒童藝術教育不容忽視。然而，合格的鋼琴教師人數較少，很多對鋼琴一知半解的教師也開始鋼琴教學，教學方法不得當會對兒童以后的學習產生影響。學習鋼琴不僅鍛煉兒童的大腦、眼睛、手、腳、耳朵和身體的協調能力，同時鍛煉了孩子的記憶能力、閱讀能力、指揮能力、分析能力、想象能力、理解能力和視聽能力。
啟蒙教育是兒童在學習鋼琴過程中不可缺少的階段，直接影響著兒童以后的鋼琴學習。鋼琴教育的啟蒙階段主要是學習基本樂理和手型手指，養成良好的讀譜、視譜習慣。在兒童接受啟蒙教育期間，家長的配合很重要，在兒童獨自練習時，家長要對兒童出現的錯誤及時糾正。成功的啟蒙教育能夠使學生熱愛鋼琴，打下堅實的基礎，向更好的方向發展。
二、音樂理論知識的重要性
對于鋼琴初學者，面對的第一個難題就是識譜。當學生接觸一首鋼琴作品時，教師首要的教學任務就是如何讓學生準確無誤地識別五線譜上的音符信息，而后進行演奏。在經過長期的練習后可以增強學生的視奏能力。背譜是很多鋼琴教師要求學生必須做的。將鋼琴樂譜背下來有利也有弊，利在于背譜建立在對鋼琴樂譜有非常深刻的了解基礎之上，從而能夠全身心地將注意力投入演奏中。但直接背譜很容易忽視作品當中的細節要求，如表情術語、樂句的劃分等，容易出現錯音的現象。準確地把握鋼琴樂譜所蘊含的音樂信息，要從最基本的樂理知識學起，其中作為基礎的五線譜是學習鋼琴，乃至學習音樂的學生必須要掌握的。熟練地掌握五線譜能夠為以后更好的識譜打下堅定的基礎。教師可以讓初學鋼琴的學生了解一些簡單的音樂常識，然后在教學過程中不斷深入的學習樂理知識。
學生在使用五線譜記錄音符信息時，要遵守一定的規則。只要正確地掌握這些基本規則，就可以清晰地識譜，從而能夠準確地彈奏。音符由符頭、符干、符尾三個部分組成。在五線譜中，如果符頭的位置越高，表示該音符的音高就越高，反之就越低。變音記號是用來表示升高或降低基本音級的記號，如升記號（#），表示將基本音級的音高升高半音；降記號（b）表示將基本音級的音高降低半音。對于這些基本的音樂常識教師可以做簡單的講解，隨著鋼琴曲目難度的增加進而向學生傳授更高級的樂理知識。另外，在彈奏鋼琴時，學生首先應將樂譜唱出，再開始彈奏，否則在彈奏的過程中會出現錯音或者停頓現象，從而使整首樂曲的演奏變得不完整。
三、手指技術練習
在彈奏鋼琴時，手型不是一成不變的，應根據學生手指的生理結構和彈奏曲目難易程度而有相應的變化。
（一）正確的手型
彈奏鋼琴正確的手型是手在放松的情況下放在鋼琴上擺出的姿勢。五指要自然分開。在彈奏的過程中，手指要隨著樂曲節奏的變化而變化，而不是一味的保持一個姿勢不動，這樣會造成學生手指變得僵硬、不靈活。因此，在鋼琴演奏中沒有一成不變的手型要求，要跟著樂曲的節奏以及音樂的情感變化而變化，這才是正確的手型。
對初學鋼琴的學生來說，手型是一個基本的要求。正確的手型能夠更準確地彈奏鋼琴鍵盤，將身體的力量傳輸到手指，從而很好的利用身體的力量去彈奏。教師不要將手型姿勢強加給學生，正確的手型要放松手指，而不是將手放在鋼琴上很長時間“耗”著，這會使學生的手變得僵硬，也會讓學生產生對正確手型的誤解，影響學生學習鋼琴的興趣。所以，教師要引導學生去感受手型的位置，從而對學習鋼琴產生更大的興趣。
（二）手指的要求
大多數初學鋼琴的孩子手指還在發育的階段，手指關節還沒有完全成熟，控制能力比較差，在鋼琴上很難保持住正確的手型，手指不能很好地支撐起手掌，從而導致折指，尤其是對于四五指的控制，這些問題是非常普遍的現象。教師要依照兒童手指結構、手掌大小進行鋼琴練習，要讓學生的手隨時保持放松的狀態，每天要有固定的時間來專門練習手指的控制力，但時間不宜太長。
（三）手指基礎練習
手指要具有獨立性和靈活性。要求每個手指都必須有獨立觸鍵的能力，獨立靈活的手指能對各種速度音符進行很好的詮釋。手指要具有力量，十個手指的觸鍵力量是不同的，在訓練時要區別對待，要求十指要具有相同的觸鍵能力。
結語
鋼琴的基礎訓練是非常重要的，也是不可缺少的。加強基礎知識的練習，是鋼琴學習的重要組成部分。作為鋼琴教師，要掌握科學的訓練方式，具備高度的責任感，從而培養出優秀的鋼琴演奏人才，更好的詮釋音樂作品。
作者單位：齊齊哈爾市查哈陽農場初級中學
【摘 要】本文從結構內容、進度安排、音樂性等方面入手，對《拜厄》的教學方式及運用進行論述，意在對《拜厄》的學習起到促進作用。
【關鍵詞】拜厄鋼琴練習曲；演奏技術；教學方式
《拜厄鋼琴基本教程》是專門為鋼琴初學者而編寫的一本淺顯易懂的鋼琴教材。
教材采用高音譜表入門法，從“右手觸鍵練習”開始，采用一指入門，逐步擴展至二、三、四、五指。《拜厄》的第一部分是音樂入門知識。這一部分主要包括一些音程、音符、時值、拍子、拍號以及半音和休止符等基本樂理知識，并且在書中附有六個八度的鋼琴鍵盤圖，在介紹相關知識時，運用鋼琴鍵盤圖來說明，使學生在學習的過程中更為直觀。給鋼琴初學者識譜帶來了很大的幫助。在講到音符時值等方面，書用運用了圖表，直觀性很強，更為淺顯易懂。
《拜厄》的第二部分主要是為觸鍵做的準備練習，訓練初學者的手指動作，訓練每一個手指在演奏中要的獨立性和果斷性。這一部分中包括左手、右手的單手觸鍵練習，雙手的觸鍵練習，還有與教師配合，分單手和雙手共同演奏的變奏曲和練習曲。并且在這一部分的練習中加入了邊彈作品邊數拍子的方法，更好地培養了學生的韻律感和節奏感。在兩首變奏曲中，還有加入連音線的樂句，訓練學生在演奏時要注意連貫，學會在觸鍵時體會重心的轉移。要求每一個手指在觸鍵時要高抬指，下一個音觸鍵以及前一個音抬起時必須要同時進行。從作品的第三首開始，就注重引導學生雙手配合，其中的第三首至第七首訓練演奏時雙手的平行進行，第八首至第十首開始訓練左手彈奏固定低音，右手彈奏旋律。
《拜厄》的第三部分是雙手的技巧性練習，從第十二首到第一百零九首，這一部分是教材最主要的部分。結構安排計進度上都有著非常強的邏輯性。從最開始將五個手指順序的放在C――G音上，到逐漸轉移到C――D音上，再后來轉移到A――E音上。這樣的安排方式也運用在雙手的配合上，這種訓練不僅可以拓展雙手演奏的音樂，同時還能訓練雙手演奏的獨立性。在作品中還運用了高八度的重復和音階，這樣使得五個手指的演奏得到了很自然的拓展。在學習全音時值方面，同樣是運用循序漸進的原則，先學習全音樂、二分音樂，逐漸加入附點音符，再到八分音符和十六分音符。
在《拜厄》中，針對幼兒設定出了十一類循序漸進的技巧內容，第一類是在固定的位置進行彈奏，例如第十二首，練習時讓身體保持正確坐姿，手臂自然放松，學生可以非常輕松地演奏，這樣可使幼兒全身心的控制手型、手指以及作品的節奏。第二類是和弦伴奏音型的彈奏，第三類是雙手平衡發展的練習，第四類是雙手“落―提”訓練，第五類是音階式彈奏方法的訓練，第六類是雙音彈奏練習，第七類是變化音及裝飾音的彈奏練習，第八類是音樂節奏練習，例如第八十八首，這首作品中，學生要掌握附點音符的時值及強弱，并且高中低音區的對位必須嚴謹，這樣可以培養幼兒對節奏肢體的認知；第九類是半音階的彈奏練習，第十類是流暢性的彈奏練習，第十一類是小樂曲彈奏練習。《拜厄》作為技巧性練習為主的教材，的確為初學者提供了比較系統的練習內容，作者在前言中也明確指出，“本書的對象是兒童，是鋼琴學習的簡易入門教材，因此，書中的課程安排也盡可能的循序漸進，但一無遺漏地解決鋼琴彈奏上遇到的所有難題，不屬本書的范疇。”①
《拜厄》在訓練演奏技術方面，有著非常重要的地位，但它所體現出的音樂性也是值得好好研究的課題。不能將《拜厄》的練習視為枯燥的、無味的技術訓練，這樣很容易使學生成為練琴的機器。如果將技術訓練變成單純的敲擊鍵盤，不僅不能提高技術水平，反而會影響學生的思維，使他們失去對音樂中美的享受。培養學生科學的練琴方法并養成他們的良好習慣十分重要，看到孩子的進步要多贊美，保持孩子的興趣。在教學中，要讓學生學會用耳朵聆聽，通過聆聽讓他們感受音樂，浸潤心靈，從而激發學生們的創造性。并且讓孩子學會歌唱和舞蹈，通過歌唱和舞蹈來表達內心，這樣能更好地把握音樂的內涵，為鋼琴演奏帶來莫大的好處。為了適應21世紀世界鋼琴藝術的發展潮流，我們不僅應該學習世界優秀的鋼琴文化，吸取國外先進的教學經驗和教學方法，更要積極地發揚中國優秀的傳統文化，促進中國鋼琴教育事業的更大發展。
作者簡介：
王 雨（1981-），女，籍貫：遼寧沈陽，研究方向：鋼琴表演，單位：廣西師范大學音樂學院，2013級碩士研究生，專業：學科教學。
摘要：鋼琴教學是一種較為龐大的音樂教育活動。近年來，我國許多鋼琴教育工作者在依據不同的學生進行有針對性的實踐分析和理論研究。許多鋼琴教育文獻也開始建立起較為完整的教學設計和教學模式。
關鍵詞：幼兒鋼琴 興趣 基本功
一、幼兒在鋼琴學習中的優勢與劣勢
幼兒的心理發展可分為前期與后期。
前期，0歲到3歲。這一時期，孩子的運動能力發展非常快，但這一階段處于沒有自我意識的狀態，也沒有抽象思維能力，所以，在前期不能進行高級智力活動。
后期，3歲到6歲。這一時期，記憶力開始逐漸發展，注意力的集中能力方始具備。
（一）幼兒在鋼琴學習中的優勢
1.有足夠的時間接觸音樂
幼兒在學習鋼琴期間沒有其他的學習壓力，可以邊玩邊學習有關的鋼琴知識。而隨著孩子年齡的增大，學習壓力也會相應的增加，學習鋼琴可能就不會全身心地投入了。
2.有益于手指能力及手掌關節的發展
具備較長的手指和較寬厚的手掌是學鋼琴較為理想的前提。在通過初期的練習，在孩子成長過程中漸漸打開孩子的手掌關節，使其手指賦予靈活性，可以為今后打下良好的底子。
（二）幼兒在學習鋼琴中的劣勢
1.注意力集中時間不長
幼兒的注意力最多只有二十分鐘，他們往往學琴會有始無終，只會在自己感興趣的情況下才會練習一下，過多的重復練習會讓他們覺得枯燥無味，從而注意力開始不集中。
2.控制手指的能力相對較弱
幼兒的思維能力并不成熟，所以對自己身體的控制能力并不是很好。他們的手指無力，對手型的支撐并不能很好的堅持。為了彈響琴鍵，往往要調動手腕的力量去壓鍵，從而就會改變手指觸鍵的部位，手指關節的塌陷。
二、在教學中如何激發幼兒鋼琴學習的興趣
良好的開端等于成功的一半，而興趣是成功重要的推動力。幼兒只有真正的音樂感興趣后，才會全身心的自動參與到學習中來。但在教學中如何將這短暫的興趣發展成為持久的學習熱情呢？這時我們就可以采取一些適當的方法來慢慢引導。
（一）選擇適當的幼兒音樂教材
美國現代心理學家布魯姆指出：“學習最好的刺激乃是對學習的材料發生興趣。”幼兒時期，孩子往往會對帶有插畫，有色彩，有故事的圖書產生興趣。例如《約翰湯普森?簡易鋼琴教程》，在這套圖書中，有大量圖片，編者把圖片與五線譜結合起來，對孩子在彈琴時進行引導。由于每首樂曲都有自己的標題，很容易激發幼兒豐富的想象力，并且豐富的色彩，較大的音符，閱讀起來也比較方便，這一類教材幼兒都比較喜歡。
（二）運用孩子自身的想象力和語言的趣味性
在給幼兒的教課中，怎樣與孩子溝通是重要的。這一時期，幼兒的語言水平不成熟，可以清楚地表達自己思想的詞語不多，而教師的一些專業的音樂術語孩子可能完全不會理解，這就會造成一個“講不清楚，聽不明白”的上課局面。所以，教師在這個時候就要運用“兒童語言”去講解，運用生動有趣的語言，并且語速要緩慢，再配合適當的肢體語言，能時刻吸引他們的注意力，使其能聽清楚聽明白，密切地參與到教學過程中去，激發他們學習的興趣。
1.專屬于孩子的音樂時間
一些家長在督促完孩子練琴后，自己卻去看電視、上網，這時孩子的好奇心早就跟著家長去“看電視”了，他會覺得練琴是剝奪看電視的時間，從而沒有心思去練琴，時間長了可能會帶著抵觸情緒去練琴。
2.挑選適當的練琴時間
練琴時間的選擇制約著孩子的熱情、孩子的學習興趣。
興趣，可以促使孩子去主動的學習鋼琴，他能促進，推動孩子在學習中的探索精神，從一種“要我學琴”的狀態轉變為“我要學琴”的狀態，這樣的話，在鋼琴的教學和學習中，教師、家長和學生就會愉快、輕松的進行。
三、幼兒在學習鋼琴中基本功的練習方法
在幼兒時期，孩子的思維水平還不是很成熟，所以較高難度的鋼琴作品無法去完成。這一時期孩子的可塑性和模仿能力相對較強，所以對于孩子在鋼琴學習中，基本功的大量練習是很有必要的。
（一）手型
“手型”這一詞語，對于孩子和家長一定并不陌生。幾乎所有的孩子在上第一節鋼琴課時，都是從“手型”開始的，家長在初期的陪練時也會較多的關注手型。
手型是我們彈琴時最基本的形態，在教學中，我們可以用最直觀的方法，讓孩子的小手握住一個蘋果、抓住教師的手腕等等一些方式去做準備，孩子也會非常容易的理解。在練習過程中，教師和家長應當多多提醒孩子手指關節的突出，手掌不可外翻，手指不能掉鍵，這個過程可能會持續的時間較長。
（二）五指獨立性的練習
《哈農鋼琴練指法》這本書對于大家能并不陌生。的確，這是一本練習五個手指獨立性很不錯的教材，但對于幼兒來說，這并不適合。幼兒在學琴初期，作品往往只有幾個小節，音符度數基本在五度之內，所以就要選用一些簡單的練習模式。
在練習過程中需要注意的是：慢練，控制好速度。孩子在彈幾遍后，往往覺得熟練了，便會加快速度，不再注意觸鍵和手指的支撐，反而不能達到手指練習的目的；多用耳朵聽。讓孩子自己用耳朵去聽辨自己在練習時，每個音符的時值和速度是否平均。
（三）節奏感
節奏是音樂的脈搏，是音樂的生命。
幼兒在鋼琴學習中對于音符的時值沒有多少概念，在彈琴時，按照自己的喜好，想彈多長就彈多長，最后會導致樂曲不成樣子。
在唱完譜后，先讓孩子進行單手練習，保證在彈奏時，音符的時值能完整的保留，然后在雙手配合起來，一般左手的音符少，時值長，左手彈奏一個音，右手要配合多個音，在彈奏前就要讓孩子在譜面上標注出來是哪幾個音對應哪幾個音，只有這樣，孩子才能明白樂曲的節奏是怎樣的。
（四）指法
鋼琴的鍵盤上共有88個鍵，而我們只有10個手指，我們就要運動合理的指法。基本功的練習需要較長的時間，而且過程也會比較枯燥無味，教師和家長應當多多的鼓勵孩子。而基本功只有運用到樂曲和練習曲中才能得到檢驗，得到進一步的提高。
四、結語
面對幼兒的生理和心理特點，我們在教學過程中發現了種種問題，探究、改進教學方法，使孩子在學琴道路上少走彎路。在幼兒的鋼琴教學中并沒有復雜的音樂理論，對于他們最重要的就是興趣的培養，興趣的一直存在才有利于他們在以后學琴道路上的堅持，他們才能更好地融入于音樂，在音樂的世界里無限徜徉。
【摘要】鋼琴演奏是一門藝術，是體力勞動與腦力勞動互相綜合的活動，演奏者必須具備相當高的技術，而手型手指的基本功練習是鋼琴入門階段的基礎，也將貫穿在整個鋼琴學習過程的始終，對學生今后更高層次的鋼琴學習和對鋼琴的理解與態度都起著重要的作用，不可小視。為此，本文分別從基礎中的基礎、手型手指特點、手指獨立性培養和手指基本彈奏動作幾方面進行了基礎教學的探討。
【關鍵詞】鋼琴教學手型手指基本功練習
隨著人們對精神文化需求的增長，大量的人們在學習鋼琴，可有所成就的比例少之又少，大部分家長與學生的要求是讓學生在最短的時間內達到一定的程度去，去適應社會考級，甚至要求速成。如果老師真按照這類家長和學生的心理要求教學，造成的后果往往是基本功練習的欠缺，以致根基不穩。一番階段性練習過后，教師卻無法引領學生進入更深的層次，使很多學生不得不遺憾的終止了鋼琴的學習。因此，手型手指的基本功練習對學習鋼琴十分重要，不容忽視。
一、鋼琴學習中手型手指基本功的相關闡述
彈鋼琴的手型，是幾百年來人們經驗的總結，有其科學性，在學習中要遵循這種規律，另一方面，學習過程中如果手型過于固定，死板，也會產生另一種偏向，因而對手型的要求也必然更自由。有一個好的手型，關鍵是指掌關節五指指關節的站立。手腕與黑鍵鍵面基本保持在一個水平高度，掌關節站好并略突起，使手掌成拱形。保持手型，主要靠大指和小指的支撐，這兩個手指的形狀和位置不同于其它手指，大指短而粗，小指細而小，它們都位于手掌的外側，容易躺著觸鍵，致使手型七扭八歪。如果它們能站好，那么基本手型也就容易保持。
客觀上講，鋼琴演奏中沒有某種固定不變的手型。“幾乎任何一種手的姿勢都可以行得通，只要是這種姿勢合適，符合手的構造，符合音樂組成的高低起伏，更重要的是不破壞動作的統一。”然而，對于初學鋼琴的孩子，正處在學習鋼琴演奏的基礎階段，我們又非常強調培養一種正確的基本手型。這是因為，為適應鋼琴鍵盤的排列結構和彈奏技巧，需要人的手和手指具有一種有利于彈奏動作和彈奏力的運用與傳送的正確狀態。這種狀態要最符合人手的天然長勢和手指動作的生理機能（也就是人類最放松時的手型，比如睡覺時手的形狀）。于是，我們把這樣一種手的彈奏狀態叫做基本手型。我們在入門和基礎階段強調的所謂正確手型，從某種意義上來講，不可視為絕對的、一成不變的東西。希望家長們了解這一點，不要把某種手型，或者說某種基本手型視為一種絕對的東西，認為只有某一種手型才是正確的。
二、兒童學鋼琴常見的困難與對策
兒童未經訓練的柔弱小手在不具備彈奏需要的肌肉能力時、極易形成彈奏手型的不良姿勢和不良動作習慣。對種種不良手型，不在此一一例舉。概括起來，不良的手型主要表現在兩個主要方面：
首先是指甲關節（通常稱第一關節）和掌關節（通常叫第關節）塌陷呈凹狀，這個問題的主要危害是不能獲得正確的發音、以后會影響到手指快速跑動。
其次是出于弱指的軟弱使它們在站立和彈奏時會產生某些手指的多余動作和多余緊張。它可能表現為某些手指相互依靠、或某些手指伸直、卷曲等。這會直接影響正常彈奏，造成彈奏的不均勻、僵直生硬和能量的浪費。
糾正不良手型主要依靠加強手指的獨立支撐能力來解決。用一個極普通的例子可以說明：凡站立有困難或缺陷的人、走路的姿勢必定不正常，出怪相。手指也是一樣，只有當肌肉能力發展到每個手指不依賴其他手指幫助而獨立支撐，不牽動其他手指產生多余動作和多余緊張而獨立動作時、基本手型就形成并真正得到了鞏固。
1、如果孩子掌關節凹陷，可把一只乒乓球放進絲襪中，綁在孩子手上（球在手心部位）再彈琴，這樣堅持一段時間，會有一定的成效。
2、讓孩子雙手十指相對作抱球狀，每對手指不停地做分開、相碰動作。（但手指必須是自然彎曲狀）。
3、也可將以上兩種方法結合起來，將雙手分開平放在桌面上，十個手指不停的輪番敲打桌面，也能達到訓練目的。
4、找一些簡單抒情、指法不太復雜的樂曲慢速彈奏，要求孩子彈每個音的手指動作都要達到標準要求。
三、培養手指獨立性，適應鋼琴彈奏的需要
鋼琴演奏的基礎是手指，手指的基礎在于手指的獨立支撐，手指的支撐是站立式鋼琴彈奏的基礎。長期的教學實踐與觀察中，我發現，很多教師或者學生沒有把手指支持的訓練放到一個重要的位置，以至于為日后的演奏帶來很多的問題和麻煩。我認為在鋼琴入門階段，手指的獨立支撐訓練要占據一個非常重要的地位，要作為一個專項予以足夠的關注。手指的支撐是相對的，并不是絕對的。手指是支撐手臂的支架，但手臂又是身體傳導力量的橋梁，他們相互作用并牽制著。以下是對每個手指的逐個分析：
1指的特點，有些學生彈一指時掌關節不能支撐，一承受重力就會塌陷，必須加以糾正，通過外力讓關節凸出。經過一定時間的訓練，肌肉能力增長了，慢慢可以恢復。這個階段切不可急于求成，無所顧忌地錯誤訓練。
2、3指的特點是比較有力，但第一關節比較薄弱，容易塌陷，所以要十分注意。
4指是最不靈活的手指，力量比較弱，未經訓練的4指往往依賴于其他手指，不夠獨立。如忽略其特征而非不斷加以糾正，力度便無法集中。所以，在練習中要堅持正確的鍛煉，并給予特殊的關注。不可急于求成，欲速則不達。
5指是最為柔弱的手指，支持力最差，所以我們見到很多學生都是讓5指躺著彈奏，這時，教師一定要加以指導。小指的關鍵在于第一關節與第三關節的凸起，教師可以讓學生練習之前把正確姿勢擺好，而后堅持幾分鐘。日積月累地訓練后，肌肉的力量增強了，小指的支持問題便迎刃而解。
五個指的不同特征，造成了它們容易形成不同的毛病，但我們應確信，經過認真訓練，不急于求成。完全可以改掉毛病，養成各自的彈奏獨立性，使手型規范，以適應鋼琴彈奏的需要。
手指獨立了，支撐力強了，接下來就可以讓學生學著在琴鍵上“走路”了。斷奏相當于孩子站穩了，開始邁步的時候。抬腳相當于提腕，提腕的力量來自于手臂的肌肉，手腕要習慣放松，手臂手腕要協調，接下來就是降落的過程，自然地降落。降落后的手指保持的姿勢就是前面提到的獨立。彈琴的手指獨立地支撐，做好基本的手型。這個過程非常關鍵，一定要體會手指的支撐與肩、肘、腕以及身體的放松。必須完全達到要求，才可以繼續以后的課程，不可急于求成，這個階段是基礎階段，一旦形成不好的毛病，便很難改變。
四、結語
孩子彈琴時手型不標準并且很難糾正，或是糾正后又不能保持，幾乎所有學琴的孩子都遇到過這個問題。關鍵是在初學鋼琴的早期，就應注重正確手型的訓練，如果讓一些不良習慣養成便會根深蒂固，即使日后努力糾正獲得成功，也難免今后還會在無意間再度恢復，給日后的繼續學習和提高演奏技巧造成重大障礙，所以這也是最令家長頭疼的問題。小孩子正處于成長發育期，指骨、肌肉、韌帶還都十分柔嫩，缺乏力量，所以作為家長，切不可指望在短期內就能讓孩子練好手型。必須要耐心地幫助孩子，不厭其繁地提醒孩子注意保持手型。
摘要：對于鋼琴學習者來說，選擇正確的練琴方法，從而有效地提高演奏水平，是一個極其重要的問題。針對鋼琴練習中存在的普遍性問題，文章闡述了科學的練習方法，意在使學習者懂得用腦練習的重要性，針對自己在練琴過程中存在的不足找到適合自己的練習方法，從而解決問題，提高練琴效率。
關鍵詞：提高；練琴效率；有效方法
鋼琴演奏是一門技術種類繁多、技巧性極強的藝術，艱苦反復地練習是每一位鋼琴學習者學習過程中極其重要的環節。對一名鋼琴學習者而言，尋求和遵循正確的練習方法是至關重要的。怎樣練琴才能提高效率、收到良好的效果是每個學生所關心的問題，亦是本文討論的主要問題。下面筆者將從以下四個方面進行闡述。
1.重視課后的第一次練習
許多學生不重視課后的第一次練習，認為上完課就萬事大吉，以至于"突擊"時才發現老師課上講的內容已經忘了一大半，所以，學生在課后應盡可能在最短的時間內復習上課內容。上課時老師必定會指出學生演奏中的一些問題并對演奏方式提出建議，所以，在課后第一次練習時首先要認真地瀏覽一遍樂譜，在瀏覽的同時回憶上課時老師的講解，再加上自己的理解，動手在譜面上做詳細的標記，然后再進行練習。在練習過程中要求慢速練，邊看譜，邊看標記，邊動腦，手、腦、眼并用，反復練習幾次，這樣有助于及時消化上課內容。而對于新布置的曲子，在課后的第一次練習中需要注意的是不要打開樂譜馬上彈，首先要回想老師在課上講到的對曲子的要求和需要掌握的技術難點以及練習方法。急于先動手而不動腦的練琴習慣是不可取的。
2.全面讀譜
我們要完成一部鋼琴作品，讀譜是第一步，也是最基礎最關鍵的一步，認真識譜，在腦海里留下一個正確的初步印象可以避免走彎路。拿到一首新曲子，首先，我們應該通過讀譜去思考一下樂曲的作者、創作年代、創作背景以及作品的風格類型，以便于對作品有整體的印象，在練習過程中就不至于偏離風格。其次，要注意譜面上的各種音樂表情術語、力度標記以及速度變化標記等，挖掘隱藏在這些術語之中的音樂形象以及情感定位，這樣有利于彈奏者把握樂曲的情緒與風格，準確無誤地表達作曲家要塑造的音樂形象，力求達到作者的要求。再次，要仔細讀譜面上的細節問題，比如指法、節奏等。最后，在讀譜時，除了上述內容，還要注意從作品的調式、調性、和聲、旋律等方面去仔細研究，分析作曲家樂思的豐富內涵，才能對作品有更深層次的認識，并盡可能完美地演繹出來。
3.規范并固定指法
指法的運用是否合理，對完成作品起著重要的作用。在練習過程中，應該在一些自己認為指法容易混淆的地方標明指法。很多同學認為這是小兒科，對此不屑一顧，其實并非如此。舉一個身邊的例子：有兩個同學同時彈一首曲子，其中一個識譜很快，一個上午便能雙手合下來，然而去琴房聽她彈時，發現她幾乎每一遍的指法都不一樣，而且十分別扭；另一個同學剛開始彈單手，在樂譜上寫滿了指法，編得亦十分順手、易彈。兩周后，這個同學的曲子順利通過，而前者卻還在改指法的過程中……因而若想提高練琴效率，標明并固定指法是十分重要的。 最好在視譜階段即記下正確的指法。有些樂句需要考慮幾種指法，可以參考不同版本中編者所注明的指法。因為樂譜上標記的指法是經過作曲家深思熟慮，并且有一套科學規律的。千萬不要任意更改指法。當然，如果譜上所標的指法的確不適合演奏者本人，這時彈奏者可以根據自己的手指條件寫下一個適合自己的指法。
4.分解練習
分解練習就是將曲目分段、分句、分手、分聲部甚至以小節為單位進行反復練習（切忌從頭到尾一遍遍地彈奏，那是事倍功半的做法）。每首曲目有它不同的結構，有點曲目聲部不多，織體簡單，一般為一個旋律聲部，一個伴奏聲部。即左右手各彈曲目中的某一個聲部。例如，在初級階段的《湯普森》、《拜厄》、《車爾尼599》中部練習。而有的曲目則聲部多，織體復雜，一只手往往不止彈奏一個聲部，有可能彈奏兩個或更多的聲部。像這種情況，就必須以單手的良好演奏來做保證，即采用分手練習、分聲部練習。這樣才不至于出現混亂，導致于彈奏的含糊不清，毫無層次感，缺乏音樂性、表現性。例如，大家都熟悉的巴赫的三部創意曲第四首。我們不難看出，其上聲部是由右手來彈奏，下聲部是由左手來彈奏，而中聲部則是由左右手的相互交替來共同完成。要將這個中聲部彈奏好，要靠左右手的密切配合，注意兩手的交替不能出現痕跡，就像是一只手在彈奏一樣。當每個聲部都準確流暢的完成后，在將各個聲部綜合起來進行合練。在合練時，還應該先練其中的兩個聲部，如上聲部與下聲部、上聲部與中聲部或下聲部與中聲部。當兩個聲部配合好了，再進行所有聲部的配合練習。在練習的過程中，嚴格做到音位不錯、節奏準確、指法不錯并固定、奏法規范、表現力到位等等。否則，效果肯定是不會好的。
5.聽覺訓練
這里所說的"聽覺訓練"是指傾聽音樂作品結構、音色、音響效果等方面的訓練，而并非視唱練耳課中那種關于音高、節奏等的聽覺訓練。鋼琴音樂是聽覺藝術，要想使演奏的音質及音樂的表現力得到完善，在練琴過程中學會傾聽自己的音色是至關重要的。這種敏銳的聽覺不是天生的，而是長期訓練出來的。要有敏銳的聽覺能力，首先要有傾聽的習慣。這種習慣產生于內心的情感，只有內心對作品的音樂形象、整體風格有了一定的理解時，才會有對聲音的追求和設計。有了想法再去聽細節問題，比如，要聽彈出的每個音的音色是否達到要求；聽彈出的音的時值、音的高低是否絲毫不差；聽彈出的聲部線條是否清晰平衡；聽彈出的音量、音色是否均勻統一，并隨時根據聲音來檢查和調節自己的彈奏方法。如果學生會運用聽覺來指導自己練琴，不再是手指盲目的機械動作，就會更加有目的性，大大提高練琴的效率。
鋼琴的練習必須遵循科學的方法，上述幾種方法并不是截然分開的，應當把它們與實際情況結合在一起并靈活運用，不斷地探究、認識、發現并解決問題，苦練加巧練，保證練琴質量，從而提高練琴效率。
摘要：鋼琴教學過程中如何讓學生在練琴后能達到較好的學習效果，需要指導學生運用合理科學的練習方法并通過這些方法使學生養成良好的練習習慣，提高練習的效果。
關鍵詞：鋼琴；練習；方法；提高
鋼琴練習是需要學生通過反復重復練習并形成演奏技能的艱苦學習過程。它能培養學生克服困難，做到自我約束、始終一貫的認真學習。那么鋼琴練習的方法是非常重要的，科學的方法就更為重要。由于鋼琴的演奏技法要求高，所以學生在練習上就要花費較多的時間和精力。學生在鋼琴練習中方法不同，達到的效果也就各不相同。所以，教師在教學中要用科學的練習方法來指導學生，使他們能夠較好地運用，逐步形成適合自己的有益的練習習慣。[1] 那么適合學生個人又合理科學的練琴方法不僅可以提高他們的練習效率，更能提升他們的耐心和持久力。
1 鋼琴練習的壞方法
1.1 從頭至尾數遍數練習
有些學生在鋼琴練習時，一遍一遍的重復彈奏，彈錯了或者沒練熟都從頭練習，而不去用頭腦想該怎樣練。長時間的壞習慣逐步養成，以至于重復練習很多遍也沒有較好的效果。很多學生在練習時都是從頭到尾不斷地彈奏，這樣練習看似認真，實際上效果不大，容易產生沮喪心理。做為教師，對于學生的這種壞習慣一定要糾正，不能繼續這樣的練習，繼續的話只是在耗費時間，浪費精力，頭腦沒有思考，彈奏出來的音樂也是麻木、機械的。所以練習前要地設計好應該如何練習？怎樣練習？做到有方法，出效率。
1.2 沒有音樂感覺的練習
部分學生練琴只是在完成教師布置得任務，認為練習熟練就可以了，彈對音和節奏就行了，對作品的音樂感覺不加以重視，樂曲彈奏出來的感受力和表現力一般。雖然好的音樂感覺是天生的能力，但通過訓練和培養也是可以得到提高的。這在鋼琴教學中也是比較重要的任務。教師可通過引導啟發學生對音樂的感受能力來提高和改善學生的音樂修養和審美，做到用心去練習。
1.3 不用耳朵機械的練習
學生在練習鋼琴時都是做到如何將作業練得熟練些，基本不使用自己的耳朵去聽下自己彈奏的是否悅耳？很多學生練琴時在比拼聲音有多大，速度又多快，不去想象彈奏的音樂應該是什么樣的音色和感覺。機械的練習致使很多學生沒有用耳朵去傾聽的習慣，手指跑動快了，耳朵卻變得麻木了。只有做到學會傾聽，手指與頭腦才能協調，聲音效果就能得到改善，手指彈奏技巧自然就進步了。
2 科學的練習方法
2.1 慢快分合
慢練是解決技術難點的主要方法，它可以減少彈奏錯誤，讓技術水平練習的較為穩定和扎實。學生在練習新的音樂內容時，首先必須慢速練，這樣眼睛和頭腦可以及時地注意到樂譜上的各種音樂要求；其次在扎實的慢速練習后便可進行稍快的練習，之后還需要慢速與快速結合的練習。
分手練習使學生能準確地正確的按樂譜要求演奏。如樂譜中的多聲部就更需要學生分手練習，這樣不僅可以平衡兩只手的能力，更能加強手指對多層聲部的演奏。分手練習比較熟練后，合手練習時音樂就會較完整和流暢，和慢快練習相同的是，分手與合手也是需要進行循環反復的練習。所以慢快分合都是為了學習者能夠在練習中達到作品的要求，減少練習錯誤，讓演奏做到輕松自如。
2.2 先易后難
一首音樂作品的技巧難度很少會呈均勻分布狀態。[2] 練習時先練習簡單的，其后再練習較難的，由淺入深、層次分明的進行。簡單的練習可以使人得到放松，手指彈奏業能做到相互協調。一首作品里難點的地方總有幾處，這樣的難點必須單獨進行練習，做到慢快分合，對難點的練習要積極地堅持每天重復并有質量的去練，只有加強對重難點的練習并集中的反復訓練，就能克服手指的不足，得到較好的進步。所以，不論是基本練習，或是樂曲，都要做到先易后難，合理分配時間，有利于消除彈奏緊張，能提高學生的自信。
2.3 新舊結合
古人云：溫故而知新。學生每周在練習教師布置的新內容后，盡量留出一些時間對已經學過的練習曲或樂曲進行選擇性復習。復習可以強化已經學習過的知識，更能鞏固對知識的記憶。進行及時復習或集中復習是非常必要的。已經學習過的練習隔一短時間復習的話會比當時練習的時候要輕松一些，還能及時檢查學習漏洞，將當時沒有完備的知識和技巧表現鞏固的更好，舊的內容與新內容結合練習。能使學生將音樂知識系統化，保持了音樂學習的連續性，提高了練習和學習的效率。
3 練習方法的實施
3.1 充分的時間
鋼琴練習需要合理充分的運用時間，并根據練習內容安排時間。練習是一件非常勞力勞心的事情，每天都需要保持相對集中的時間進行練習，不能練一天休息一天，只有每天練習才能有進步。練習時間的長短因人而異，注意力集中的情況下能練多久就多久，有些人可能一小時，有些人可能3～4個小時。只要能堅持固定練習并把它變成一種習慣，每天都有保持一定時間量的練習，那么我們的練習也一定能收到好的效益。由于人對任何事物都很容易產生興趣，也會很快失去興趣，那么鋼琴練習上就更需要做到自我控制、自我調節，每天安排好練琴時間并堅持下來，就能取得進步。
3.2 堅韌的毅力
鋼琴練習是持久艱苦的往返練習，必須刻苦勤奮，更是對學生毅力的考驗。必須要有較好的自我約束能力來堅持每天進行練習。只有經過一句一句的慢練，做到按節奏練習，嚴格遵守書本指法，從單手練習到雙手練習再到樂譜的背奏，是一個不斷反復的過程。這樣的過程是需要用毅力來堅持做到的。堅持下來了，就會有豐厚的回報。此外我們還需要不間斷的，用科學的方法進行持續的技巧練習，在持續練習中培養學生的毅力和耐力以及堅強的品質。在練習中，必須要通過無數次的反復重復彈奏，直到對學習中的一項技巧的完全掌握。這在練習過程中還需要用耳朵來聽，用眼睛仔細的看譜，找到音的準確位置，這些都是對學生耐力和意志力的極大考驗。
總之，以上所說的科學的練習方法是互相作用，不可分開的。學生可以根據自己自身的情況進行靈活運用，認真地分析各種練習方法，找到最適合自己的練習方法，也才是最科學的方法。
練習曲對于任何一個從事器樂演奏專業的人來說都是一條必經之路，鋼琴演奏者就更不例外了。自鍵盤樂器誕生以來，各種各樣的練習曲就應運而生。隨著300余年的鋼琴藝術發展道路，練習曲也經歷了一個漫長的演變過程。從克萊門蒂到車爾尼，從肖邦到普羅科菲耶夫，直至當代作曲家利蓋蒂，鋼琴練習曲見證了整個鋼琴藝術的歷史。（本文所研究的練習曲并不包括如勃拉姆斯、飛利浦、哈農等作曲家為鋼琴而作的單純技術上的“鋼琴手指練習”。）
總體來說，鋼琴練習曲從風格上可以分成三個不同時期的三種不同類型：1.古典樂派時期。以克萊門蒂、克拉默、車爾尼等作曲家的作品為主，其風格較貼近古典鋼琴作品的奏鳴曲和協奏曲，且技術目的明確，通常都會在巴洛克和古典鋼琴作品以及部分浪漫派鋼琴作品中得到延伸；2.浪漫樂派時期。以肖邦、李斯特、舒曼、門德爾松為首的浪漫樂派作曲家在古典練習曲的基礎上加入了多種多樣的音樂元素，使其成為了真正意義上的藝術作品，卻保留著古典練習曲寫作中技術性明確這一重要特征，無論從鋼琴演奏技巧上還是音樂藝術表現上都大大提升了鋼琴練習曲的難度，步其后塵的還有德彪西和斯克里亞賓，其練習曲風格都獨辟蹊徑，直至拉赫瑪尼諾夫的音畫練習曲，已經把抽象的音樂語言上升到表象的繪畫藝術，甚至能夠讓人們產生一定的虛擬視覺印象；3.現代派練習曲。繼拉赫瑪尼諾夫之后，可以說練習曲已經失去了其原來的意義。普羅科菲耶夫、斯特拉文斯基等作曲家已經沖破了傳統作曲觀念，把以練習鋼琴技術為目的的練習曲變成了充分展現自我個性和作曲技巧的鋼琴炫技作品。更有甚者把經典的肖邦練習曲改編成了幾乎無人可以勝任的超難度練習曲，如波蘭著名鋼琴家戈多夫斯基。當代創作的練習曲更是多種多樣，其中還有以利蓋蒂的《魔鬼階梯》為代表的無調性超難度練習曲，令大部分鋼琴學習者望而卻步。
本文所要探討的內容就是在高師鋼琴教學實踐當中，讓學生重新認識古典練習曲的意義和價值。以車爾尼的鋼琴練習曲為例，每一個專業學習過鋼琴的學生都對其再熟悉不過了。也許有人會認為這是老生常談，但在做出這樣決定的同時，做一個簡單的測試：檢驗一下學生中目前有幾個人能完整無誤地背奏或者分析5首以上車爾尼740鋼琴練習曲呢？在音樂學院學習鋼琴專業的學生是以表演為目的的，彈奏車爾尼練習曲對其來說更多的是獲得演奏技術的手段與過程，在掌握了足夠的演奏技巧，也就是“彈會了”以后，車爾尼練習曲在他們之后的演奏生涯中意義已經并不那么重大。而高師鋼琴專業學生學習車爾尼練習曲的目的則不同，我國師范類院校重點還是以培養中、小學教學人才為主，而目前專業音樂類中、小學（如音樂學院附屬中小學）在全國還屈指可數，那么在普通中、小學校，提高音樂教育的專業性就成為了當前高師鋼琴專業學生的重要任務之一。每一個高師音樂生都應該具備良好的專業素養，以便在將來的教學生涯中得以運用，而通過對車爾尼等古典練習曲的系統學習和研究恰恰可以實現這一點，從而對于每一個有可能走上專業道路的青少年鋼琴學習者給予必要的幫助和啟發。筆者作為一名有17年教學經驗的高等師范院校的鋼琴教師，對此發表一些新的看法。
一、古典練習曲演奏技術以外的教學內容
針對古典練習曲的演奏技術、技巧等課題的研究成果在今天已經層出不窮。我國鋼琴基礎教育近年來也逐漸在國際上得到承認，甚至于每一個合格的鋼琴教師都有一套如何在練習曲中獲得彈奏技巧的方法。但除此之外，人們也常常忽略了鋼琴練習曲對于音樂本身的練習內容。所謂練習曲，并不單單是手指機能和技術技巧的練習，這也是鋼琴練習曲區別于鋼琴手指練習的明顯特點。首先，古典練習曲在曲式上往往采用A―B―A的簡單三段式寫成，其結構清晰明確，易于捕捉。這也是構成任何一部古典奏鳴曲或協奏曲的呈示部的基本音樂形式，在學生還沒有能力獨立分析一部鋼琴奏鳴曲的時候，一首古典練習曲的曲式分析將是最好的練習內容。其次，古典練習曲中的和聲進行是以傳統和聲為基礎的，每一個獨立的樂句中都能夠清晰地分辨出其和聲進行。當學生還不具備一定的和聲知識時，教師在教學中有必要先將學生所學習的每一首練習曲中的和聲功能逐一標注出來，以便于學生徹底理解和弦關系。除此之外，古典練習曲中音樂情感的認知對學生日后學習其他作品尤為重要。還是以車爾尼練習曲Op.740為例，其中許多練習曲是帶有明顯感情色彩的音樂作品，如第九首“輕巧地跳躍和斷音”，其中的主體情緒是歡快、明亮且略帶有一些詼諧色彩的舞曲，和其技術要求是相呼應的。試想一下，如果學生在學習過程中以沉重、悲傷的或是其他情緒來練習，那這首練習曲的技術目的就無法實現了。又如第十二首針對于左手的練習曲，其右手的d小調和弦進行部分儼然給了人們一種英雄走向悲壯的進行曲形象，而中間的一段D大調和弦進行又讓人們聯想到仿佛是英雄在回憶往日美好的生活……雖然是練習左手，可是一定要加入右手所表現的感情才算是真正意義上達到了本課練習曲的要求。第二十七首右手部分中的隱藏旋律和左手和弦進行中的旋律婉轉如歌，仿佛是一對恩愛的情侶在以二重唱的形式吟唱彼此的幸福，帶給人們的感受是美好、和諧的，自然也就不能以憤怒、激動的感情來練習。諸如此類的古典練習曲還有很多，教師在教學過程中應該細細體會，把曲子的情緒完整地傳達給學生，并引導學生在彈奏練習曲的同時由內而外地表現音樂，而不是單純地機械練習。許多教師在鋼琴練習曲教學中往往只重視技術，訓練手指技巧的方法千奇百怪，而一兩句話就可以令學生以全新的理念來學習練習曲的工作卻被忽視。長此以往就會形成一個不可逾越的怪圈，把鋼琴演奏藝術變成某種體育運動似的形態。蘇聯著名鋼琴家、教育家涅高茲早在《論鋼琴演奏藝術》一書中就提出，應該將音樂形象融入到技術練習當中。針對我國高師鋼琴教學的現狀，筆者認為，從古典練習曲入手，讓每位學生在枯燥的練習之余還能以美好的音樂形象提高音樂修養，是每一個鋼琴教師應盡的義務和責任。
二、古典練習曲和浪漫樂派練習曲之間的聯系
當學生已經可以以看待音樂作品的理念來對待古典練習曲時，那么教師在整個練習曲教學中的工作就已經完成了一多半。因為按照鋼琴演奏技術的發展，在古典練習曲之后必然要接觸浪漫樂派的藝術性練習曲。高師鋼琴教學中自然不能對絕大多數的學生做出像音樂學院那樣演奏整套藝術性練習曲（如肖邦練習曲Op.10或Op.25）的要求，但窺其一二還是完全有必要的。教師的任務就是細心觀察每一個學生的身體機能和生理條件，選擇最適合學生彈奏的浪漫派練習曲。這里指的“適合”并不是要以浪漫派練習曲來解決學生的某些彈奏技術，而是就學生技術的突出方面選擇其能夠勝任的曲目。筆者認為，直至印象樂派為止，所有的鋼琴演奏技術都可以在古典練習曲中獲得。在每學習一首浪漫派練習曲的時候，一定要有幾首技術類型和音樂形象都較為相似的古典練習曲作為基礎。如肖邦練習曲Op.10第一首和車爾尼練習曲Op.740第十四首，左手的音樂表現形式就極為相似，都是以莊嚴的圣詠形式為基調，而740第三十六首的右手部分的琶音跨度與肖邦第一首練習曲的右手部分也頗為相近。學生如能順利地完成這兩首740中的練習曲，那么就極有可能在肖邦的第一首練習曲中表現出色。又如李斯特的三首音樂會練習曲中的第三首降D大調UN SOSPIRO（嘆息）和車爾尼740中的第十八首練習曲也有著相同的技術要求，都是兩只手從容地交叉著行進，觸鍵感覺輕柔優美。再如安東?魯賓斯坦的練習曲Op.23第五首的前半部分和車爾尼740的第三十八首，同樣是以雙手交替快速彈奏八度和弦（相似的技術類型在李斯特的十二首超技練習曲中的第八首《狩獵》中也能見到），而后半部分的右手雙音部分則能看到克拉默六十首鋼琴練習曲中第二十九首的影子。還有斯克里亞賓的練習曲Op.42第三首和克拉默六十首鋼琴練習曲中的第十四首都是以練習顫音為目的的，所不同的是克拉默練習曲中每組顫音之間采用的是六連音，而斯克里亞賓則采用的是三連音，但感覺上極為相像。諸如此類的相似之處不勝枚舉，有興趣的教師或學生可以自己進行研究和對比。這種教學嘗試其實并不困難，就算視奏能力不強的人，也只需必要的樂譜和一定的音響資料，多聽多看，必將令學習效率事半功倍。
以上是筆者在教學生涯中的一些認識，希望能夠幫助到更多想在鋼琴藝術上取得成績的高師學生。也許在鋼琴教學中還有著許多問題有待商榷和斟酌，但筆者認為，只要本著嚴肅認真、嚴謹治學的工作態度，就一定能完成國家和社會賦予教師的神圣使命。
作者單位：太原師范學院音樂系
【摘 要】數碼鋼琴集體課的多樣化課堂演奏形式和豐富的教學內容，可以迅速有效的訓練提高學生鍵盤綜合應用能力，能夠多出人才快出人才，有利于復合型、高素質跨世紀鋼琴音樂教育人才的培養。本文就數碼鋼琴中的哈農基本練習及音階技巧談了自己的看法。
【關鍵詞】數碼鋼琴；教學；哈農練習；音階
數碼鋼琴集體課作為一種新興的教學模式由國外傳人得到愈來愈多的重視，其原因一是由于國內高師音樂教育改革趨勢的推動，同時也是受到國外先進教學經驗和理論的啟發。數碼鋼琴集體課的多樣化課堂演奏形式和豐富的教學內容，可以迅速有效的訓練提高學生鍵盤綜合應用能力，能夠多出人才快出人才，有利于復合型、高素質跨世紀鋼琴音樂教育人才的培養。
在數碼鋼琴課中，鋼琴基礎教學就顯得十分重要。鋼琴基礎教學主要包含兩個方面：手指基本靈活性的彈奏和手指技術技巧的練習。針對這2個方面我們會使用到《哈農鋼琴練指法》這本書，在這本鋼琴書里哈農基本練習是針對手指靈活性來練習的，而音階技巧是對于手指技術技巧的練習。
看到很多的人在討論哈農練習重要不重要的問題，我發現贊成與否的剛好是對半。這說明國內對于哈農練習的認識還不夠，我們認識的很多世界著名演奏家，到現在哈農練習也還是他們每天必做的功課，這說明什么問題？我看過很多老師上課時對哈農練習的要求，我認為都不正確，按他們這樣的要求，一條一條的練習，對于學生來說的確是沒有什么用處的。我的學生都要求每天做1-20或21-38條連奏的，44條以后的每條起碼是反復10遍。那么在數碼鋼琴教學中我把哈農練習分為四個階段，在這里我首先介紹第一階段的練習，第一階段的練習又分三步走：
第一步：哈農1-20條連奏
為這個練習我專門做了1-20條的省略版，這樣就不會讓學生在練習的過程中有翻譜的動作。我的要求是一氣呵成，開始是用“高抬指快速觸鍵”的方式慢練。在觸鍵動作都符合要求后再加快速度，直到能夠做到音色均勻、很清晰、很輕松的完成后，就變換一種觸鍵方式繼續按照從慢至快的練習，直至把基本的觸鍵方式在哈農1-20條上都熟練的掌握好。開始練習時由于耐力問題，你可能練習到第8條至第10條會有很疲勞的感覺（我把這種情況稱為耐力臨界點，這個點是因人而異的），記住，不要停下來，堅持下去就會感覺又有了新的力量，直到把20首都練習完成。這種練習要求每天至少一遍，有時間的話最好是三遍，上午一遍，中午一遍，晚上一遍，每天每遍都用不同的觸鍵方法。第一步的練習時間將會持續將近一年的時間，在這個過程中，你會收到意想不到的效果。
第二步：每條在12個調上跑完
這個練習開始時會很別扭，因為大指和小指不斷的要上黑鍵，黑白鍵有高有低，一定要控制好手腕的平穩，特別要關注大指的主動性。由于調式的關系，經常會遇見要彈奏兩個黑鍵之間夾縫的情況，記住，一定要做到準確、扎實，不要一味的圖快，講究質量是首位的，音色的均勻是這種練習的重中之重。1-20條都能夠在12個調上很輕松的跑動，這時你的手指力度、彈性和耐力都已經產生了質的飛躍
第三步：1-20條雙手不同觸鍵方法
第三步的練習主要是學會快速變換觸鍵方式的能力，開始時，你可以一遍只換兩種觸鍵方式，如前10條是“高抬指快速觸鍵”，后10條是“低指位快速觸鍵”，然后再逐漸加上“非連音觸鍵”等等，最后是兩條一種觸鍵方式。我經常教學中會用上行一種觸鍵，下行又是一種觸鍵，然后是左手一種觸鍵方式，右手另一種觸鍵方式，例如：左手用“指尖跳音觸鍵”，右手用“連音觸鍵”。這樣的練習很有意思，讓你體會不同的觸鍵而產生的不同音色帶來的美感。這個時候你就可以進行第二階段的練習了，也在這個時候，由于你觸鍵方法的豐富，對樂曲情感的表達能力將會不可同日而語了。
接下來我們說一說音階技巧的彈奏，音階是鋼琴作品織體中的重要組成材料，彈好音階是掌握鋼琴演奏技術的重要保證。？從技術訓練的角度看，音階彈奏要求每個音級力度均勻一致，所以彈奏音階練習對于平衡發展手指的控制運用能力具有十分重要的價值。
第一條音階，可以從C大調音階開始。音階練習可以從一個八度逐漸向兩個、三個及四個八度發展，具休發展形式可采取變節奏的練習，例如：采用每分鐘76-86拍的音樂速度（中等速度），按照四二拍子的音樂節拍律動要求，彈奏一個八度音階，力求力度均勻一致的四分音符感覺；彈奏兩個八度音階，追求強位音突出的八分音符感覺（一拍內均勻地兩個音），逐漸發展成三個八度音階力求彈出強位音突出的三連音感覺（一拍內均勻地三個音）；直到以后發展為四個八度音階力求彈出強位音突出的十六分音符感覺（一拍內均勻地四個音）。
正確的順指法、穿指法和跨指法，是彈好音階的基本保證。手腕和手臂放松自如，是音階彈奏平穩流暢的生理機制保證。音階的變節奏練習，要有明確的節拍要求，切忌“盤子喝水一漫來”的“大寫意”無序。強拍音或強位音在哪個手指上，就要突出哪個手指（尤其是四指）。大拇指要靈活并有所控制，不可無序地始終彈奏重音。拇指在音階彈奏的過程中，要有提前量的任務準備，不可躺在鍵盤上彈奏。拇指與其他手指的交替彈奏要連貫自然，不可出現間斷痕跡。
音階的彈奏練習可以先分手后合手，練習中要正確掌握指法規律，并做到雙手彈奏整齊劃一。在音階提高性的彈奏練習過程中，可采用音樂速度慢快結合、分手與合手交替的學習方法。彈奏音階時，心中要有旋律性的歌唱，把音階作為音樂來表現。
在正確熟練掌握C大調音階演奏的基礎上，可以進入G大調、D大調、A大調和E大調音階的練習。這五個大調音階的彈奏指法相同，需要特別關注的是鍵盤位置的變換及黑白鍵交替的把位手感。
關于音階的指法、詳見《拜厄》和《哈農》。切記音階彈奏指法的正確固定，以保證彈奏的流暢連貫。音階練習屬于演奏技術材料之建設內容，需要做為日常練習持之以恒。音階演奏質量的目標追求是運指靈活、反應敏捷并有一定的速度感及顆粒感。
在音階彈奏質量的優化過程上，要更多地貫穿著“慢練”與快彈的有機結合，牢記速度是在正確的基礎上自然地提升上來的，而不是硬逼出來。否則，勢必造成彈奏中的僵硬痙攣。清晰、干凈、均勻、流暢、顆粒狀、歌唱性、平衡自如和節拍感，要始終記在心間并富之于長期實踐。
音階練習，對于初學鋼琴者是重要的基本功訓練。練習好音階，需要注意幾個方面：
（1）練音階的重要性：練習音階很重要，一方面可以提高控制和運用手指的能力，二是可以熟悉指法，鞏固記憶；三是可以熟悉鍵盤位置，熟悉調試及其轉換，提高演奏能力。
（2）樹立明確的目標：練音階，首先解決的是一個“立”字，解決五指不立和掌關節發緊，只有苦練才能達到目標。二是學會一個“慢”字。只有會慢練，才能逐漸加強力度，增加耐力，并為以后的加速打下基礎。
（3）防止一個"混"字：A大調，#f小調，g小調，C小調，這幾套關系大小調，易混淆，指法易錯，只有經過反復訓練，直練到準確無誤為止。
（4）采取分組練習法：將學過的音階分為四組，每次練琴時先彈兩組音階，再彈樂曲，而后再彈音階，交叉進行，每組慢練五次，快練一次，逐漸增加次數，來調動練琴的積極性。
數碼鋼琴教學中哈農和音階是每一個高師學生需要去練習也是必須去掌握的，只有通過這些堅實的基礎訓練才能幫助學生提高自身的鋼琴彈奏水平。在練習的同時也得要掌握好正確的練習習慣與方法，抓到了方法，獲得了習慣，能使學生的鋼琴彈奏更上一層樓。
〔關鍵詞〕 鋼琴教學；練習習慣；彈奏；慢速練習；讀
隨著社會經濟的發展，鋼琴已逐漸走進了部分百姓家庭。學習鋼琴有助于開發孩子智力，培養孩子毅力，拓展孩子藝術視野，已經成為廣大家長的共識。但鋼琴的學習過程并不像想象的那么簡單，其本質上是學生動手動腦習慣的培養過程。著名鋼琴教育家但昭義先生對于鋼琴練習曾說道：“練習習慣是比練琴本身更重要的素養。”尤其是對于中小學生來說，如何讓他們養成良好的練習習慣來渡過練琴的每一個難關，也就成為了一門教學藝術，其也是鋼琴教學中需要解決的首要問題。
一、培養學生正確規范的彈奏習慣
大多數中小學生因沒有彈琴基礎，初學鋼琴時，基本采用的是“斷奏”，即非連音奏法。非連音奏法的基本要點是：手腕帶動手臂慢慢提起，手指自然落下，整個手臂要有掛在鍵盤上的感覺，第一關節自然站立不能彎，手腕與手背基本持平，不能低于鍵盤。在整個非連音彈奏過程中，教師要引導學生自然提起手臂并自然落下，發揮掌關節和指關節的支撐作用，觸鍵手指保持自然站立，其他手指則應放松貼鍵，使整個手臂的力量傳送到指尖，以體驗“站穩”、“站好”的感覺。在學生有了“站穩、站好”的基礎后才能開始“走”的教學，也就是連音奏法的教學。連音奏法的初始練習必須借助高抬指的動作來完成，以增強掌關節的活動能力，提高手指的靈活性。在連音奏法教學過程中，教師要讓學生學會把握手指用力方向及爆發力較強的快下鍵指觸，這樣才能彈出飽滿圓潤的聲音。
二、培養學生慢速練習的習慣
初學鋼琴的中小學生往往會亂彈一氣，盲目求快。實際上，學生在初學鋼琴階段不能用過快的速度進行練習，而是要慢速練習。慢速練習是鋼琴練習的基礎，其可以緩解學生心理壓力，有利于學生掌握和鞏固奏法，使彈奏更為輕松。練習新曲時，教師應指導學生養成先唱譜后分拍子，先單手練習而后再雙手合練的習慣。對于學生已經練熟的曲目，也應要求他們花一定的時間去進行慢速練習，并在練習過程中檢查所彈奏的曲目有沒有問題，彈奏是否做到了速度均勻，樂曲表達流暢、完整。要通過有效講解讓學生明白：慢速練習是為了更完美地演繹樂曲的內涵，是一種很必要的練習，而保持完整的、等比例的慢速練習，等同于放慢速度的演奏表演，它在檢查問題所在的同時，還有著加強力度，提高顆粒性，細化表情的作用。當然，慢速練習不是最終目的，其作用在于讓學生有時間去發現問題，思考問題，使學生的雙手做好充分的準備，以達到技術上的要求，使每個音保持穩定性，為流暢演奏樂曲打好基礎。
三、培養學生用心讀譜和動腦練習的習慣
錯音、錯指法、丟呼吸是中小學生初學鋼琴時容易犯的毛病，出現這些問題的主要原因是學生讀譜不認真。要解決這一問題，教師應使學生養成良好的讀譜和動腦練習習慣。首先，可以讓學生把自己的彈奏和教師的彈奏進行比較，讓他們從聲音上去感覺兩者不同之處在哪里，如，錯音、表情上的減慢、減弱，以及不同的段落和分句等。然后，要培養學生動腦練習的習慣。在平時的教學中，教師一定要引導學生學會分析和冷靜思考，使其養成大聲數拍、分拍子彈奏的習慣。最后，教師要善于發現學生在彈奏中的錯音、錯指法的形成原因。可從他們喜歡的樂曲入手，暫時避開枯燥的雙手指法練習，讓其從單手逐句練習做起，及時肯定他們的進步并糾正他們單手彈奏中出現的錯誤，直至他們的單手練習能做到音符、指法、節奏、奏法、呼吸“五不錯”，才可以讓其進行雙手彈奏。
四、培養學生用琴聲表達音樂感覺的習慣
鋼琴學習的目的最終還是為了用琴聲去表達內心音樂感覺，通過演奏去感染聽眾。為此，教師在強調樂理知識學習的同時，不能忽視對學生音樂感覺的培養。而如果沒有規范的彈奏就不會有動人的聲音，沒有扎實的指法基本功和彈奏技能也談不上音樂感覺的表達。教師在強調技能訓練的同時，要引導和啟發學生去想象，去用琴聲表達音樂感覺，要教會學生在正確區分音樂“頓連”的基礎上準確把握彈奏的強弱，以更好地表現音樂形象。
【內容摘要】車爾尼是奧地利著名的鋼琴家和作曲家，他所作的鋼琴練習曲在鋼琴學習中具有不可替代的地位。通過對車爾尼鋼琴練習曲的分析，我們能夠感知他的音樂才能以及學習練習曲的重要性。
【關鍵詞】車爾尼 練習曲 鋼琴學習
車爾尼，奧地利著名的鋼琴家、作曲家和音樂教育家。他出生于維也納，是19世紀上半葉維也納鋼琴學派的創始人。車爾尼從小學習鋼琴，并被稱為具有“非凡才能”的學生。作為貝多芬的高徒，車爾尼于1812年演奏了貝多芬第五鋼琴協奏曲《皇帝》，并能背譜演奏貝多芬的全部鋼琴作品，對貝多芬的作品起到了積極的宣傳作用。車爾尼很快就成為了維也納最著名的鋼琴教師，他的學生弗朗茲·李斯特、萊謝蒂茨基、庫拉克都成為了鋼琴家。
作為鋼琴教育家，車爾尼一生創作了1000多部音樂作品，內容涉及當時音樂創作的所有領域，包括歌劇。在這數量極大的作品中，流傳至今并依舊被人們采用的有那近80集數以千計的練習曲。從技術課題之豐富、數量之眾多及教學中的實用性來看，直至今日仍堪稱世界上最出色的鋼琴教材體系。這些練習曲是車爾尼以自己豐富的教學經驗并付出了畢生精力寫成奉獻給后人的一筆無價之寶，開啟了幾代鋼琴家們的智慧和潛能。
對初學者而言，指法錯誤是正確演奏鋼琴過程中的重大障礙及嚴重危害之一。無論學生手的大小如何，嚴格的指法練習會對其以后的鋼琴演奏有很大幫助。正確的指法習慣應在簡單的曲目學習中就有意識地培養。
車爾尼24首固定五指練習的鋼琴練習曲（作品777），是專門為少年兒童編寫的簡易鋼琴曲集，主要訓練和解決右手固定指位的彈奏技巧和手指在不同節奏、不同音型下的反應機能。整個教材共24首簡短小曲，并在C、F、G、D四個調上構成，每首樂曲的旋律都十分優美。右手的旋律完全在五指固定的范圍內，對于右手5個手指的獨立性有非常有效的幫助。在不斷的教學過程中，筆者發現這24首練習曲對于左手和弦、音程、琶音等固定指位設計均有巧妙之處。
練習曲的排列順序為：1.C大調練習曲（第一首至第六首）；2.G大調練習曲（第七首至第十二首）；3.D大調練習曲（第十三首至第十八首）；4.F大調練習曲（第十九首至第二十四首）。
本作品集以固定右手五指位置為主。所謂固定位置，表示手擺好后沒有轉換的指法。本集只用了C（do）—G（sol）五個音，在練習的過程中只需要將5個手指對準相應鍵盤位置就可以練習。右手在練習過程中手臂、手腕要保持平穩，要明確用指尖去找鍵盤使聲音平均清晰，聲音間應保持連貫，樂句線間注意抬手動作。
這部分中最有特色的就是左手的伴奏音型，分為以下幾種：1.柱狀和弦形式；2.分割和弦形式；3.分解和弦形；4.短琶音形式；5.綜合運用形式。這幾種伴奏形式貫穿了24首練習曲，以下筆者著重分析左手和弦指法編排的特點及練習方法。
第一首（柱狀和弦形式）
練習提示：和弦的練習一定要正確使用手臂的重量，特別注意左手指法順序的變化。通常我們在彈原位三和弦時用5、3、1指法順序，但在這條曲目中左手1至3小節的原位三和弦的指法為4、2、1，第四小節為C大調Ⅴ級和弦的第一轉位，使用的指法為5、3、1，在練習過程中要特別提醒學生注意。在本首樂曲中出現了和弦半連音的標記（在左手2、4、6小節中），練習過程中要重點體會彈奏方法的轉換。
第二首（柱狀和弦形式）
練習提示：左手演奏方法同上，注意一至四小節的和聲變化Ⅰ—Ⅴ7—Ⅰ根據和聲變化指法也發生了變化，主和弦的指法恢復了常規5、3、1的使用，第三小節的指法使用了５、２、１指，這樣就可以解釋第一首曲目與第二首編排指法的區別了。
第三首（分割和弦形式）
練習提示：左手在練習過程中手臂、手腕要保持平穩，要明確用指尖去找鍵盤使聲音平均清晰，注意和聲的連接的變化，指法是第一首與第二首曲目三和弦的分割混合運用。
第四首（分解和弦形式）
練習提示：左手由斷奏動作轉換為連奏動作，在練習過程中要注意掌心動作和指尖的配合。開始練習時所有手指動作高度一致，下鍵力度統一。在進一步加快時要注意5指、3指動作主動，大指盡量貼鍵彈，這樣才能達到最終的練習目的。
第五首（短琶音形式）
練習提示：左手前兩行演奏動作為連奏，最后一行的演奏動作為斷奏。連奏時注意練習重點在4指和5指。一定要注意4、5指是否站穩，聲音是否到底。準確使用指法，合理利用手臂重量、認真體會重量在不同手指指尖的轉換，是練習好這首曲子左手部分的關鍵。
第六首（綜合運用形式）
練習提示：所謂綜合運用形式就是前四種形式的綜合出現。在練習時不要急于練習本首曲目，應該把前5首曲目的左手部分各練2—4小節，體會每種形式手的動作感受，然后再練習本首曲目的左手，同時注意各種演奏形式在相互轉換時手動作的準確性，這樣才能達到最佳的練習效果。
以上五種形式始終貫穿這24首練習曲中，在NO.9、12、13、14、18、19、20中出現了用4、5指延音的情況，在練習上一定注意保持夠拍子，不要讓手指提前抬起或松開。
在右手的練習上，要注意手的連斷動作的變化，讓手保持正確的彈奏方式。需要特別提出的是在NO.6、9、20、22出現了短倚音，在練習時可以先把裝飾音省去，當熟練掌握旋律的節奏時再把這些小音符加入到旋律中去。這樣能最大限度避免由于裝飾音的出現造成的節奏混亂。在NO.24出現了類似順回音的裝飾音形式，音符都為32分，很容易讓學生誤解為速度要很快，這種追求速度的彈奏不僅使聲音不均勻、不清楚，而且容易造成肌肉緊張使聲音僵硬。為了有充分的時間來彈裝飾音，筆者建議，學生在練習初期一定不要速度過快。四個音的裝飾音作為一拍來彈，與左手的第三拍最后一個音對齊，均勻彈滿一拍。彈奏時不要太著急，應保持節奏的平穩，順暢的與主旋律連接起來。本套曲目是基礎性的練習，所以在練習過程中還是要以手部動作的準確性作為關注點，加強手的演奏機能，使練習曲中的每個樂句演奏的線條清晰，樂句優美，真正把技術和音樂結合起來。
作者單位：天津藝術職業學院音樂系
摘要：李斯特，匈牙利人，19世紀偉大的音樂家、鋼琴家和指揮家。在創作和演奏上都取得了令人矚目的成就，尤其是交響詩與標題音樂這一體裁的創立，作品音樂會練習曲《嘆息》這一形式的具體表現，也是李斯特在魏瑪時期的經典之作，也是練習曲體裁革新標志，打破了傳統的純技能訓練實踐，賦予了練習曲豐富的想象力。
關鍵詞：李斯特 練習曲 《嘆息》 鋼琴演奏 教學
高難度的專業演奏技巧和生動的音樂內容能夠提高練習曲的欣賞程度，把練習曲提升到了一定的境界，成為演奏家在音樂會上經常出現的曲目。《嘆息》這首作品雖然是練習曲，但它的藝術價值和研究價值是不容忽視的，讓人們在領略李斯特作品的炫技之外再次感受藝術之美。本文通過對《嘆息》的表現及李斯特音樂作品的分析來體會李斯特音樂創作中的技術、內容與形式的完美統一。
一、李斯特音樂會練習曲《嘆息》的演奏分析
（一）創作背景
從19世紀20年代起，直到60年代，李斯特都一直致力于鋼琴練習曲的寫作。期間李斯特創作的鋼琴曲多數都能反映他的鋼琴炫技的藝術特點，他把樂曲所要表達的藝術情感和鋼琴技術的表現形式做了完美的結合，打破了以往練習曲中的長且單調的傳統練習方式，把演奏技巧融入到詩畫中，以便更好理解。同時，李斯特還將他大多數的練習曲都附加了標題。如：《鐘聲》《嘆息》《森林的呼嘯》《侏儒之舞》《瑪捷帕》《英雄》《狩獵》《鬼火》《幻影》等等，栩栩如生、鮮明動人，使之適合在音樂會上演奏，所以這些練習曲又被稱為音樂會練習曲。《嘆息》（Un So Spiro），降D大調，深情的快板，是1849年出版的《三首音樂會練習曲》之三，李斯特以《詩意的隨想》為題標注其上，其中包括《哀訴》（Il laments）、《輕盈》（La leggier）和《嘆息》。《嘆息》是這一組練習曲中最著名的、最具獨創性與歌唱性的作品。
（二）創作風格
李斯特的練習曲不同于其它練習曲光注重技巧練習，也非常注重情感的表達，情感是李斯特練習曲中一大特色。這是一首令人感動的練習曲，折射出作者豐富的情感表達。這首練習曲旋律十分優美，通過一連串琶音跑動進入主題，琶音的跑動以及主題都是用左右手交替完成，對于練習左右手的銜接非常重要。連續不斷的分解琶音從頭到尾保持著，有如蕩漾的漣漪，一條如歌的旋律在其之上由兩手交替著奏出，令人產生無限的遐想。雖然是斷開的音，但卻猶如歌唱一般柔美。就像在云彩的陰影下水面忽明忽暗，在風的吹拂下波浪時高時低。那如歌的旋律被李斯特一會兒放在伴奏音型之下，一會兒又夾雜于其中。樂曲的優美旋律倒是頗有田園意境，優美的旋律中，仿佛乘著一艘小船，在一望無垠的大海上慢慢的飄蕩，那會有一種難得的閑逸、清靜。大量的分解琶音，和弦的美妙變化帶動旋律線的起伏，如同人的思緒，縱然再多的懷念也只能化作一絲絲嘆息。隨著調性與和聲色彩的轉移及音區的變換，音樂的情緒也隨之起伏變化，層層推動著音樂，使人仿佛置身于一片廣闊的天地之中，展現了大海寬闊的胸懷。結尾上不可思議的下行全音階的大三度和弦，正如黑暗中發出的一聲嘆息，曲終發生的嘆息，孕育著嘆息后的升華，仿佛給人意猶未盡的感覺。這首需要兩手交替演奏主旋律、并輔以輕柔的琶音伴奏的曲子是李斯特極至浪漫主義的極好體現。這華麗的奏法，是李斯特的后浪漫主義風格和炫技演奏的最好證明。
（三）演奏技巧與節奏
作品《嘆息》的節奏是非常靈巧的：主題旋律部分是建立在四四拍的基礎上，更加規范化。有趣的是伴奏的節奏更像散落的節奏，演奏時注意（rubato）的節奏特點：作品《嘆息》中附點節奏和六連音相對以及復附點節奏和七連音對應，對于這種復雜的節奏的處理需要一些自由表演。特別是延長記號的注釋標記，讓音樂有一種深呼吸的感覺，想說但什么都不說：
作品《嘆息》的技巧并不難，它必須需要認真研究和反復的推敲琶音、音階、雙音快速的半音級這樣的技巧和音樂內涵吻合。技巧與音樂的高度是李斯特作品重中之重。而音樂與技巧的結合，可以起到最佳的效果。與之相反，完美的技巧能充分表現音樂的魅力。因此，鋼琴演奏的最高水平是使音樂的技巧服務于音樂。作品《嘆息》由不同的琶音組合而成，演奏中要注意靈活性和預見性。
鋼琴演奏中，節奏是鋼琴演奏的基礎表現形式，在演奏中占有無可厚非的重要地位，要想演奏中節奏運用的自如，不僅要掌握最基本的鋼琴演奏理論做鋪墊，同時還要對作品的創作風格有深度的了解。因此，節奏決定音樂表演的成功與否。
二、李斯特音樂會練習曲《嘆息》的教學研究
在鋼琴教學中，演奏技法的訓練是非常重要的。好的演奏技巧會引領演奏者進入更為廣闊的藝術殿堂，那么完美的藝術想象也會因為缺乏技術的支撐變得蒙上陰影。鋼琴學習者必須通過正式和嚴格的技術訓練，形成一個良好的演奏技習慣，以獲得一個正確良好的演奏狀態。
作品《嘆息》是一個溫和的快板allegroaffettuoso。對該段進行初步的分析，《嘆息》的譜面上有很多的表情記號，如：節奏要求，強弱要求，速度標記，觸鍵要求，踏板技法，聲音的色彩要求等演奏方法的指導教學。在教學中，老師要按照作曲家的創作意圖來引導學生如何對待表情符號，明確表情符號的正確意圖，不能模棱兩可，不求甚解，做到心中有數。以便更好地詮釋作品，這是鋼琴教師的職責。
李斯特《嘆息》是一首具有藝術價值和技術價值的作品，突破了傳統的純技能訓練實踐，賦予了豐富的想象力和情感。降D平深情的快板，主題突出、優美、生動，具有強烈的藝術感染力，深受人們的喜愛。隨著現代科學技術的發展，錄音技術變得越來越豐富。作品《嘆息》的音頻版越來越多。這是延伸與創作的重要關系。
隨著現代科學技術的發展，自動鋼琴也似乎能演奏出作品的原有的風格特征。然而，人們仍然喜歡由演奏者來演奏，這表明二度創作不是一個機械模仿的音樂，而是更為重要的音樂創作。音樂表演的二度創作，必須實現原有風格的和創造性的統一。其真實性是詮釋正確的解釋，理解作曲家在特定歷史時期的音樂風格，把握好作品的體裁和音樂的內容。創新指的是在原有的基礎上，通過自己的理解與詮釋，把音樂的本質與自己的演奏完美的結合，使演奏出的作品更為豐滿和生動，為音樂增添新的色彩和魅力。真實性是創造的基礎，創造力是決定音樂表現價值的關鍵。二度創作是傳播者與創作者的藝術紐帶，忠實于原作的同時，更加完美地發揮自己的創造性的風格特點，實現作品真實性與創造性的完美統一，才能真正進入音樂表演的理想境界。
摘要:音樂是一扇通向人們創造思維和形象思維的窗口,為了兒童智力的早期開發,音樂教育己越來越引起人們的重視。本文就如何科學地讓兒童練習鋼琴提出了自己的看法和建議,希望能夠起到拋磚引玉的作用。
關鍵詞:兒童;鋼琴;練習方法;思考
一、前言
音樂是一扇通向人們創造思維和形象思維的窗口,音樂教育己越來越引起人們的重視。許多研究實驗證明,手指的精密運用,會成為兒童智能發達的基礎,這也許是國外鋼琴如此普及的重要原因之一。兒童鋼琴練習方法的差異,直接關系到孩子在鋼琴領域及其他領域中良好學習習慣的培養和學習成效的獲取。本文就鋼琴教學中兒童鋼琴練習方法提出自己的一些思考,希望能起到拋磚引玉的作用。
二、如何科學地讓兒童練習鋼琴
1.讀譜與視奏
在拿到一首新譜時,首先要看“三號”,即譜號、調號、拍號,注意譜面左方的譜號――是高音譜表,還是低音譜表。之后看調號――一個升還是一個降、還是幾個升降記號,先通過音級的實際彈奏效果分析、研究樂曲的調式、調性。然后便是看拍號――1/4、2/4、3/4、3/8、6/8……接著認真譯出譜子左上角的速度、表情術語后,便可按要求視奏了。
視奏時要注意以下三點:首先,音要準確。兒童趨向形象記憶,在識譜過程中有時會出現臨時“短路”的現象,這時可以“定位記憶”,即記住高、低音譜表中線間的音名,如一線mi、二線sol……一間fa、二間la等等。在視奏訓練初期,可分三個層次來進行練習,第一層只識別音位,彈奏出新譜中每個音的音位,辨別熟練后再進行節奏訓練,主要的方式是數拍練習,將每一音符的時值辨別清楚,做到心中有數,最后再將兩者進行自然結合,長此以往地訓練,兒童讀譜即可做到又快又準,為他們以后的新譜閱讀能力打下堅實的基礎。其次,裝飾音如上、下回旋音,上、下長顫音及各種強、弱、漸強、漸弱、漸變快慢等記號要看清。另外,在主調音樂中,伴奏聲部弱于旋律,雙手力量比例可通過不斷地磨合逐漸協調;而在復調性質的樂曲中,首先要分清聲部,并分聲部按指法進行旋律練習,然后再進行合手練習,只有這樣才能有初步的層次感。總之,要認真、仔細地讀準譜面上的各種符號。視奏可以進行分解練習,即分段、分句、分手、分聲部甚至以小節為單位及打破小節線進行反復練習,在分解練習后再進行局部的合成。局部合成的過程既是一個將陌生曲目練熟的過程,也是按樂譜上音樂術語、各種符號對作品進行處理、加工的過程。切忌從頭到尾一遍遍地進行“演奏”練習,要注重提高學生的練習效率。
2.練琴
視奏幾次后,又會發現新的問題,可一邊練琴一邊解決問題,練琴時有以下幾點要領必須牢記:
(1)背譜
能熟練地進行視奏后就可背譜了。其一,背譜前把譜號后的調號認清,根據調號分析出調性,這樣背譜就方便得多。其二,要仔細分析和聲:和弦的性質、和弦的走向(即連接)、和弦的分解等,根據旋律記憶和弦,這樣背譜要快得多。
(2)難點攻破
①兒童練琴須先找出樂曲中的技巧難點反復練,這時要慢練,因為慢練是解決一切難點的唯一辦法,慢速練習的最大好處是來得及想、來得及看、來得及去準備,有時間去調整問題,待到慢速練熟了,再逐漸加速練習,最好是對齊節拍器上的節奏一格一格地進行練習,慢速、中速、快速、超速都應進行練習,只有這樣才能有效解決難點技巧。
②在練習中,一定注重分手練習,分手不熟練,合手是不可能“百發百中”的。尤其是節奏、音的組合等較難的部分,雙手節奏相互依靠著彈奏不能解決根本問題。這是兒童練習過程中最容易出現的僥幸心理。并且樂曲彈熟練后也須常分手復習,只有心中樂譜達到縱線條橫線條一樣清晰,彈奏起來才能做到“心中有譜”、“胸有成竹”。
③將樂曲中的樂句、樂段、樂章分清楚,甚至把每個樂節都分析清楚,這樣―來,練琴才能有根有據、有效率。
④當你把每個音都能彈得清清楚楚;每組節奏都能彈得穩穩當當;每個樂句都能處理得有條有理;每個樂段都能彈得有聲有色;每個樂章都能彈得有始有終…這樣,才算是練熟練了。
3.處理
待這些完成以后,再次仔細研究一下樂譜,進行認真地分析、思考,使該作品的演奏能進入更高的層次,即樂曲的處理。它是由技巧走向藝術表演的必經之路。
(1)了解并分析作品的時代背景、作者的人文個性、樂曲的寫作動機以及作者對作品中所刻畫的人物、外景、思想感情等等,只有這樣,才有可能把作品處理好。
(2)鋼琴教學中,必須給予學生必要的和聲、曲式分析的能力,才有可能在彈奏中進行作品的再創作。
(3)在上述情況下,即可考慮演奏者本身的條件、感覺、能力、喜好、理解等等把樂曲本身的要求和演奏者本人的主、客觀條件結合在一起,將演奏者引入再創作的境界。之后,即可加速、成型。
整個樂曲完成之后,必須時常復習,隔一個星期復習一次,然后,隔二個星期再復習一次,再隔一個月、二個月、乃至一年之后再拿出來,不斷地復習,便可保持記憶猶新。切忌在彈新曲子時將舊曲子擱置一旁,使舊曲子失去了在腦中重新回憶的機會。辛苦背的東西,不復存在了,這是非常可惜而可怕的事情。因此,教師要教給兒童保持永久記憶的方法。
三、兒童鋼琴練習方法值得注意的地方
1.演奏的動作
人的生理結構不同,有些人手長,有些人手短,手掌(包括手腕)也有寬和窄的差別,手指當然也存在長短的問題,這樣就很難確定唯一正確的彈奏方法,我認為最重要的是能因人而異,所以,應把注意力放在動作的柔韌和放松程度上,即將胳膊的所有關節都利用上(活動開),剛剛入門的兒童都普遍存在胳膊僵硬的問題,僵硬的動作當然是不可能彈出優美的聲音的,而且在一定程度上限制了孩子技術性的發揮,糾正不正確動作的這一過程是非常重要的,由于在最初的練習中胳膊的肌肉已將錯誤的動作牢牢“記住”。因而需要花費大量的時間和更多的精力去糾正,為了避免再次糾正的必要,最好從最初開始練習是就讓兒童認真仔細地注意胳膊的放松感的把握。
2.要盡早地同時練習彈奏黑、白鍵
兒童初學階段在彈練習曲或樂曲時,不僅要彈沒有升、降號的c大調,也應盡早地學習一些有少量升、降號的大、小調,早一些接觸黑鍵。彈奏黑鍵的要求與彈奏白鍵相同。比較早地接觸黑鍵,可以使學生消除彈奏黑鍵的特殊感和恐懼感。在同時有黑白鍵的演奏中,要讓學生的手有一個正確的位置。彈奏白鍵時,把觸鍵位置放在比較靠近黑鍵的地方,不要過于靠外;彈奏黑鍵時,則把觸鍵位置放在比較靠近白鍵的地方,以便于交替地彈奏黑白鍵。這樣的觸鍵位置必須從小練習,使他們在彈奏中不致因為有黑白鍵交替而使手里里外外地移動,造成多余的動作,破壞基本手型,同時不會破壞音樂線條的平滑和連貫。
3.大腦、聽覺、視覺、運動神經的綜合練習
即使是教學最初階段,在最簡單的課程中都應該盡早地使學生能夠把自己的大腦、聽覺、視覺和運動神經各部分機能有機地結合為一個整體。如在一開始的視奏中,就訓練學生能在眼睛看著樂譜的同時,一邊用手準確地在鍵盤上找鍵,并能辨別鋼琴所發出的音響與譜面所表述的音程關系的圖形是否對應的能力。同時,也要練習學生背譜、記憶的能力。在背譜時,既有聽覺的記憶,又有視覺的記憶。這些練習,在以后的學習過程中,對學生視譜、記憶、演奏機能的發展,以及大腦對各部位的控制能力都會大有好處的。
4.內心節奏感
內心節奏感是音樂感覺最重要的組成部分,是近乎下意識的節奏感覺,必須經過練習才能逐漸形成。當然,它也是人們有意識地進行練習的結果,并不是完全不受人的意識所控制。
廣義的音樂節奏,不是節拍器式的機械節奏。完全跟著節拍器去演奏,勢必會失去音樂的靈魂。例如切分音,其長音常常是節奏的中心,前后兩個音都傾向于它,前后兩個音都很有彈性,而落點是長音。這種節奏感覺絕不只是用絕對準確的時值計算就能表達的。
鋼琴教學進行的全過程也是教師教授、兒童學習如何練琴、如何提高練習效率及如何養成良好練習習慣、獲得良好學習方法的全過程,在此過程中教師起到的是引導、疏通、協助的作用,教與學的方法是否科學,直接關系到教師的教學效果和學生的學習效率,因而我們必須重視鋼琴教學中的兒童練習方法的教學。
【內容摘要】數碼鋼琴集體課教學雖然具有許多明顯的優勢，但習慣了傳統鋼琴個別課教學的教師對其仍有顧慮甚至偏見，已有的知識結構與教學能力亦不能適應新的教學工具和教學形式，教學過程中還有許多難點和具體問題尚待解決。作者針對以上問題，在本文中提出了自己的見解和建議。
【關鍵詞】數碼鋼琴集體課觀念難點對策
世界著名發展心理學家霍華德?加德納指出：“每一門類的藝術，都有其最適當的教育形式。”師徒傳授和集體授課“這兩種方式的差別，在任何領域里都不會像在藝術領域里那樣明顯。沒有幾千年也有幾百年，學生總是通過師徒傳授的方式學習藝術。”（見《多元智能》P.146－147，新華出版社1999年10月版）長期以來，無論是在學校教育還是社會教育中，鋼琴教學幾乎都是清一色的師徒傳授式的個別授課，高師音樂系科也概莫能外。近年來，隨著招生數量的逐年增加，鋼琴教師課量劇增、招架乏力。如果繼續沿用傳統的個別授課方式，勢必要大量增加教師的編制，大幅度提升培養成本。數碼鋼琴集體課的引入猶如雪中送炭，為合理有效地解決這些矛盾開辟了一條嶄新的途徑。越來越多的學校和教師已認識到數碼鋼琴集體課的優越性，有條件的學校也陸續配備了數碼鋼琴教室。經教育部藝教委牽線搭橋，國外鍵盤集體課教學專家數次應邀來華講學，國內部分教師也先后出國研修。許多高校把數碼鋼琴集體課教學作為重點研究課題，已有一批研究成果相繼問世。數碼鋼琴集體課的優越性和強大的生命力在中國已得到初步的展示。
關鍵在于觀念的更新
隨著高校辦學實力的提高和設備投入力度的增加，高師音樂系科配備數碼鋼琴教室早已是題中之義了。但推廣數碼鋼琴集體課教學形式還存在著一些阻力，其中關鍵問題不是硬件投資，而是教師的觀念轉變。
1、數碼鋼琴能不能達到傳統鋼琴那樣的練習效果？
由于對數碼鋼琴缺乏必要的了解，加上數碼鋼琴與傳統鋼琴在音質和觸感上仍有明顯差異，許多鋼琴教師覺得在數碼鋼琴上找不到傳統鋼琴那樣的觸鍵感覺和聲音效果，認為數碼鋼琴的練習不能替代傳統鋼琴的練習。
對于數碼鋼琴的彈奏效果，不宜片面地看待。數碼鋼琴在觸鍵感覺及音質上與傳統鋼琴確有差異，但這種差異不僅與琴的類型和結構有關，也與演奏者對其不熟悉、不適應有關，經過一段時間的使用和磨合，駕輕就熟了，同樣可以得心應手地演奏。實際上，傳統鋼琴也并非每一架彈起來感覺都一樣，換琴以后照樣有適應不良的問題。即使在同一架鋼琴上，也不是只用一種固定的觸鍵方法和感覺來演奏，而是隨著音樂表現的需要不斷進行調整的。在傳統鋼琴和數碼鋼琴集體課教學方面均卓有成就的美國著名專家罕娜教授認為，數碼鋼琴和傳統鋼琴在觸鍵上并沒有太大區別。她說，觸鍵是在你的身體，你的手，你怎么去用它，發揮它的優點，而不在于你彈的是什么琴。
其實，人無完人，物無完物，世界上從來就沒有十全十美的事。數碼鋼琴目前雖然不能完全模擬傳統鋼琴的音質和觸感，但它畢竟是一種發展中的樂器，反過來說，傳統鋼琴也并非盡善盡美，它比數碼鋼琴笨重，還要經常調音等，也給人們帶來許多不便。隨著電子技術和制作技術的發展提高，也許將來有一天數碼鋼琴不僅可以把傳統鋼琴模擬得維肖維妙，而且還會以其強大的軟硬件功能和豐富多彩的聲音變化使傳統鋼琴相形見絀。
2、集體教學能不能保證良好的教學效果？
有的教師對集體課教學形式持懷疑態度，擔心它會影響教學效果。毋庸諱言，集體課在技術訓練的精細程度上和因人制宜地解決問題方面的確比不上個別課。但教學效果的好壞取決于多方面的因素，如教師的能力、態度和教學方法的優劣，學生的素質、程度及練琴時間的多少和練習質量的高低，師生之間的合作狀況等等，教學形式不過是其中一個方面而已。好的教師可能把集體課教得很好，而差的教師則可能把個別課教得一塌糊涂。所以我們顯然不能只憑教學形式一個方面去全面推斷教學的整體效果。
平心而論，個別課與集體課都有自己的優勢與不足，個別課的優勢正是集體課的不足，反之，集體課的優勢也正是個別課的不足。因此，它們都有其存在的合理基礎，誰也無法完全取代對方。正確的關系應該是揚長避短、優勢互補、長期共存。退一步說，即使個別課確實比集體課教學效果好，但隨著招生人數的擴大，如果還是只上個別課，現有的鋼琴教師人數將會嚴重不足，授課量將會大量增加，老師們疲于奔命，又如何能保證良好的教學效果？
教學形式的選擇還與培養目標和要求有關。我國著名音樂教育家趙沨先生曾指出，多年來師范院校老是向音樂院校看齊，在培養方式上重一專而輕多能，有的學生雖然能彈奏一些較高程度的獨奏曲，但卻不會彈奏簡單的即興伴奏，結果是既不能上舞臺，也不能上講臺。這種狀況必須加以改進。高師鋼琴必修課是一門專業基礎課程，它的目標不是培養專業的鋼琴演奏家，而是把鋼琴作為其它專業課程學習和日后教學工作的輔助工具。因此，數碼鋼琴集體教學在高師鋼琴基礎課培養目標的定位上更為合理，對學生綜合音樂素質和實際工作能力的培養也更為有利。
國內數碼鋼琴集體課教學剛剛起步，尚處于探索試用階段。由于對該系統的硬件結構和軟件功能開發利用還不夠充分，新的教學法體系和教材體系尚未完全建立，許多教師仍然沿用個別課的教材和教法上集體課，所以教學效果的改善還不十分明顯，集體教學的優越性還未得到充分的展示，這也是一些教師對數碼鋼琴集體課缺乏信心的原因之一。任何事物發展都有一個過程，隨著數碼鋼琴集體課的推廣和普及，將會涌現出大批熟練掌握軟硬件功能和集體課教學法的優秀教師，編寫出一批經得起實踐和時間檢驗的科學化、系統化的專用教材，那時我們才可以更加客觀理智地評價傳統鋼琴個別課教學與數碼鋼琴集體課教學的優劣。今天，數碼鋼琴集體課就像一個誕生不久的嬰兒，我們應該對其倍加呵護，精心培育，而不應只是站在一邊冷眼旁觀、說三道四。
3、現有的鋼琴教師能不能適應新的教學工具和教學形式？
對數碼鋼琴集體課抱有疑慮和偏見的教師，其中許多人對這種樂器及其教學形式、內容、方法和教材等缺乏基本的認識和了解，不具備擔任該門課程的足夠能力。還有一些教師因循守舊，固步自封，不愿意接觸新的領域、新的技術和新的教學手段，習慣于以一成不變的方式進行鋼琴教學，當教學工具和形式發生變化后，不是積極主動地學習和了解，而是簡單地加以評價和排斥，或者覺得多一事不如少一事，懶于開拓新的研究領域。由于集體課教學不僅要求教師掌握新的教學設備、教學形式和教學手段，具備更加廣泛的專業技能和廣博的知識修養，而且要求教學的計劃性、系統性和科學性更強，因此教師的備課量將會明顯加大，工作強度也要比個別課大得多，這也使得一部分教師因為怕苦怕累而畏縮不前。
青年教師容易接受新的事物，正處在學習提高的黃金時期，他們應當成為教學改革的生力軍和數碼鋼琴集體課教學的中堅力量。雖然他們過去接受的是傳統的教學體系，但數碼鋼琴集體課并不排斥已有的知識和技能，只是這些知識和技能還不足以應付新的教學形式而已。只要好學上進、刻苦鉆研，一大批數碼鋼琴集體課教學專家將會從他們中間脫穎而出。我們對此應當抱有充分的信心。
集體課教學的難點與對策
1、程度差異
學生程度參差不齊、進度快慢不一是集體課教學的首要難題，也是教師們最為頭痛的問題。無論在任何學校開設的數碼鋼琴集體課上，學生程度的一致都是相對的，而差異卻是絕對的。不僅同一個班的學生程度不一，即使同樣程度的學生，經過一段時間的學習，也會逐漸拉開距離。數碼鋼琴集體課的教學，正是建立在這樣一個基點上。因此，忽視或者回避這個問題的態度都是不可取的。
為了維持集體課的教學形式，學生的作業與進度必須保持基本一致，而學生由于天賦、能力、用功程度等因素所造成的程度和進度的個體差異難免與其發生沖突。學生程度差距過大，教師就很難布置共同的作業。如果根據學生不同的程度布置不同的作業，則無疑于釜底抽薪，集體課也就名存實亡了。
根據國內外集體課教學的成功經驗，解決這一問題比較有效的方法是：
（1）先考核，后分班。在編班分組之前對學生進行考核，按照學生的演奏程度進行分組。
（2）及時調整。學習一段時間后，要根據學生進度和程度重新調整班組。
（3）提供補救措施。對進度較慢的學生進行重點輔導，給進度快的學生提供附加作業。這樣既適應了學生的個別差異、人盡其才，又有效地緩解了兩端學生“吃不飽”和“吃不了”的矛盾。
（4）加大重奏合奏的比重。根據學生不同的程度選用或編寫重奏、合奏譜，讓程度低的學生演奏淺易的聲部，程度高的學生演奏較難的聲部，使大家都能勝任愉快。
（5）每組人數要適中。通常以12－20人左右為宜。人數太多了難以保證教學效果，太少了集體課教學的優越性又體現不出來。理想的情況是開始人數較多，隨著學生程度的提高而逐漸減少。
2、教材建設
數碼鋼琴集體課在教學內容和教學方法上不同于個別課教學，它增加了樂理、和聲、視奏、即興演奏、即興伴奏等學習內容，補充了重奏、合奏等演奏形式，融入了世界最新的教育理論和優秀的音樂教學法，因此很難完全照搬傳統的教材體系和教學法體系。現在國內已有一些院校嘗試編寫了部分教材，但似乎仍未跳出傳統教材的框架，僅僅做了一些局部的改良，而沒有整體性、革命性的轉變。所以教材問題至今仍是制約數碼鋼琴集體課教學效果的瓶頸。
沒有一套科學、系統和成熟的教材，完全依靠教師個人的努力去選擇和補充教材，很難保證集體課的教學效果。為了構筑科學的數碼鋼琴集體課教學體系，必須下大力氣編寫出適合國情的集體課教學專用教材。好在我們處在改革開放的新時代，信息的獲取和交流越來越方便快捷，國內外優秀的集體課教材編寫思路和經驗都可以兼收并蓄，為我所用。在學習、借鑒和研究、實驗的基礎上，經過不懈地努力，一批具有中國特色的、科學實用的數碼鋼琴集體課教材的問世指日可待。
3、教法更新
集體課教學賴以存在的基礎是系統講授、共同作業和集體回課。它們三足鼎立，共同支撐著集體課的開設和維持，決定著集體課的優勢和效率，因此，其中任何一項都不能被弱化或取代。
1)系統講授。著名教育家布魯納指出：應該在教學中強調觀念的直覺理解以及這些基本觀念的運用。一門課程在其教學進展中，應反復地回到這些基本觀念上來，以這些觀念為基礎，直至學生掌握與這些觀念相適應的完整的體系為止。數碼鋼琴集體課的教學必須把握教學系統和結構的完整性，注重基本理論、基本內容和基本方法的傳授，而不能有太多的主觀隨意性和即興性。教師要按照事先擬定的教學計劃，有步驟、有重點地講授演奏理論與技巧方法，并采用螺旋方式在不同的程度上反復地強化基本概念和要領。要改變保姆式的教學方式，著力提高學生的學習能力，引導學生對所學知識技能融會貫通，舉一反三，自我發現問題和解決問題。個別課也講究科學性、系統性，但要把那些老生常談的基礎性概念和要領給每個學生系統講述一遍甚至多遍，教師常常會感到無趣和乏味，所以容易頭痛醫頭，腳痛醫腳，騎驢念唱本——邊走邊看。而在數碼鋼琴集體課上，面對一組學生，教師講授的興趣和積極性普遍容易提升，因此學生可以獲得更加系統和全面的知識與技能。
2)共同作業。如果沒有共同的作業，課程就沒有統一的進度，教師就難以組織教學，集體回課也就無從談起。
古語說，預則立。集體課布置作業時必須要有預告，要保證所有學生在獨立練習前都做到心中有數。個別課布置作業時，有些教師往往缺少必要的提示，使一些可以事先避免的錯誤得以發生，等學生回課時才去逐一解決。集體課如果這樣做，回課時學生出現的問題就可能五花八門，解決起來就沒有個別課那么容易了。數碼鋼琴集體課的教師不能滿足于做事后的諸葛亮，而要通過盡可能全面的預示，把大部分可以避免的錯誤消除在發生之前或萌芽狀態。教師在布置作業時對音樂內容與技巧方法要進行詳盡的分析，對那些經常容易出現的錯誤和問題給予事先的提醒，對要點與難點做出清晰的講解與指導，并通過示范與模仿讓學生弄清其中一些關鍵性的概念和要領，使學生不僅知道練什么，還能知道怎樣練，練成什么樣。只有這樣，才能大幅度地減少學生練習中的錯誤，提高學習的效率，教師上課時也不至于那樣勞神費力。
3)集體回課。集體課絕不能變成集體化的個別課。但一些習慣了個別課教學的教師在上集體課時，往往還是新瓶裝舊酒，跳不出個別教學的圈子，回課時仍然以挨個檢查作業、單獨糾正問題為主。這就使得教師東奔西跑、手忙腳亂，時間還不夠用，而大多數學生又坐在一邊無事可干。這樣的教法肯定吃力而不討好，自然不能充分發揮集體教學的優勢和特點。
集體回課并不是要一直讓學生大齊奏，而是要交替運用齊奏、輪奏、獨奏、接力、分組競賽等方式，強化集體課的群體效應，活躍課堂氣氛，調動全體學生學習的興趣和注意力，使每個同學時刻都有事可做。重奏與合奏的演奏效果明顯優于獨奏與齊奏，更容易激發學生的情緒和積極性，即興伴奏、即興演奏的訓練，有利于學生實際工作能力和創造性才能的發展，因此要多增加這些方面的內容。教師在課堂上還要充分發揮學生的表演才能和創造性潛質，為學生提供更多公開表演的機會，增強他們的表演能力和心理素質。為了解決個別學生的操作錯誤，也可以抽取典型的樣例進行個別的指導，但最好把它當公開課來上，使其他學生也能從中汲取教訓，引以為鑒。
4、師資培養
為了保證數碼鋼琴集體課的教學效果，必須要有一支熟悉集體課教學工具、教學形式、教學內容和教學方法的師資隊伍。現有的鋼琴教師不論年齡大小、水平高低，如果不進行繼續學習和專門研究，很難適應數碼鋼琴集體課的教學。擔任數碼鋼琴集體課教學的教師，必須克服因循守舊、固步自封、無所作為的意識和作風，積極主動地投身于數碼鋼琴集體課的研究和教學之中。要通過學習教育學、心理學、中外優秀音樂教學法和集體課教學法，掌握最新的教學思想和教學方法，改進和充實自己的知識結構。要采取走出去、請進來的方法，選派青年教師到國內外進修，請國內外專家講學授課，以盡快提高現有教師的集體課教學能力，使其勝任數碼鋼琴集體課的教學工作。
5、評價與考核
數碼鋼琴集體課的教學目的、教學內容有別于傳統的鋼琴個別課，因此不能完全沿用傳統的評價體系和考核方法。要在嚴密考查、論證的基礎上，逐步建立一套適用于數碼鋼琴集體課教學的、科學完整的評價體系。新的體系要有開放性、發展性、綜合性和多元化的特點。要弱化甄別與選拔功能，強化改進與激勵功能，弱化對結果的評價，強化對過程和發展的評價。學生的學習態度、出勤情況、進步幅度都應在考評之列；要改變只以彈奏難度和質量來評價學生成績的方法，全面評價學生掌握基本技巧及綜合素質、綜合能力發展的情況；要從對演奏水平的單一考查，擴展到對即興伴奏、即興演奏和創造性能力的考查。要制定詳盡的考核細則，使其具有良好的可操作性，并使教師和學生都明白無誤、嚴格遵循。
6、工作量計算
數碼鋼琴集體課在備課、授課難度和工作量、工作強度上都要明顯高于傳統個別課的教學，所以對其教學工作量的計算必須給予適當的傾斜，否則難以調動教師的工作積極性。多年來興起的業余鋼琴學習熱使許多教師的校外教學量和收入比校內還多，如果僅僅從報酬來看，數碼鋼琴集體課的教學就顯得不那么“劃算”了。如何引導教師正確處理份內工作和業余教學的關系，鼓勵教師積極投身數碼鋼琴集體課的教學和研究，仍是一個十分重要而棘手的問題。
近些年來，在高師鋼琴教學中，我們面對的大部分學生的音樂素質參差不齊，幾乎都需要從頭學起，是初學者。按現行的教學計劃，三至五年內要讓學生達到一個較高的演奏水平，難度較大。在傳統的高師鋼琴教學內容中我們一直把培養學生的興趣，提高學生的技術和音樂表現力放在首位，卻忽視了鋼琴教學中不僅僅是要教會學生彈奏，而是要根據學生自身特點進行基本功訓練，教會學生如何去彈奏、怎樣去練習，因材施教。因此，對于這些沒有鋼琴基礎的學生來說，在教學中引入“鋼琴練習法”的內容將在多個層面上起到積極作用。科學的“鋼琴練習法”會引導他們準確地把握鋼琴學習中最基本、最具共性的知識內容，并用以指導自己的學習，檢驗自己的練習成果，將使他們在學習過程中充分發揮出主觀能動性，從而使學習更有成效。下面結合教學實際談談鋼琴教學中的幾點“練習法”教學的心得。
一、培養嚴謹的讀譜習慣是鋼琴練習法教學中的首要問題
我們在教學中經常可以發現，學生在彈奏中會出現這樣那樣的錯誤，例如:音高看錯，把譜表或調號看錯，忽視臨時的升、降記號;時值不準確，過長或過短;音樂表現上忽視音的連斷及樂句的劃分，忽略表情記號甚至文字說明等等，形成這些問題的原因就是因為學生不會讀譜，不懂得讀譜的重要性。因此，教師應該在學生入門時就嚴格要求，養成學生嚴謹的讀譜習慣，應該讓學生清楚地知道，樂譜不僅僅是音符的羅列，樂譜上記載的所有符號是它所傳遞的信息，只有依賴這些符號才能將一首樂曲從陌生彈奏到精通，在彈奏之前“閱”讀是學生首要的、必做的一個功課。讀譜就像閱讀書籍一樣，不是簡單的瀏覽，而是要讀懂音樂符號的含義:第一，“閱”讀樂譜上記載的一切———淺層要求;第二，“閱”讀樂譜背后蘊藏的內涵———內在要求;第三，在“閱”讀的過程中，還應想象音樂的實際音響效果———深層要求。教師可以在課堂教學中加入看譜視唱與節奏訓練的內容，以促進學生讀譜能力的提高。一定要嚴格要求學生養成嚴謹的讀譜習慣，這是入門階段教學的首要問題。
二、科學的慢練，培養耐心和意志力是教學中不可忽視的練習法
在鋼琴課上，學生往往會因為樂曲彈奏的不熟練而被教師要求放慢速度去練習，但學生在課后的練習中真正可以放慢速度練習的學生少之又少，而進行慢練的學生卻又不得其法，“慢練”成了一句空話。因此，教會學生如何科學的慢練，讓學生學會慢練的方法，養成慢練的習慣，培養耐心及意志力，是一個在教學過程中不可忽視的問題。科學的慢練可以按照以下幾個步驟:
(一)在視譜階段即確定最佳的指法進行彈奏;
(二)在練習中把樂譜的節奏放大，放慢一倍至兩倍去練習;
(三)正確的劃分樂句，慢練分句中音樂的語氣，語調及呼吸;
(四)在慢練中確定彈奏的基本動作走向，即把整個彈琴的動做當做是慢鏡頭，以鍛煉手指的機能，協調全身的動作;
(五)慢練是一種有目的訓練手指的機能的方法，練習時頭腦要清醒，并需要足夠的耐心及意志力。
三、分解細部練習是提高彈奏水平的有效途徑
課余走在琴房里，經常可以聽到學生們不斷地一遍又一遍從頭到尾彈奏一首樂曲，并不流暢熟練，錯誤的音符和技術不過關的片段以及音樂表現力不到位等等問題卻不知道去改正，盲目地反復彈奏，這是學生中普遍存在的一個練習上的誤區。到了學生學習的中級階段，要提高學生的演奏水平，更要在教學中加入一定量的練習法內容，而這時的最有效的練習法就是分解細部練習，即把音樂分成細小的部分，先是一小塊一小塊的練習，再連到一起，就好像組裝一部精密的儀器。
(一)分手練習法:要讓學生清楚地知道，任何樂曲在完成讀譜練習后，一開始都要分開左右手練習，即便是一首非常簡單的練習曲。不但在熟悉曲子的初步階段要分手，當對曲子已經基本了解、處理也基本趨向成熟時，仍然要穿插適量的分手練習，這樣有助于學生對音樂的理解。
(二)分聲部練習法:要讓學生養成把音樂中的各個聲部、各個層次區分開來練習的習慣，并做到把每個聲部、線條與層次的音色，可以用耳朵和手指區分優劣，表現出它們各自的獨立意義并完美地連接起來不僅僅是在進入復調練習時才做分聲部的要求，在主調音樂中就應開始建立學生對聲部的聽覺與感知能力。
(三)分樂句練習法:修正學生忽略細節，從頭至尾的練習方式，在教學中引導學生集中注意力，以最大的耐心仔細練習，要求每個細節的正確彈奏方法都必須分開樂句，一句一句的無數次的反復練習，感知。
(四)分段落練習法:音樂其實與文章有著相似之處，不同的樂曲按照不同的方式可以劃分成一個個段落，要培養學生劃分音樂段落的能力，并在曲子的提高階段按照事先劃分好的段落練習，再連起來，把音樂表現做到從心到手的抒發與流露，這也是一個樂曲演奏的較高層面。
四、練習快速跑動的最好方法
當教學內容進行到中高級階段時，學生會接觸到快速練習曲，或是技巧性極強，速度要求極快的華彩樂段。學生們遇到這樣的段落時要么彈奏得含糊不清楚、漏音，要么彈奏得漂浮無根、音質不集中，究其根源就是沒有找到練習這樣片段的科學，有效的方法。首先，應該讓學生理順樂曲的指法、樂句的劃分及動作的走向，把每一個音符彈結實，手臂和手腕配合自如，音與音連接的平滑均勻，這是快速彈奏的基礎;第二，訓練學生進行低指貼鍵的手指練習，即手指不離開鍵盤表面，全部動作只在鍵面與鍵底之間交替進行。這種方法是獲得集中而流暢的圓潤音色的法寶，在于控制住每一個手指，使之活動于從鍵面到鍵底的有限距離內，依靠微小而精確地的動作，把音彈得結實有力，集中并均勻。第三，要求學生進行變化節奏的練習，把樂曲中每一小節之內的節奏進行變化，或是伸長或是壓縮，并變換速度去練，從慢速到快速，變速練習是提高手指連續跑動速度的有效手段。通過這樣的反復練習，學生就能夠把琴鍵嚴密的控制于手中，樂曲就會彈奏得準確無誤，出神入化。
五、“無譜無琴”是鋼琴練習法中的至高境界
教師在教學中應告訴學生，練琴可以分為兩種方式:有琴練習和無琴練習。應該教會學生們學會“無琴”練習，建立“心中有琴”，并要求學生在練習中進行“無譜無琴”的練習方法。有這樣一個故事:鋼琴大師羅賓斯坦羅的鄰居見到他，佩服地說:“你真不愧是偉大的鋼琴家，每天都要練習八個小時以上。”羅賓斯坦羅回答說:“你錯了，我每天二十四個小時都在練琴。”其實只要我們留心觀察就可以發現，很多樂器方面有造詣的人，他們的手指無時無刻都在動，身體的任何部位都變成了樂器，桌子、椅子都變成了鍵盤。曾經有一個堅持業余學琴多年的高中生在和老師的交流中說:“課間我在課桌上可以練琴，放學路上我哼著學習曲子，練琴的時候我是在尋找平時想要的聲音效果。”后來這個學生再一次鋼琴大賽中取得了很好的成績，所以說“無譜無琴”的練琴方式大大提高了練琴的效果，也只有這種練習方法才能使彈奏的音樂真正成己所有，成為自己心靈的語言。以上這幾點心得是各階段鋼琴學習中的優秀方法，把這些方法歸納起來并把它作為鋼琴教學內容的一部分，筆者把它稱之為鋼琴教學中的“練習法”教學。“授之以魚，不如授之以漁”，我們應該把“練習法”教學作為高師鋼琴教學中的一個重要內容來傳授給學生，按照課程的不同階段，學生的不同程度給予不同的練習方法，這也是我們在鋼琴教學改革中的一點啟示。
一、手指彈奏的姿勢
在鋼琴彈奏中指法彈奏的代名詞。指法體現著演奏科學規范、巧妙的運用。演奏者樂感、節奏感綜合能動性體現在彈奏的指法上。指法的順指舒展，擴指自然，穿指流暢，跨指連貫，換指科學，縮指簡便，輪指清晰，跳指矯健。多鍵指準確，和弦在拍點，大跳及時，快而不亂。具備這些條件才算合格。學琴者面前的首要任務就是擺在每一位學琴者面前的課題和任務就是：探尋指法的潛力、體驗指法的神氣、追求指法的嚴謹、研究指法的科學、掌握指法的規律，運用指法的奧妙。經過證明：好的指法是最方便進行鋼琴演奏的，反過來說，最利于進行鋼琴演奏的指法是最正確的指法。養成良好的運指習慣是完成技巧的前提條件。在練習音階之前，應當熟悉音階中的每一個音及其指法的運用，如拇指三指和四指在轉換時的運用。這一切都應當脫譜熟記，之后再開始練習。特別要注意黑白鍵交替過程中固定指法的運用，避免拇指上黑鍵，保證一至三指、一至四指音列進行的順暢。最普遍的指法時C大調的指法，其余各種調的指法都是在此基礎上演變而來的，變化的目的只有一個，即方便鋼琴的彈奏。
二、鋼琴彈奏的指法技巧
（一）彈奏的均勻
音階的練習就是在彈奏不均勻中普遍存在的。換句話說，音階是彈奏最重要的，也就是通過手指彈得不均勻是音階練習中普遍存在的一個問題。彈奏不均勻，一般有兩個方面，一是彈奏的力度，另一個是彈奏的速度。不少人彈音階，這兩方面彈奏的不均勻都兼而有之，提高彈奏的基本功就是要具備手指的獨立性。
（二）彈奏的速度
音階彈奏如果在短期內有很快的提高，必須要循序漸進的進行彈奏的練習。如何有效的提高音階的彈奏技巧、彈奏速度，在剛開始練的時候，不要過快。最好是先慢速練習。指法、鍵盤位置熟練以后再逐漸加速。手指的快速跑動能體現手指的指觸反映和彈奏靈活能力，主要體現在靈活、敏捷、快速。手指快速跑動關鍵在于正確的用力。練習中我們經常跑不動、跑的笨重。由于音樂停滯、不流暢。導致手腕產生嚴重的抖動。解決這些問題需要把一個音用一次力轉行為一組音用，或者用一個力度彈奏一組音、一串音。在速度練習中要長期執行。剛開始練習是短跑，音較少。隨著練習的進度，跑動的距離要加長，手會累，彈奏的速度減慢，不均勻，不清楚。這個時候要加強手指承受能力和持續時間。加大練習的運動量。最主要還要依靠意念，積極主動的進行。要有好的精神狀態才能會產生動作的積極性。精神狀態如果不好的話，會出現疲憊和懶散的不積極的彈奏速度。速度的練習有時不在技術動作有問題，而在精神意志的懶惰。另外要加強弱指的訓練，要一點一點的完善它們。
（三）彈奏的力度
彈奏力度的不均勻，往往是由于1指和5指。1指的力度較重。而且因為轉指，導致彈奏力度就不均勻。而5指天生較弱，沒有經過的長期訓練，是無法達到靈活的效果的，所以重點要特別控制1指。因為1指動作異常緩慢，沒有其它各指那么靈活。而且，加入黑鍵基礎很難控制。在音階要注意力度的自然傾向，即上行是要均勻的漸強，下行時細致的漸弱。彈奏的力度要盡可能保證一致，避免音的力度無變化、彈奏僵硬，使音階缺乏圓滑流暢的感覺。在自然大調中，手的狀態是最均勻的。這就告訴我們手指在黑白鍵上的區別。所以，彈奏時在鍵盤上用不平的方式進行，可以得到平穩的彈奏結果。因此，在彈音階時，除轉彎之外，還要注意手指順應鍵盤位置的高低變化。最后，練習音階最好彈奏的時間要持久一點，使手指能充分的連續活動，在彈奏鋼琴技巧訓練中，要持久的練習是最重要的，也是很有用處的。
三、結語
由此可見，彈奏在音階的過程充滿了價值。從一個八度開始到一條完整的音階，再到所有二十四條音階，都應該熟練掌握。然而，對音階彈奏的姿勢、技巧更要了如指掌，使雙手能夠以各種變化方式進行彈奏。總之，音階練習不容忽視。只有認識到音階練習的重要性，才能提高練琴的質量；在鋼琴教學中，更需要我們的重視，用心發現問題及時總結，從小細節中得到大的發展。
作者:李靜 單位:長江大學藝術學院
一、關于鋼琴教學中技術練習與音樂表現存在的問題
（一）音樂教師缺乏培養學生獨立思考和彈奏能力的訓練
對于鋼琴教學來說，是作為幼師所必須學習的一門課程，它可以使學生能夠提升自身的音樂素養，也可以使學生學到專業的技能，從而有效的應用到未來的工作中，而音樂教育者在訓練學生進行鋼琴彈奏時，卻沒有使學生學到真正的彈奏技能，大部分的音樂教育者受傳統教學方法的影響，在課堂教學過程中占據主體地位，忽視學生在課堂中存在意義。音樂教育者只將彈奏的基礎知識教給學生，就讓學生按照自己所教給的知識進行彈奏，使得學生無法理解其教學知識，教師在教學時缺乏學生之間的交流互動，使得學生的思維能力的發展受到阻礙。久而久之，就導致學生缺少獨立思考的能力，在彈奏音樂時也不會產生疑問，只是對教師教學過程進行模仿。與此同時，教師在訓練學生彈奏鋼琴時，沒有給學生充足的時間進行練習，導致學生無法形成良好的彈奏能力，最終影響了對學生的教育。
（二）音樂教育者的教學方法陳舊，無法吸引學生的對鋼琴的興趣
通過鋼琴彈奏出的曲子旋律優美，能夠激發起人的音樂情感。但是，部分音樂教師在教學時卻忽略了這一點，在鋼琴的教學過程中，教師重視知識點的講授，在大多數教學情況下，教師采用的教學方法，使得原本生動的鋼琴教學變得枯燥乏味，學生也逐漸對教師的鋼琴教學失去信心，從而導致鋼琴教學不在有它獨具特色的魅力。同時，由于教師缺鋼琴教學方式的創新，嚴重的阻礙了學生對鋼琴的技術學習，致使學生在彈奏鋼琴時不能夠充分的發揮好自身的本領。
（三）學生對所彈奏的音樂不夠了解
要想將音樂通過鋼琴彈奏完美的表現出來，就要使彈奏者能夠親身的感受音樂，體會所彈奏音樂的情感，但是，大多數學生在彈奏音樂時都沒有先使自身融入到音樂當中去，而是直接照著曲譜彈奏出來，這使得所彈奏的音樂聽起來非常空洞、沒有感染力，與此同時，學生又缺乏對所彈奏音樂的理解和認知，從而不能夠感知音樂，彈奏音樂不僅僅是要有彈奏技巧的，而且也需要彈奏者對音樂具有思想情感，只有兩者同時具備才能彈奏出優美的音樂，這也是導致許多學生不能彈奏出優美的音樂的原因之一。
二、對于做好幼師鋼琴教學中技術練習與音樂表現的對策研究
（一）對于學生的彈奏鋼琴的基本功的訓練
要想使學生能夠擁有熟練的鋼琴彈奏技巧，就要扎實學生鋼琴彈奏的基本功，要使學生通過基本功的訓練，掌握基本的彈奏技巧。因此，教師就要訓練學生手指、手腕的靈活度，逐漸使學生從初級訓練進入高級訓練。例如：在學習《哈農》時，教學的前半部分是訓練學生的每個手指，后半部分主要是將手指與手腕、手臂結合起來訓練，從而使學生能夠掌握每個音階的位置，并按照順序彈奏出來。然后教師在帶領學生練習《車尼爾》，加深對所學知識的訓練，這些基本的鋼琴曲是每個彈奏者所必須學習的，它可以為學生彈奏鋼琴打下良好的基礎，使學生在日后輕松的演奏音樂。
（二）音樂者要對教學方法進行創新，激發起學生的彈奏興趣
對于學生而言，彈奏鋼琴是一個比較復雜的過程，而且長時間的訓練也會使學生逐漸的失去耐心，學生在學習時會感覺到疲倦，并產生厭倦的心理。因此，在對學生進行鋼琴訓練時，教師要采用趣味的教學方法，吸引學生的注意力，使學生能夠感受彈奏鋼琴的樂趣，所以教師要選擇簡單的教學材料，讓學生感覺彈奏鋼琴不是很難，教師可以讓學生先聽一些音樂，猜一猜這些音樂都是用什么樂器彈奏出來的？這樣既可以激發學生的思維能力，也可以讓學生快速的融入到教學過程中，從而使教師能夠有效的進行教學。例如:教師可以創設情景教學，也可以進行游戲教學，更可以采用競賽的方式讓學生彈奏鋼琴，這些有趣的教學方式，都會激發學生學習音樂的興趣，從而使學生能夠在學習的過程中獨立思考，并掌握彈奏鋼琴的技巧，也會使教師教學水平提升。
（三）教師要使學生充分發揮自身的音樂表現能力
在彈奏鋼琴的過程中，學生才是其主體，如果教師限制學生彈奏鋼琴，就會使學生的心理受到影響，學生會認為學習鋼琴沒有任何意義和樂趣，對于學生而言，鋼琴彈奏訓練有著強大吸引力，不管是品德兼優的學生還是成績較差的學生，都有著對鋼琴學習的欲望，因此，音樂教育者不要限制學生彈奏鋼琴的時間，讓使每一個學生都能夠得到訓練，在課堂中充分的表現自己的才華，只有將自身的彈奏技巧融入到音樂表現中來，才會得到大家的認可，同時學生也會樹立起自信心。總而言之，要想使學生能夠彈奏出優美音樂，就要讓學生在學習時掌握熟練的彈奏技巧，只有這樣，學生在彈奏時才不會出現問題。同時，音樂教育者也要積極的配合學生學習，在教學過程中，給學生充足的彈奏時間，讓學生成為鋼琴課堂教學的小主人，音樂教師這要使學生在課堂中充分利用鋼琴將音樂表現出來，只有這樣學生才會真正的融入到音樂學習的過程中，才會提升自身的鋼琴技巧和音樂素養。因此，鋼琴的彈奏技巧和音樂表現是鋼琴教學的重要內容。
作者：白楊 單位：鄭州幼兒師范高等專科學校
摘要：
鋼琴課是高等院校音樂專業重要課程之一，在推進鋼琴課程改革實踐中，針對不同學生的訓練方法的總結與提煉，更有助于促進鋼琴課程教學的深入發展。練習法的選擇與運用，在高師鋼琴課程教學中是最基本、最具共性的教學重點，也是檢驗學生自我鋼琴演奏技能，提升鋼琴教學實效的重要途徑。先就常用鋼琴練習法教學要點及注意事項進行探討，并從中來提煉鋼琴練習法教學的學習對策和科學方法。
關鍵詞：
鋼琴教學；練習法；學習策略；方法措施
鋼琴教學技巧性極強，在提升鋼琴演奏教學中，對不同練習法的運用，既要注重科學性，還要強調練習質量，以增強學生對鋼琴演奏的音樂表現力。在高師院校鋼琴教學中，面對學生鋼琴基礎的差異性，需要打破傳統高師集體教學的弊端，強調學生的個性與興趣教學，因材施教。為此，通過在鋼琴教學中引入練習法教學內容，引導學生從理解和把握鋼琴練習技巧中，一方面對自我練習成果進行檢驗，另一方面從練習教學中增強學生的自主性，提升鋼琴教學實效。
一、培養嚴謹、準確的讀譜、唱譜習慣
鋼琴教學實踐性強，在開展鋼琴練習法訓練教學前，首先要引導學生培養良好的、嚴謹的讀譜、唱譜習慣。在練琴實踐中，我們經常發現一些學生將高音看錯、將調號看錯、甚至忽視譜表、臨時升降記號，這些問題的出現，要么過于倉促、不熟悉，要么缺乏讀譜準確性，忽視音樂的表現力。對于不同時值的音符，其在連、斷、句劃分上的問題，多與讀譜習慣不科學、不嚴謹有關。[1]因此，從鋼琴練習法教學中，要強調正確的讀譜習慣，特別是鋼琴教學入門時，要嚴格要求學生認真讀譜，明確的認識到樂譜的規范性、科學性、準確性。同時，對于讀譜訓練，在平時的練習上要像讀書一樣，一方面關注樂譜上的基本音樂符號，另一方面要讀懂樂譜背后的藝術內涵。說起唱譜，很多學生認為沒有難度，不過是將每一個音符唱出來而已。其實，唱譜的訓練，與讀譜同樣重要。盡管唱譜教學未列入硬性要求，但對于初學者來說唱譜訓練，很有必要從鋼琴練習教學中進行滲透。引導學生把握不同速度的變化、體驗時值的差異，在讀出音準的同時，將音符的時值也讀出來。
二、注重慢速練習掌握正確的彈奏要領
在鋼琴練習法教學中，慢速練習法是最常用和最有效的方法之一。在慢速練習法中，演奏者可以克服因技巧問題而帶來的銜接難題，能夠從樂曲的接觸中，少出錯誤、不出錯誤。[2]在慢速訓練中，可以讓學生能夠兼顧左右手的配合，還能處理好不同曲譜對指法的變化。很多學生忽視慢練法，甚至不會慢練法，以致于在后期的訓練中，往往因快速練習而出現差錯，要么讀譜時有漏譜的通病，有的學生在快速練習中把握節奏不準確，對時值掌握的不夠，要么彈得過快，要么出現彈錯現象。同時，對于快練過程中手指站立不穩問題、手臂過于緊張等問題，在后期訓練中往往積重難返，既浪費訓練時間，還降低了教學效率。可見，加強對慢練法的訓練，注重在鋼琴練習教學中慢速練法的運用至關重要。當然，在開展慢速練習法訓練時，要注重兩點。一是要關注對正確指法、動作的訓練。有些學生在慢速練習中存在關節塌陷、手指懶散、甚至注意力不集中，拖拖拉拉、無法從慢速演奏中獲得應有的練習質量。在《鋼琴教學法》中，應提出“在快速彈奏段落里運用慢速練習法，只是對音與音的間隙進行了擴大，對于手指來說其反應仍是敏捷的。只有在后期的訓練中，不斷縮減音與音的間隙，提升手指的彈奏速度即可養成”。[3]可見，對于慢速練習法，并非一味地放慢速度，而是從慢速訓練中，認真體會演奏中手臂、手指、琴鍵之間的協同關系。二是注重慢速練習法中對觸鍵、力度、節奏、速度的綜合體驗。慢速練習并非教學目的，而是幫助學生理解和掌握鋼琴演奏方法的一種手段。在慢速練習法中，隨著學生練習次數的增加，對樂曲的理解越來越深刻，從速度上逐漸提升來，并從練習過程中體會音符的強、弱變化，從中獲得演奏技能的養成。
三、強調分手練習法的平衡與協同
（一）分手練習法的運用
鋼琴演奏通常是雙手進行，在分手練習法訓練中，可以從兩手的獨立性上訓練，促進兩手均衡發展。我們在學生練習實踐中發現，每只手的彈奏效果是存在差異的，而要提升鋼琴練習效果，借助于分手練習具有積極成效。但有學生認為分手訓練過于麻煩，忽視分手訓練方法的應用。但事實上，分手訓練能夠發現很多學生在鋼琴演奏中出現的問題，如指法錯誤、節拍錯誤、音符錯誤等。兩只手因承擔不同的演奏技巧，在進行分手訓練中，學習者可以從不同的時間周期來辨析不同演奏的手指指法變化，關注自身分手練習中的常見錯誤，并從改進中來提升彈奏質量，實現鋼琴演奏精細化練習。同時，在分手快速訓練中，單手快速練習法僅僅是加快了演奏速度，對于單手聲部的訓練是漸進的，通過加速訓練，更便于學生掌握樂曲旋律，處理好單手的強弱變化。
（二）雙手合練法的運用
分手訓練與合手訓練都是基礎性練習，都需要從左右手的協同配合中來發現錯誤，并從中及時改正，教師也可以通過分手、雙手合練等分解中，來對學生進行針對性指導。雙手的配合要結合旋律線的變化進行協同，學習者要將兩手的旋律進行記憶。這種慢速的雙手配合，看似一個音符、一個音符的對位，其實更有助于增強學生的視奏與記憶能力。慢練法在鋼琴演奏訓練中具有重要作用，通過慢速雙手合練，能夠保持樂曲的完整性，并對樂曲的分段、分句進行準確記憶，在慢速的訓練中少出錯，為后續提速訓練創造基礎。[4]對于慢速訓練并非是浪費時間，并非需要對所有樂曲通篇進行慢練，而是要結合不同樂曲的技術難度，靈活的選擇慢速雙手合練法，促進科學訓練。相對而言，雙手快速合練法是對慢速訓練的過渡，也是促進學習者手指靈活性的有效途徑。
四、無聲練習法的運用
在鋼琴演奏中，對演奏者的邏輯與形象思維、技術與藝術性提出更高要求。如在技術層面，演奏者要具備快速、準確的讀譜能力，能夠靈活、正確的選擇觸鍵方式、能夠以恰當的速度、適度的音樂強度來表達樂曲；同時，在演繹層面，還需要演奏者能夠正確理解不同作品的內涵，明確不同時代鋼琴演奏的風格特征，把握鋼琴的音色及技巧處理等。
（一）有譜、脫譜無聲練習法的應用
針對有譜或無譜條件下的無聲練習法，主要是針對不同訓練場合，根據教學環境來適當選擇和應用。無聲練習法的重點在于促進學生從自主訓練中增強對曲譜的理解，培養鋼琴練習的熟稔度，降低鋼琴訓練中的壓力。相對于有譜，脫譜無聲練習法主要是通過反復視聽方式，對樂曲進行完整記憶，并利用手指的無聲演奏來處理不同曲段的強弱變化、連斷分句、快慢等變化，以得到“真實”演奏的效果。如在平時缺乏鋼琴的條件下，利用真空狀態下的無聲練習，更能夠從內心的體驗與感知上，對樂曲進行深刻的理解。
（二）動作無聲與意識無聲練習法的應用
鋼琴演奏技巧的學習與運用是理性化教學的基礎，學生在認知中不僅要知其然，還要知其所以然。因此，對于鋼琴課練習法的多重運用，特別是無聲訓練中的動作與意識無聲練習法，教師要能夠從學生的基本肢體動作和演奏技巧上，在常規化動作教學、示范下，來針對性的改進學生的演奏能力。以斷奏訓練為例，從技術上斷奏可以分為大臂斷奏、小臂斷奏、手腕斷奏和手指斷奏四種。不同斷奏對肢體的肌肉群、關節提出不同要求。如大臂斷奏，以肩關節為軸來利用大臂帶動小臂，繼而帶動手腕、手指在琴鍵上敲出琴音，大臂外肌肉群是力源，利用大臂所產生的下墜力來進行控制，使得整個手臂處于有序、放松、自然的狀態。
五、對不同練習法思考和建議
無論是那種練習法，在鋼琴課程教學運用中都要從三方面進行思考。一是強調對鋼琴作品的正確理解，注重優選合適的練習方式。每一首鋼琴作品，其創作背景、時代特征、指法訓練、演奏方式等都存在差異性，教師要從多方面講解中來指導學生理解和分析樂曲的重點、難點，并結合學生的自身特色、實際來選擇練習法。同時，針對鋼琴教學中的共性問題，一方面突出對演奏技能的訓練，另一方面加強對音樂作品的思維與認知開發，特別是多種練習法的綜合運用，調節鋼琴訓練的緊張度。二是強調鋼琴教學目標，構建遞進式訓練法體系。對于高師鋼琴教育，要在課程內容深化中，關注學生鋼琴素養的養成。一方面要關注鋼琴演奏水平的提升，特別是對于鋼琴演奏技巧的學習和掌握，另一方面要注重鋼琴理論的滲透，明確鋼琴教學方法與學習方法的差異性，全面提升學生的知識結構和鋼琴水平。三是注重鋼琴教學模式的創新，挖掘鋼琴教育的思想內涵，更新教育觀念。鋼琴練習法教學要兼顧學生鋼琴教育與鋼琴課程內容的協同，要積極借鑒不同的教育教學方法，既要強調對演奏技巧的訓練，還要輔以鋼琴作品賞析，以及鋼琴理論課程、實踐課程，即興伴奏等課程的多重運用，提升學生的音樂修養。
作者:秦亞潔 單位:隴南師范高等專科學校
摘要：音階和琵音練習屬于技術類型的訓練，在鋼琴教學訓練中占著重要的地位和作用。學生要想打下良好的基本功，就必須通過大量的音階、琶音練習。該文主要論述了音階和琵音練習在鋼琴教學中的作用和意義。
關鍵詞：音階；琶音練習；鋼琴教學
所謂音階，就是將音樂中所使用的樂音按音高的順序依此排列起來，形成階梯狀的序列。所謂琶音，就是將同時發音的和弦各音按從低到高或從高到低的順序依此奏出而不是同時奏出的音。
在鋼琴教學中音階、琶音\屬七和減七和弦\雙八度以及雙三度等這些基礎訓練處于十分重要的地位。許多曲子都是巧妙地運用了各種音階\琶音和弦和分解和弦（包括它們的種種變體）作為表現音樂的手段。例如，爾尼740練習中的第一條就是各種音階組成的，第二條則是由各類琶音組成的。音階和琶音等基本功訓練不可取代的作用還可以從以下事實中得到印證。拉薩列夫是俄國著名鋼琴家，他常常告誡他的學生，每天應該練一小時左右的音階、琶音。魯道夫塞金也十分重視音階、琶音等技術訓練，他認為沒有技巧，即沒有音樂。巴克豪斯也強調音階、琶音的練習，他每天都練半小時以上的音階、琶音而且都加上表情。鋼琴大師們尚且如此,可見一個學生在他學習技術的七、八年里，音階、琶音是非常重要的學習內容。
教學實踐也證明，雖然音階\琶音彈起來和教起來都枯燥乏味，不易有“立竿見影”的教學效果，但是由于鋼琴演奏技藝性很強，在學習過程中需要進行大量的、長期的音階和琶音訓練。如果一個學琴者缺乏這種扎實的訓練的話，當他開始跨入中級程度后不久就會遇到困難，使他無法再取得更大的進步。
由此可見，要想彈好樂曲的前提是先打好基礎，把音階\琶音等基本功練好。那么用什么樣的練習方法才能做到事半功倍的效果呢？下面我們從兩個方面談一下音階、琶音在這方面的重要性。
1.音階作為基本功的重要性
人的十個手指天生能力不一樣，而音階練習要求每個音的力度要均勻一致，練習音階能夠使手指得到平衡發展，并提高控制手指、運用手指的能力，還可以幫助學生熟悉鍵盤的位置。
全部的音階，是由24個大小調式組成的。我們接觸最多的歐洲鋼琴音樂，幾乎全部屬于這些調式。熟悉了音階，也就熟悉了這些調式、調性。而在樂曲中，常有音階和音階式的進行，往往這也正是技術難點。平時練習音階，就為克服樂曲中的難點事先做好了準備。相反，沒有音階練習的基礎，一旦在樂曲中遇到音階臨時練習，就要延誤正常的學習進度了。表面上，音階的音符是按順序排列的，認起來并不難。但實際上，把音階彈奏得較快而又均勻是很難的。我們必須每天認真地練習并長期堅持才能彈好音階。
那么，要用什么樣的速度和力度練習音階呢？要將音階彈得速度快而又力度強，不是短時期練習所能達到的。對于初學者，尤其是小孩，在速度力度的要求上，應有一個由易到難，循序漸進的過程。在開始階段，應該慢而又弱，要求在最自然、最省力、腕和指最協調的狀態下彈出最均勻的音階。然后依次過渡到比較快比較強。在經過長期的慢練達到快而又強時，本質上應當依然是自然、省力、協調的狀態和感覺。
2.琶音作為基本功的重要性
鋼琴音樂是一種和聲音樂，和聲的基礎是和弦的連續，琶音又是和弦的一種形式。因此，琶音在鋼琴音樂中占有十分重要的地位。在歐洲古典音樂中，琶音或琶音類的進行相當普遍。彈好了琶音，也就是彈好了許多鋼琴曲的片斷。
由于琶音是和弦的一種形式，練習琶音的過程也就是熟悉各個調性、調式的各種和弦的位置、和弦的不同色彩的過程。彈琶音時，由于手位迅速轉移，其難度比彈音階要大。其中，關鍵又在于手腕靈活的協調配合。所以，琶音練習可以幫助獲得良好的感覺和狀態。彈好琶音，也離不開手指的積極主動。而且，手指是在比彈音階時更大的范圍里運動，必然對手指能力提出更高的要求。所以彈琶音，也就是訓練手指的靈敏和活力。在速度方面也可以和彈音階一樣，先慢后快。相比而言，練習琶音的速度可略慢于音階。但最終掌握技術之后，并不存在于兩者之間的差別。琶音所能達到的速度并不低于音階。由于琶音的音和音之間的距離較寬，在慢速練習中比音階更容易顯得孤立，所以尤其要強調動作、線條、觀念意識上的整體感和連貫感。
綜上所述，音階、琶音的彈奏水平是學生技術水平的標志之一。所以各種“考級”都把音階、琶音作為基本考試內容之一。它是鋼琴技術最基本的兩種技術。可以說不論演奏哪種風格、哪個時代的作品，都離不開大量的音階和琶音。可見音階、琶音在鋼琴教學中是多么的重要。
3.音階、琶音在技術訓練中的重要作用
3.1彈好一首樂曲還要有很好的技巧訓練。技巧訓練從本質上講就是提高手和手指的機能，同時讓大腦能加以完善的控制。也就是所說的基本功的訓練。這只有通過練習的量的積累才能達到。當掌握了合理的彈奏手法以后，練習的量就是決定因素。集中的、大量的手指技術訓練，在一定階段上能使學生的手指功能在短時間內實現質的飛躍。總的來說，在這方面，音階、琶音練習比練習曲或樂曲更需要大量的練習。只要連續彈上十幾分鐘的音階、琶音，手掌就會有隱約發酸的感覺，如果連續彈上半小時到一小時，手指的活動量就相當可觀了。這就是練習音階、琶音的一個很重要的作用。
3.2還有些特定的技術要求。要想把這些特定的技術彈好，就必須讓手得到很好的訓練，就必須通過大量的練習才能達到。而在彈奏音階、琶音的練習時才能得到集中的、大量的訓練，才能達到訓練目的。一個學琴者要想把音階、琶音都彈好，不花費很大的功夫是辦不到的。
3.3練習音階、琶音最好每一遍都能彈得持久一些，使手能夠得到充分的連續活動。車爾尼通過他的練習曲集作品337和作品365闡明了這一點。他要求彈奏每一小段都要反復彈十幾遍，使手得到大量的練習。前輩們的經驗告訴我們，學生通過大量的練習音階、琶音，能在很少的幾個月里達到純熟的程度，而用通常的辦法練習，只有通過幾年辛勤刻苦的練習才能取得一定的成績。
3.4彈奏音階、琶音時如果把同向、反向法結合起來彈并加以一次或幾次反復，就能達到持久彈奏的目的。反向練習還能夠增加彈奏中的趣味。半音階也可用相同的方法來彈。這一部分練習會花去很多的時間，但也會從中得到很大的收益。不僅加強了手的鍛煉，還加強了手指的獨立能力和整只手的力量，可為彈好樂曲做好充分的準備。本來鋼琴技術各種類型之間，都存在著有機的聯系，能互相補充、互相促進。一個學琴者要想彈好大的樂曲，不彈各種各樣的類型的基礎練習是不行的，只要將各種類型的練習有機地結合起來練習，技術才會進步很快，才會彈奏得越來越好。
總之，基本功的訓練是十分重要的，它需要經過艱苦磨練。實踐證明，通過練量的音階、琶音才能少走彎路，才能打好良好的基本功，技術才能進步得越來越快，從而達到事半功倍的效果。
摘要：鋼琴教學作為音樂教學的必修課，一直在尋找一條有利于自身發展的途徑，以使自己的學生更加適應社會的需要。鋼琴教學是一個發展性課題，還有很大空間去挖掘。隨著音樂教育改革的深入，我們對此關注的視點將更加廣泛，深入。但是對于鋼琴學習者來說，選擇正確的練琴方法，從而有效地提高演奏水平，是一個極其重要的問題。本文針對在練琴過程中存在的不足找到練習方法，從而解決問題，提高練琴效率。
關鍵詞：音樂教育；鋼琴；問題；提高效率；方法
鋼琴技術教學在我國已初具規模，適應社會業余鋼琴教學的需要,占領這一廣闊的教育領域,是鋼琴教學不容推辭的義務。在學生學習鋼琴彈奏的同時,要把將來如何教好鋼琴課作為教學的重要內容之一；要把那些效果較好，引人入勝的鋼琴教材介紹給學生,便于他們以后用于教學；音樂教育專業鋼琴教學需要注意的問題如下：
（一）教師要根據學生的程度因材施教，學會分級教學
隨著擴招政策的實施，音樂教育專業的學生入學率大幅提高，學生們的鋼琴水平參差不齊。有的學生入學前已經學過多年鋼琴，基本功扎實，音樂表現力豐富，他們大多數會選擇鋼琴主修專業。對于這樣的學生，老師們教學難度不是太大，主要側重豐富學生的技術方面，提高其音樂表現力，鍛煉學生的意志品質與耐力。
還有的學生入學之前只學過一年左右的鋼琴，本身鋼琴演奏的技能很薄弱，基本功不扎實，彈奏動作僵硬，識譜很慢。對于這類學生，鋼琴教師應在教學中給予更多的關注，他們需要老師更多的細心，耐心與愛心。老師在教學上進行嚴密的安排與部署，需要最大限度的去開發其潛能，加強他們的基本功訓練，在有限的時間中，使他們除了掌握一定的表演技能以外，還能夠掌握鋼琴即興伴奏的知識。
（二）教學中應貫徹融合性原則
音樂教育專業的課程設置目的是突出“一專多能”甚至“多專多能”的培養目標，走的是一條培養綜合素質高的音樂人才的道路。它要求學生不僅具有一定的演奏能力，同時對其他相關的學科的理論知識也應熟悉和了解，并且有獨立的研究能力和教學能力。音樂教育的學生，除了會演奏鋼琴以外，還有會教鋼琴，用鋼琴為個唱，合唱伴奏，在音樂欣賞課堂會用鋼琴教學等等。
（三）教學目標要明確，要細致分析教材
鋼琴教學的內容制定與教學目標，對象密切相關。老師在教授演奏技術的同時，應重視理論的教學，二者是相輔相成的。
（四）拓寬教學視野，提倡創新意識
教師在鋼琴教學中，應大膽實踐，不斷拓寬自己的新的教學思路，不能拘泥保守，一成不變。鋼琴課作為音樂教育的重要技能課，優秀課，基礎課，本身應該具備開放，多元，發展的特色。教師不應將視野只局限在狹窄的琴房內，應該更加關注我國音樂教育發展的大方向，關注國內外新的教育理念，通過學習再學習，使自己的教學與時俱進，不斷創新。
大家都知道鋼琴演奏是一門技術種類繁多、技巧性極強的藝術，艱苦反復地練習是每一位鋼琴學習者學習過程中極其重要的環節。對一名鋼琴學習者而言，尋求和遵循正確的練習方法是至關重要的。
以下就從幾個方面闡述一下如何提高鋼琴練習的效率方法！
（一）坐位、坐姿
座位方面：我們要調整好坐位與鋼琴之間的距離，上身坐直，將雙手輕輕放置于鍵盤之上，上臂與前臂形成一個稍大于90度的角；找好中心點；調整坐位的遠近和高低。在坐姿方面，我們要注意以下的問題：雙腳踏實著地，放置于踏板之前；臀部只能做琴凳的一半，臀部的坐感應當是穩定當中又時刻配合著其他的動作；腰要挺直，頸部也要保持可以自由活動的感覺。彈奏者可以上身略向前傾，使中心略向前，便于力量的傳送。坐的姿勢切忌過于僵硬或松懈；手型在彈奏過程中，最自然的手型往往就是最正確的手型；注意手指的獨立性和靈活性；當然彈奏的力量也要注意，在彈下琴鍵的同時要達到一定的力度，而且要能夠控制力度的大小；均勻，練習基本功的目標是要讓十指具有相同的能力。
（二）重視課后的第一次練習
在練習過程中要求慢速練，邊看譜，邊看標記，邊動腦，手、腦、眼并用，反復練習幾次，這樣有助于及時消化上課內容。而對于新布置的曲子，要回想老師在課上講到的對曲子的要求和需要掌握的技術難點以及練習方法。
（三） 全面讀譜
首先，我們應該通過讀譜去思考一下樂曲的作者、創作年代、創作背景以及作品的風格類型。其次，要注意譜面上的各種音樂表情術語、力度標記以及速度變化標記。再次，要仔細讀譜面上的細節問題。最后，在讀譜時，除了上述內容，還要注意從作品的調式、調性、和聲、旋律等方面去仔細研究。
（四）分解式練習
鋼琴作品具有多聲部、多層次的特點，彈奏時左右手分擔著不同聲部、不同節奏、不同織體的任務。為了更快更準確地掌握作品，采用分解式的練習是行之有效的。
1.分手練習。分手練習不僅僅是學習一首新樂曲的開始階段，即使在彈奏熟練之后，仍需時常使用分手練習這一方法，有分有合、分合交替才能加深對樂曲的理解以及提高練琴的效率。
2.分聲部練習。在練習鋼琴的過程中，應當養成把各個聲部和層次區分開練習的習慣。對于聲部較多的樂曲，就必須對每一個聲部進行單獨練習，使多個聲部層次清晰，使恰當的音色、清晰的和聲進行與旋律聲部默契配合，不斷提高練琴效率。
3.難點練習。遇到難點，應努力克服，這就需要我們將難點部分抽出來單獨反復進行練習，只有這樣，困難才會迎刃而解，才會提高練琴的效率。常見的難點大致包括速度難點、音色難點、技術難點。
（五）聽覺訓練
聽覺訓練是指傾聽音樂作品結構、音色、音響效果等方面的訓練。如果學生會運用聽覺來指導自己練琴，不再是手指盲目的機械動作，就會更加有目的性，大大提高練琴的效率。
鋼琴的練習必須遵循科學的方法，上述幾種方法并不是截然分開的，應當把它們與實際情況結合在一起并靈活運用，不斷地探究、認識、發現并解決問題，苦練加巧練，保證練琴質量，從而提高練琴效率。
摘要：音階和琵音練習屬于技術類型的訓練，在鋼琴教學訓練中占著重要的地位和作用。學生要想打下良好的基本功，就必須通過大量的音階、琶音練習。該文主要論述了音階和琵音練習在鋼琴教學中的作用和意義。
關鍵詞：音階；琶音練習；鋼琴教學
所謂音階，就是將音樂中所使用的樂音按音高的順序依此排列起來，形成階梯狀的序列。所謂琶音，就是將同時發音的和弦各音按從低到高或從高到低的順序依此奏出而不是同時奏出的音。
在鋼琴教學中音階、琶音\屬七和減七和弦\雙八度以及雙三度等這些基礎訓練處于十分重要的地位。許多曲子都是巧妙地運用了各種音階\琶音和弦和分解和弦（包括它們的種種變體）作為表現音樂的手段。例如，爾尼740練習中的第一條就是各種音階組成的，第二條則是由各類琶音組成的。音階和琶音等基本功訓練不可取代的作用還可以從以下事實中得到印證。拉薩列夫是俄國著名鋼琴家，他常常告誡他的學生，每天應該練一小時左右的音階、琶音。魯道夫塞金也十分重視音階、琶音等技術訓練，他認為沒有技巧，即沒有音樂。巴克豪斯也強調音階、琶音的練習，他每天都練半小時以上的音階、琶音而且都加上表情。鋼琴大師們尚且如此,可見一個學生在他學習技術的七、八年里，音階、琶音是非常重要的學習內容。
教學實踐也證明，雖然音階\琶音彈起來和教起來都枯燥乏味，不易有“立竿見影”的教學效果，但是由于鋼琴演奏技藝性很強，在學習過程中需要進行大量的、長期的音階和琶音訓練。如果一個學琴者缺乏這種扎實的訓練的話，當他開始跨入中級程度后不久就會遇到困難，使他無法再取得更大的進步。
由此可見，要想彈好樂曲的前提是先打好基礎，把音階\琶音等基本功練好。那么用什么樣的練習方法才能做到事半功倍的效果呢？下面我們從兩個方面談一下音階、琶音在這方面的重要性。
1.音階作為基本功的重要性
人的十個手指天生能力不一樣，而音階練習要求每個音的力度要均勻一致，練習音階能夠使手指得到平衡發展，并提高控制手指、運用手指的能力，還可以幫助學生熟悉鍵盤的位置。
全部的音階，是由24個大小調式組成的。我們接觸最多的歐洲鋼琴音樂，幾乎全部屬于這些調式。熟悉了音階，也就熟悉了這些調式、調性。而在樂曲中，常有音階和音階式的進行，往往這也正是技術難點。平時練習音階，就為克服樂曲中的難點事先做好了準備。相反，沒有音階練習的基礎，一旦在樂曲中遇到音階臨時練習，就要延誤正常的學習進度了。表面上，音階的音符是按順序排列的，認起來并不難。但實際上，把音階彈奏得較快而又均勻是很難的。我們必須每天認真地練習并長期堅持才能彈好音階。
那么，要用什么樣的速度和力度練習音階呢？要將音階彈得速度快而又力度強，不是短時期練習所能達到的。對于初學者，尤其是小孩，在速度力度的要求上，應有一個由易到難，循序漸進的過程。在開始階段，應該慢而又弱，要求在最自然、最省力、腕和指最協調的狀態下彈出最均勻的音階。然后依次過渡到比較快比較強。在經過長期的慢練達到快而又強時，本質上應當依然是自然、省力、協調的狀態和感覺。
2.琶音作為基本功的重要性
鋼琴音樂是一種和聲音樂，和聲的基礎是和弦的連續，琶音又是和弦的一種形式。因此，琶音在鋼琴音樂中占有十分重要的地位。在歐洲古典音樂中，琶音或琶音類的進行相當普遍。彈好了琶音，也就是彈好了許多鋼琴曲的片斷。
由于琶音是和弦的一種形式，練習琶音的過程也就是熟悉各個調性、調式的各種和弦的位置、和弦的不同色彩的過程。彈琶音時，由于手位迅速轉移，其難度比彈音階要大。其中，關鍵又在于手腕靈活的協調配合。所以，琶音練習可以幫助獲得良好的感覺和狀態。彈好琶音，也離不開手指的積極主動。而且，手指是在比彈音階時更大的范圍里運動，必然對手指能力提出更高的要求。所以彈琶音，也就是訓練手指的靈敏和活力。在速度方面也可以和彈音階一樣，先慢后快。相比而言，練習琶音的速度可略慢于音階。但最終掌握技術之后，并不存在于兩者之間的差別。琶音所能達到的速度并不低于音階。由于琶音的音和音之間的距離較寬，在慢速練習中比音階更容易顯得孤立，所以尤其要強調動作、線條、觀念意識上的整體感和連貫感。
綜上所述，音階、琶音的彈奏水平是學生技術水平的標志之一。所以各種“考級”都把音階、琶音作為基本考試內容之一。它是鋼琴技術最基本的兩種技術。可以說不論演奏哪種風格、哪個時代的作品，都離不開大量的音階和琶音。可見音階、琶音在鋼琴教學中是多么的重要。
3.音階、琶音在技術訓練中的重要作用
3.1彈好一首樂曲還要有很好的技巧訓練。技巧訓練從本質上講就是提高手和手指的機能，同時讓大腦能加以完善的控制。也就是所說的基本功的訓練。這只有通過練習的量的積累才能達到。當掌握了合理的彈奏手法以后，練習的量就是決定因素。集中的、大量的手指技術訓練，在一定階段上能使學生的手指功能在短時間內實現質的飛躍。總的來說，在這方面，音階、琶音練習比練習曲或樂曲更需要大量的練習。只要連續彈上十幾分鐘的音階、琶音，手掌就會有隱約發酸的感覺，如果連續彈上半小時到一小時，手指的活動量就相當可觀了。這就是練習音階、琶音的一個很重要的作用。
3.2還有些特定的技術要求。要想把這些特定的技術彈好，就必須讓手得到很好的訓練，就必須通過大量的練習才能達到。而在彈奏音階、琶音的練習時才能得到集中的、大量的訓練，才能達到訓練目的。一個學琴者要想把音階、琶音都彈好，不花費很大的功夫是辦不到的。
3.3練習音階、琶音最好每一遍都能彈得持久一些，使手能夠得到充分的連續活動。車爾尼通過他的練習曲集作品337和作品365闡明了這一點。他要求彈奏每一小段都要反復彈十幾遍，使手得到大量的練習。前輩們的經驗告訴我們，學生通過大量的練習音階、琶音，能在很少的幾個月里達到純熟的程度，而用通常的辦法練習，只有通過幾年辛勤刻苦的練習才能取得一定的成績。
3.4彈奏音階、琶音時如果把同向、反向法結合起來彈并加以一次或幾次反復，就能達到持久彈奏的目的。反向練習還能夠增加彈奏中的趣味。半音階也可用相同的方法來彈。這一部分練習會花去很多的時間，但也會從中得到很大的收益。不僅加強了手的鍛煉，還加強了手指的獨立能力和整只手的力量，可為彈好樂曲做好充分的準備。本來鋼琴技術各種類型之間，都存在著有機的聯系，能互相補充、互相促進。一個學琴者要想彈好大的樂曲，不彈各種各樣的類型的基礎練習是不行的，只要將各種類型的練習有機地結合起來練習，技術才會進步很快，才會彈奏得越來越好。
總之，基本功的訓練是十分重要的，它需要經過艱苦磨練。實踐證明，通過練量的音階、琶音才能少走彎路，才能打好良好的基本功，技術才能進步得越來越快，從而達到事半功倍的效果。
